Rock Hard 'N Heavy

1986 - Obús - Dejarse La Piel

2012-01-27T03:23:00.000-08:00

Aunque tenga cierto carácter “maldito” (no se acuerdan de él tantos como debieran para reivindicarlo como uno de los mejores trabajos de Obús y del heavy rock patrio), lo cierto es que no parece haber mejor etiqueta para “Dejarse la Piel” que la de “clásico”.
Por su contenido -uno de los más regulares trabajos de la banda y uno de los de mejor sonido de su etapa clásica- y por su significado dentro de la trayectoria de Obús.

En este punto, claro, “Prepárate” –por haberlos dado a conocer de una manera tan grande como el triunfo de su “Va a Estallar el Obús” en las listas de éxitos- o “El Que Más” –por haberlos consolidado definitivamente entre los grandes de nuestra escena- pueden ser siempre los más mencionados, pero no hay que olvidar que “Dejarse la Piel” supuso todo un paso adelante en la maduración de un grupo que, sí, había conseguido ya un nutrido plantel de seguidores, pero que había visto también como su anterior “Pega con Fuerza” (y a pesar de, de nuevo, el éxito del espectacular sencillo “Te Visitará La Muerte”) no cumplía con las expectativas de los que señalaban su mayor irregularidad y el poco acierto de algunas letras que llevaban el gamberrismo rockero, simple, cercano y barriobajero de siempre demasiado cerca de la línea que lo separa de lo poco trabajado o, sencillamente, de lo ridículo.

Aunque pudiera ser arriesgado, tocaba avanzar. Y, sin dejar de sonar a lo que todos esperaban que sonase Obús, “Dejarse la Piel” lo hizo a la perfección apostando por una producción más acorde con aquellas alturas de los 80s –teclados incluidos-, e introduciendo por primera vez una bonita balada con “Complaciente o Cruel” para, en definitiva, dar mayor variedad tanto a las letras como el formato de la canciones, desde la mencionada balada a lo dinámico y divertido de “Spain Is Different”, pasando por la seriedad del rocoso (y tan válido hoy día) medio tiempo “Crisis”.

Lo justo para recuperar la atención y formar un directo con el empaque necesario para una grabación doble, a lo grande, como los más punteros grupos internacionales y como ya había hecho hacía años Barón Rojo. La banda, precisamente, con la que ya podían competir por el liderazgo del heavy rock español.
Se “dejaron la piel” para conseguirlo, y mereció la pena.

1. Mentiroso
2. Crisis

3. Necesito más
4. Juicio Final

5. Rómpelo
6. Cría cuervos
7. Spain is Different

8. El cazador
9. Complaciente o cruel

10. Sigue corriendo

1992 - Barón Rojo - Desafío

2012-01-25T11:17:00.000-08:00

Y con Barón Rojo vuelven los “discos malditos” al blog. Pero más que de maldito, criticado u olvidado, para “Desafío” habría que hablar de un disco... ninguneado. De esos a los que la mayoría ni siquiera ha dado una oportunidad. De esos de los que muchos ni conocen. Y ojo, en parte, tiene explicación.

Repasemos: el Barón llegó a tocar el cielo mediados los 80’s, encadenando hasta “En Un Lugar de la Marcha” un trabajo inolvidable tras otro, pero con el siguiente “Tierra de Nadie” (1987) la cosa empezaba a cambiar. Sea porque se trata de un disco más irregular que los anteriores o por la ya visible transformación del sonido más clásico que practicaron en la segunda mitad de la década, el trabajo quedó un punto por debajo de donde los anteriores habían llegado, y los años lo han ido separando cada vez más de la etapa de gloria. Los últimos 80’s traían una oferta musical mucho más amplia y los gustos también cambiaban. Pero “No Va Más”(1988), por añadido, acentuaba la cierta irregularidad del anterior al no conseguir tampoco un himno de los que sí que había encontrado “Tierra de Nadie” en temas como el homónimo. En medio de la caída popular, “Obstinato” (1989) parecía querer levantar la cabeza (y bien que deberíamos hacerlo todos para recordar su nueva “Herencia Letal”), pero para colmo José Luis Campuzano y Hermes Calabria abandonaban el grupo y ponían, reforzando aquel sentimiento de cierre de una década que habían representado tanto y tan bien, una especie de “punto y final” moral a la carrera de Barón Rojo.

Muchos los abandonaron entonces, y que los De Castro decidieran seguir adelante y rehicieran la formación para regalarnos pronto este “Desafío” (un título perfecto para lo que suponía) queda ya sólo como recuerdo de los más seguidores. Por no hablar de su carrera posterior, que todavía tendría otro gran acierto en el siguiente “Arma Secreta” (1997) y que ha quedado perdido todavía más en el limbo del panorama rockero patrio.
Con estos dos discos y su reinvención, el Barón se proponía recuperar buena parte del sonido más clásico de sus comienzos y, si bien no estaban tan cargados de himnos como aquellos primeros discos, por lo menos si que conseguían unos conjuntos seguramente más regulares que la mayoría de los de la segunda mitad de los 80s.
Además, y centrando en el disco que nos ocupa, cortes como “Noches de Rock & Roll” parecen capaces agrandar la nómina de clásicos de la banda, al tiempo que nos dicen que este “Desafío” debió superarse con nota. La música debería garantizar por lo menos la empatía de los que habían disfrutado de ellos en el pasado, y la temática es tan o más Barón Rojo (esa amalgama de proclama rockera y denuncia social aquí tan perfectamente representada por “Político” o “Señor Censor”) que cualquier otro que hicieran desde “En Un Lugar de la Marcha”.

El “Desafío” había resultado, quizá, demasiado grande. Y, de paso (y por seguir reivindicando también aquel otro disco), ni su “Arma Secreta” consiguió hacerle frente. Quizá por eso parecieron bajar el listón desde entonces. Quizá, sencillamente, debiéramos recuperar a los barones.

2011 - Uriah Heep - Into The Wild

2011-07-08T03:26:00.000-07:00

Aunque no sea estrictamente una novedad (hace ya unos meses que este trabajo vio la luz) vale la pena pararse un momento para reseñar, y ante todo recomendar a quien todavía no lo haya escuchado, el último disco de los veteranísimos Uriah Heep. Sin andar con rodeos, porque es una maravilla. Una más de estos tipos.

Es el segundo desde decidieran regresar a la actividad de estudio hace pocos años -recordemos que ya parecían estar en ese estado de muchas bandas veteranas que siguen adelante “para bolos y poco más” desde finales de los 90s, y que volvieron a grabar en 2008- y, si el disco anterior ya demostraba que tenían todavía mucho que decir, éste es la confirmación definitiva de que hay una "nueva etapa" y que es realmente buena.
Y es, nada más y nada menos, su disco de estudio número 23 en total. Y aún así, aunque suene tan exagerado como casi sacrílego, puede que sea uno de sus mejores esfuerzos.

Entendámonos. La magia de los primeros discos de los 70s es algo muy especial que nos dieron en esa época, y sería difícil reproducirla ahora. No se trata de eso, ni parece esa su intención. Uriah Heep no se ha caracterizado nunca por mantenerse fiel a un estilo cerrado e inamovible y no van a volverse atrás ahora, pero siempre han tenido presente una personalidad “especial” que sigue reconociéndose perfectamente en 2011.
Pero se puede decir que es uno de sus mejores por mucho que no se atenga completamente a los parámetros de su etapa más popular o atendiendo a otros más generales.

Puede que sea uno de sus discos más inmediatos, con más gancho, y a pesar de eso parece crecer con cada nueva escucha. Es seguramente uno de sus más potentes. Y parece difícil negar que es uno de los mejores producidos. Accesible y poderoso, tiene espacio para las más marcadas melodías cercanas al AOR, algunos momentos para la experimentación, mucho peso del hard rock más clásico y hasta pasajes cercanos al heavy metal que lo podrían emparentar con los actuales Iron Maiden, en parte gracias a la voz profunda que luce un Bernie Shaw que por momentos se deja caer por un punto del camino entre B.Bayley y B.Dickinson. ¿Qué más les vamos a pedir?

Más que de sobra como para que no pase desapercibido, sino entre lo más destacado del 2011.

2011 - Magnum - The Visitation

2011-02-23T07:34:00.000-08:00

Por decirlo de alguna manera: "The Visitation" no es un disco recomendable para los oyentes muy ocasionales de Magnum, o los que directamente no conocen a esta veterana banda.
Aunque su estilo más clásico es perfectamente reconocible -no se trata de eso- como conjunto resulta muy modesto, aunque homogéneo y compacto, al compararlo con la grandilocuencia melódica de los singles que muchos recordamos de sus mejores épocas, más indicados por tanto para atraer a nuevos fans.

Sin embargo, sí que lo es para los que conocen y admiran su larga trayectoria. Detalles de aquí y de allá, sin salirse de una buena y poco estridente línea general, sugieren o hacen recordar momentos de uno u otro disco anterior y ponen la sonrisa en la boca del seguidor del grupo que busca a estas alturas, sencillamente, una escucha agradable y madura. De una manera quieta y melódica, llega a poner en el recuerdo varios momentos más que interesantes, como este "Spin Like A Wheel".

Teniendo en cuenta que el grupo lleva años muy lejos de las aspiraciones de éxito de hace más de dos décadas, esto, como el que sigan publicando discos de manera regular y en esta línea, resulta una muestra de consolidación admirable. Por lo menos, muchos de los viejos seguidores lo encontrarán de agradecer.

2010 - Allen/Lande - The Showdown

2010-11-11T07:09:00.000-08:00

Cuando se estrenan proyectos como éste, de esos que implican a reconocidas figuras de carrera ya más que establecida al margen de ellos, lo que menos se espera es que (como proyecto) se labren también un camino propio.
Sí se espera que supongan un suculento bocado para los admiradores de esas figuras protagonistas, sí que resulten muy atractivos por esos nombres del "cartel", sí que se presenten como trabajos muy bien hechos por todo lo que se suele invertir... pero no que en unos pocos años consigan la continuidad necesaria para presentar, como es el caso, un tercer disco. Y mucho menos que sus trabajos puedan ser en esos años ya casi más esperados y vendidos que el de las "bandas madre" o los trabajos en solitario de los implicados. ¿Cuántas reuniones de estrellas hemos visto que se quedaron en sólo un disco de estudio, más o menos recordado?

Está claro que Allen y Lande se han tomado esto en serio, y que el éxito de sus primeros esfuerzos les ha animado a apostar fuerte por estos trabajos que llevan sus apellidos como nombre de guerra. Porque tras "The Battle" y "The Revenge" han vuelto a dejar prueba de su excelente labor vocal con otro duelo por todo lo alto en el repaso de otra buena cantidad de muy agradables temas del ya acostumbrado hard rock/metal tan melódico como aguerrido que los caracteriza. Y sin entrar en si ese conjunto de temas consigue ser de nuevo tan inspirado como lo fue en el anterior álbum (algo que, por lo parecido de los dos discos, quedará más al gusto del oyente) por lo menos sí se puede decir que éste resulta visiblemente muy trabajado y pulido para deleite de los admiradores de estas dos figuras. Más que suficiente para desearles que sigan adelante, también juntos.

2010 - Halford - Made Of Metal

2010-09-30T04:36:00.000-07:00

Parecía que Halford poco tenía que dar ya a su grupo homónimo una vez vuelto a centrar en Judas Priest, sí. Y por poco más que reediciones y directos se podía apostar después de que el largamente esperado nuevo trabajo del grupo fuera el disco "navideño" de hace pocas fechas.
Pero quedaba la duda de si aquello era realmente todo el material que se decía tenía acumulado para su propio proyecto, y por fin hemos visto que no.

De hecho, "Made Of Metal" parece decirnos que material tenía, y mucho. A saber: canciones que parecen sacadas de "Crucible" por su sonido de metal mucho más pesado y "actualizado" ("The Mower", por ejemplo, o el tema del título, entre otras), otras que parecerían grabadas para el anterior "Resurrection" y que por tanto recuperan ese sonido más clásico de su primer trabajo ("Like There's No Tomorrow" o "Thunder And Lightning", entre otras tantas, recuerdan, y mucho, a algunos de aquellos medios tiempo con gancho de su estreno), unas cuantas que pasarían por descartes de algunos discos de los mismísimos Judas Priest ("Undisputed" podría perfectamente formar parte de "Painkiller" tanto como "Fire And Ice" de un "Ram It Down" o "Hell Razor", por ejemplo, de "Stained Class") y hasta algunas otras (especialmente "Till The Day I Day") que no parecen deberse a nada anterior.

En definitiva, un conjunto diverso que podría colocarse, generalizando, entre "Resurrection" y "Crucible" y que si peca de algo es precisamente de un exceso de temas que puede dar cierta sensación de (immerecida por el nivel de la mayoría) irregularidad.
Pero es mucho más de lo que se esperaba, aún así, y algo que no decepciona para nada aún viniendo de tan ilustre personaje. Y eso es una muy buena noticia noticia.

2010 - Black Country Communion - Black Country

2010-09-29T05:17:00.000-07:00

Será porque aquí sí que parece haber un líder claro que dé coherencia a todo lo que se plantea y con una idea igualmente clara de la música que quiere hacer, o porque se ha sabido dar moderado pero importante espacio a cada uno desde esa producción de gusto tan detallista pero sutil, pero esta vez, a diferencia de tantas otras veces que se ha empezado hablando de “super-grupo”, la suma de los talentos de varios reputados músicos sí que ha resultado una verdadera “adición”.

El líder, casi evidentemente, es ni más ni menos que Glenn Hughes. Y si con esto ya tenemos excelencia a la voz y el bajo, el resto de factores de la suma no dejan de ser llamativos y llevan por nombres Joe Bonamassa (ese mismo bluesman y genial guitarrista que nos ha dado, no hace mucho, uno de los mejores discos de lo que va de año y que ahora vuelve a firmar la mayoría de temas junto a Hughes), Derek Sherinian (un teclista que acumula en su trayectoria tantos trabajos, desde los que hizo con los progresivos Dream Theater hasta colaboraciones con Alice Cooper, KISS o Yngwe Malmsteen, que hace imposible una mención completa alejada del asombro) y Jason Bonham, el hijo del desaparecido batería de Led Zeppelin que ha ocupado ese mismo puesto en numerosas formaciones de todo tipo, incluyendo colaboraciones anteriores con el propio Bonamassa.

Hechas las presentaciones, hay que decir que el resultado de esta operación realmente afortunada es Black Country Communion, y que presenta un debut brillante de preciosista sonido “setentero”, bebiendo mucho (sin ser tan funk como algunos de sus trabajos) de la propia carrera de Glenn Hughes, especialmente de sus discos con Joe Lynn Turner y de sus primeros años con Trapeze y Deep Purple, algo menos de la de Joe Bonamassa (sin ser tan puramente blues) y otro tanto del rock clásico y hard rock en general de esos ya lejanos años 70s. Tanto, es justo insistir en ello, que lejos de las producciones (sobre)potentes y (sobre)saturadas de hoy día, parece más bien grabado en uno de aquellos años y con el más atento de los productores.

Una apuesta, en definitiva, muy concreta que sin duda debe convencer a los amantes de ese tipo de música, por mucho que pueda pasar desapercibido para el resto.
De momento, los que ya le hemos podido prestar atención lo disfrutaremos al máximo.

2010 - Iron Maiden - The Final Frontier

2010-09-13T09:22:00.000-07:00

Puede resultar curioso, pero hay casos en los que a medida que un grupo crece y se hace más y más veterano resulta cada vez más difícil de juzgar. En lugar de presentarse como algo más fácil de catalogar, la cantidad de sensaciones que cualquiera ha acumulado a lo largo de la experiencia en su escucha se mezcla con las nuevas y lleva engrandecer cualquier aspecto, sea éste la decepción o la ciega alabanza de sus valores.

El caso de los actuales Maiden promete traernos una buena ración de los dos, y mientras haya quien opine que el nuevo trabajo suena “poco fresco” o que muestra un conjunto poco espectacular, modestamente homogéneo y falto de “hits”, seguro que tampoco faltará el que destaque la virtud que representa el que siga esa interesante evolución de los últimos tiempos en el lado más “desarrollado” o “maduro” de la Doncella a la vez que mantiene visibles sus raíces. Y claro, en los dos casos habrá que dar una buena parte de razón.

Para calmar a los de la primera opción se podría decir que parte de esa “modestia”, efectivamente más acentuada que en cualquiera de los discos desde el regreso de Dickinson, es salvable intercalando los temas más directos (acumulados en la primera mitad) con los más densos de la segunda parte y que, por tanto, quizá la sensación no es más que el fruto de un orden de temas poco favorecedor ante ese criterio.
Ya que nos ponemos, puede añadirse también en el bagaje optimista el hecho de que los discos inmediatamente anteriores también forzaran algunas dudas en su estreno y sin embargo han ido ganando adeptos con el tiempo.

Pero en cualquier caso, lo que nadie debería esperar a estas alturas es algo propicio para las tan gastadas comparaciones con sus discos clásicos. Su música actual no parece tener las mismas pretensiones, y como no intenta propiciar sensaciones parecidas no tiene por qué verse en la balanza con tal disco o tal otro de los 80s.

Maiden siguen a lo suyo y han sido capaces de conseguir una identidad más allá de muchos matices de su sonido, llegando a convertirse más en una banda para “sus seguidores” (los que han ido creciendo con ellos y esperan ir viendo qué rumbo toman cada vez de una manera más sosegada) que en el espejo y referente del heavy metal que fueron.
Y es comprensible, ya que para que los “nuevos” puedan disfrutar de aquella otra manera están por ejemplo esos “The Number Of The Beast” o “Piece Of Mind”, que se siguen (y eso es una buena prueba de su salud) vendiendo a buen ritmo y haciendo descubrir a muchos una música que ellos, con otros “inmortales”, hicieron capaz de marcar tantos y tantos corazones.

2010 - Accept - Blood Of The Nations

2010-09-03T04:26:00.000-07:00

Vaya por delante que es perfectamente posible que estemos ante uno de los más conseguidos discos de heavy metal, según los principios más tradicionales, de este año (aquí seguramente el que más) y de los últimos. Y que bien podría ser también, ya puestos a valorar de una manera tan general, que este regreso (otro más) de los veteranos Accept fuera uno de los discos más conseguidos (o el que más) en toda su carrera –que es mucho decir- si nos atenemos sólo (más allá del valor que da la originalidad o la influencia en el tiempo) a la regularidad en el nivel de todos los temas del disco y a su gran sonido.
Baste decir que en un disco tan largo (en minutos y en temas) resulta tan difícil quedarse con un corte que destaque por encima de los demás como señalar otro que pueda sobrar o bajar el nivel.
Y eso que la cosa no parecía apuntar tan alto.

Accept sin Udo: Esa era la principal preocupación.
Lo de “sin Udo no es Accept” se lo han tenido que guardar todos los que tenían a punto este argumento tan clásico por el innegable valor de las composiciones, y parece que también se ha aplazado la carga contra el “chico nuevo” que pone las voces. Mark Tornillo puede que no tenga el carisma de Udo Dirkschneider e incluso, ojo, puede que no llegue a la espectacularidad del sonido que Udo ha conseguido para su trabajo vocal en sus últimos discos en solitario, pero lejos de desmerecer encaja perfectamente en un disco que es tan bueno y tan Accept que anula cualquier queja sobre valía o identidad.

Y esa era la segunda preocupación: la identidad. Además de la falta del cantante de siempre (algo siempre traumático en un grupo veterano) el single que presentaba el disco (aquí abajo) no parecía tan Accept como, casi, propio de un grupo de heavy épico al estilo Manowar. Mucho menos, claro, tan Accept como a la postre ha resultado el conjunto, donde acaba por engarzarse y dar el punto de variedad sin necesidad de cambiar mayores cuestiones de estilo. Siendo así, claro, apartado queda éste y todos los problemas o preocupaciones que se pudieran tener. Tanto que se puede resumir el asunto en una máxima. Si te gustaba Accept te gustará “Blood Of The Nations”. Y punto.

¿Que no es original? No creo que nadie esperara que lo fuera el regreso a escena de una gran y reputada banda. Al contrario, es de suponer que lo que esperaba todo el mundo es que calcara su estilo más exitoso, y aquí hasta nos concede guiños como el mencionado de “Teutonic Terror” (el single) o esos momentos tan Judas Priest (imposible no pensar en ellos, por ejemplo, en “Pandemic”).

¿Qué queremos más? Ya están los jóvenes para inventar y muchos otros, jóvenes y viejos, para los que no encajen con Accept (algo, cómo no, tan posible como respetable) y que, por supuesto, por continuidad seguirán sin "encajar" con este trabajo. Que lo disfruten los demás.

2010 - The Sword - Warp Riders

2010-09-03T01:56:00.000-07:00

Un caso de esos en los que es necesario empezar pidiendo atención. Y muy merecida, además. Porque el disco lo firman unos tales The Sword, una joven formación todavía poco conocida -al menos por aquí- que seguramente no llama a la curiosidad inmediata y, para mayor obstáculo a su repercusión y deleite, una que ya en su tercer disco (en pocos años) ha cambiado su sonido lo suficiente como para que pueda cambiar también una buena parte de su público.
Y claro, entre los que no los conocen (y que tienen, como es habitual hoy día, tanto entre lo que escoger que necesitan descartar lo que viene sin mucho cartel) y los que los conocían como una promesa del stoner o de ese nuevo doom tan de moda en el underground (y que o bien se pueden sentir decepcionados con el rumbo que están tomando -los que ya gustaban de su música- o por contra -los que no- no piensen en acercarse a ellos por anteriores referencias) puede que estos chicos queden algo apartados de una justa valoración.

Para ir deshaciendo confusiones. Los orígenes pueden ser los mencionados, sí, junto a un heavy épico, rudo y muy efusivo. Pero a "Warp Riders" es más fácil encasillarlo bajo la etiqueta más genérica de "heavy" que, desde luego, como "stoner" o "doom". Pero un heavy no muy al uso, eso sí. Y esto es uno de mucha influencia setentera.

¿Podríamos imaginar que los Black Sabbath nunca se separaron de Ozzy y continuaron su evolución hacia el heavy en los 80's sin la decisiva influencia de Dio? No sé... ¿Podríamos imaginar una mezcla de los primeros Black Sabbath con un grupo de heavy épico, recargado y potente como Manilla Road? Decir que suena a algo entre el "Paranoid" y "The Deluge" quizá es decir demasiado, pero nos da una pista. ¿Y qué tal imaginar una música que ponga un tratamiento heavy y potente -a lo US Metal, por ejemplo- al heavy y hard rock setentero de esos mismos Sabbath, Blue Öyster Cult o Thin Lizzy? Sí, quizá es la mejor manera de decirlo. Pongamos a esos Manilla Road, o a los Jag Panzer (por citar algunos) a versionar temas de esos tres gigantes setenteros y puede que tengamos algo parecido.

En cualquier caso, lo que resulta fácil decir es que se trata de un disco con personalidad, y teniendo en cuenta su juventud eso puede ser una gran noticia para el futuro.

Para más señas, añadamos que se trata de un disco conceptual con una buena carga instrumental y de temática sci-fi (algo muy Blue Öyster Cult, esto), que da gran importancia a la música sobre unas voces de tratamiento más tosco (a lo Ozzy, sí, aunque a veces a lo Phil Lynott), y que de vez en cuando, entre riffs pesados y todo tipo de requiebros instrumentales, nos regala algunas preciosas melodías muy del gusto Thin Lizzy.
Ah, y muy importante. Se trata de un disco que hay que escuchar con calma una y otra vez, porque va creciendo y creciendo poco a poco. ¿Le damos la oportunidad para que lo haga?

2010 - Halford - Live In Anaheim

2010-07-15T01:58:00.000-07:00

Después del navideño y poco notorio “Winter Songs” pocos esperaban mucho más del proyecto en solitario de un Rob Halfod que parece de nuevo absolutamente centrado en Judas Priest, pero hay que decir que, sin salirse demasiado de ese guión que no aclara el futuro de su propia banda, por lo menos el Metal God ha sabido dejarnos, ahora sí, con el mejor sabor de boca posible de esta otra faceta suya publicando en doble cd un directo grabado en Anaheim en 2003 del que ya se habían extraído anteriormente algunos videos.

No será, pues, exactamente material nuevo, pero sí indudablemente bueno. Y para quien escuchara “Live Insurrection” no es una sorpresa. Sonido e interpretación espectaculares (como el otro mencionado directo de Halford, que parecía en plena forma a principios de década, además de muy acertado en la producción de este tipo de trabajos) y un repertorio, aquí sí, algo diferente que en aquél, pero igualmente portentoso. Las diferencias, claro, se deben a que ese año Halford ya tenía en mercado también a “Crucible” (recordemos que “Live Insurrection” es anterior, del 2001) e inevitablemente también tiene su peso (y mucho, al sonar tremendamente potentes en vivo) en el listado de temas junto, cómo no, a los cortes del debut, de la carrera de Halford en Fight y, por supuesto, a los clásicos de Judas Priest.

Para cualquier seguidor del Metal God o de Judas Priest esto es una garantía. Este tipo sí que sabe cómo arrasar en un disco directo y no podía dejar este material de lado en la revisión (pensemos que está remezclando y remasterizando también sus discos de estudio) que parece que esta haciendo de su época en Halford. Si lo hubiera hecho nos hubiéramos perdido uno de los lanzamientos más atractivos del año.

1974 - Elf - Carolina County Ball

2010-07-12T02:52:00.000-07:00

Tantos años hace que pocos se acuerdan ya de Elf, pero lo cierto es que, en ese repaso a la carrera de Ronnie James Dio que se hace tan imprescindible estos días, esta banda se muestra claramente como un punto crucial y el auténtico trampolín hacia el éxito para el desaparecido genio.

Había estado implicado en varias formaciones rock’n’rolleras sin llamar poderosamente la atención desde hacía tiempo, sí, pero el talento acaba por descubrise, y cuando la falta de contratos discográficos amenazaba con depararle a Elf la misma suerte que a cualquiera de aquellas formaciones anteriores acabó por llegarles el premio gordo a la paciencia.
Y qué premio. Deep Purple, los Deep Purple de “Machine Head” y “Made In Japan”, buscaban banda para que abriera sus directos, y tan grata impresión tuvo Roger Glover de su reunión con la banda del elfo que hasta se ofreció a producirles también el tan ansiado álbum.

Pero girar con la que entonces era una de las bandas más grandes del mundo y tener un disco en el mercado, el debut homónimo, no era todo lo que les deparaba el destino. La buena acogida del disco y sus actuaciones como teloneros prolongaron su papel de acompañantes de Deep Purple y con eso consiguieron estar en el sitio propicio en el momento oportuno.

Todos sabemos que aquellos tiempos fueron de importantes cambios para Deep Purple, y con la ruptura de la que muchos consideran la mejor alineación de los británicos llegó la oportunidad definitiva para Dio.
Primero, Coverdale y Hughes sustituyeron a Gillan y a un Roger Glover que se empezaba a dedicar ya más a sus propios proyectos, incluida su faceta de productor (también para Elf) y pronto Ritchie Blackmore acabó por cansarse de la nueva dirección musical del grupo y se decidió a formar una nueva banda.
¿Y a quién mejor iba a acudir para ser el frontman de ese nuevo grupo que al cantante del esos esforzados teloneros que tanto estaba impresionando?
Ése, como sabemos, fue el principio de Rainbow y, consecuentemente, el final de Elf. Pero en el proceso y al amparo del gigante púrpura, los elfos habían editado otros dos discos: “Carolina County Ball” y “Trying To Burn The Sun”.

Y sí, quizás no hayan conseguido la notoriedad histórica que haya podido tener “Elf” (1972) por aquello de ser el primer “disco grande” de Dio, pero sí que consiguieron asentar musicalmente al grupo en un blues rock, boggie rock o bluesy-hard rock (como lo queramos llamar) que consiguió altas cotas de calidad, dejó un buen puñado de grandes temas y, aunque esto ya sea algo más subjetivo, un trabajo redondo y homogéneo en su segundo álbum.

“Carolina County Ball” consiguió con acierto un variado conjunto de temas directos y con gancho ajustando ese necesario espacio para el desarrollo instrumental tan característico de la época y gracias a una producción afortunada (recordemos, de R. Glover) y al estelar papel de un Dio que firma (es una opinión) su primera grandísima actuación a las voces.
Todo ello en este listado de canciones que bien merece el recuerdo, desde el pegadizo boggie rock a medio tiempo del tema homónimo hasta, por ejemplo, el desatado rock ’n' roll de “Do The Same Thing”, pasando por la belleza de “Rainbow” o los diferentes matices de “Rocking Chair Rock N Roll Blues”.
No nos lo perdamos, pues, y que sirva también de tributo:

1. "Carolina County Ball" - 4:46

2. "L.A. 59" - 4:21
3. "Ain't It All Amusing" - 5:01

4. "Happy" - 5:28
5. "Annie New Orleans" - 3:01
6. "Rocking Chair Rock'n'Roll Blues" - 5:36

7. "Rainbow" - 4:00

8. "Do the Same Thing" - 3:10

9. "Blanche" - 2:31

1963 - Ronnie Dio & The Prophets - Dio At Domino's

2010-06-02T08:57:00.000-07:00

The Vegas Kings, Ronnie & The Rumblers, Ronnie & The Red Caps, Ronnie Dio & The Prophets, The Electric Elves y, por fin, Elf. Son muchas vueltas las que hay que dar para encontrar un nombre, el de Elf, que empiece a sonar a la mayoría de los seguidores de Ronnie James Dio, pero es que los orígenes de la primera banda que dio notoriedad al que sería uno de los mejores vocalistas de la historia del Heavy Metal (y del Rock en general) se encuentran muy lejos de aquellos discos de los primeros 70's que consiguieron llamar la atención de R.Blackmore lo suficiente como para que reclutara a su cantante para Rainbow.

Tanto, como para que una misma banda se pudiera reformar una y otra vez (casi con algún cambio de miembros con cada cambio de nombre) para dar cada vez más protagonismo a Ronnie James, desde el puesto de bajista hasta el de cantante, compositor y estrella absoluta. Tanto, que hoy suena hasta sorprendente decir que la primera encarnación, The Vegas Kings, se formó en 1957, que el primer single está fechado en 1958 y que su primer LP, “Dio At Domino’s”, se grabó en una única actuación en directo en el restaurante Domino de su natal Cortland en Febrero del ’63 con el siguiente track list:

01. Follow Me
02. Blue Days
03. I Left My Heart In SF
04. Red Top
05. An Angel Is Missing
06. Irresistible You
07. I Told You So
08. Everybody’s Got A Dance
09. Don’t Take Your Love
10. Jonny Blue
11. Great Balls Of Fire
12. Love Pains

Para entonces, Dio ya ejercía de cantante y bajista y la banda tenía su nombre más estable y reconocido de su etapa pre-Elf: Ronnie Dio & The Prophets. Para entonces, también, el grupo se había hecho con un sólido repertorio en el que asomaban las primeras composiciones de Dio, las de los más fugaces compañeros de una u otra etapa y algunas versiones de temas de la época.

Es evidente, claro, que esa época era otra muy diferente y que esos temas poco o nada tenían que ver con la música que todos asociamos actualmente al genio de Cortland, NY.
Y es que sí, Ronnie Dio & The Prophets hacían rock ‘n’ roll, pero se movían en los registros más clásicos del género (los únicos que podían haber entonces, por supuesto) y lo teñían de doo wop, pop de la época, soul o R&B. Las influencias, por tanto, de gente tan variopinta como grande de ese momento como Jerry Lee Lewis, Elvis Presley, Phil Spector y sus grupos corales o los grandes del soul de la época estaban más que presentes y los colocaban, por ejemplo, en un sonido similar al de los contemporáneos primeros Beatles, aunque en una versión más americana y menos juvenil.

Es por eso que “Dio At Domino’s” es un fenomenal ejemplo del sonido del alba de los 60’s, además de tener el honor de ser el primer LP en el que participó Dio y de contener el primer tema (ese "Love Pains" del video superior) escrito por él. Pero no es sólo eso.
“Dio At Domino’s” es para cualquiera que haya conocido posteriormente la música de este monstruo del Heavy Rock, y al margen de que pueda o no gustar algo tan remoto en estos días, toda una demostración de cómo puede llegar a ser de enorme la carrera de alguien cuando además de trabajar incansablemente tiene un talento tan desbordante como el que tuvo siempre el maestro Dio.
Elvis era el Rey y Ronnie estaba ahí, los Beatles reinaron y Ronnie seguía creciendo. Llegó el momento del rock duro y Dio llegó a ser el Amo. ¿Qué más se puede decir? Sólo una cosa más. Por tantos años de dedicación, gracias.

2010 - H.E.A.T. - Freedom Rock

2010-06-01T08:19:00.000-07:00

Parece que es el año en el que las bandas punteras de la generación sueca hardrockera se han propuesto consolidarse, y también HEAT presenta nuevo disco. Segundo, además, como otras tantas, para demostrar que hay algo ahí más allá del bombazo más fácil pero siempre pasajero del debut.
Si la cosa se tratara sólo de música, podríamos decir que, si el primero triunfó, a “Freedom Rock” (y por tanto a HEAT) le irá bien. Porque la apuesta sigue siendo la misma, y es indudable que si nos gustaba el hard rock europeo de corte muy melódico e inspiración ochentera del primer trabajo, nos gustará el sonido que presenta el segundo. Pero a un segundo disco casi siempre se le pide algo más de lo que presentaba el estreno, y por ahí (si es que finalmente “Freedom Rock” no consigue todo el impacto que se le podía suponer) es por dónde puede faltar algo.

Pero todo ese tipo de consideraciones las debe resolver el tiempo, y de momento lo evidente es que los suecos nos traen más material para otra siempre agradable escucha. Más o menos espectacular que la anterior, según cada uno, pero seguro que positiva.
Porque claro, por este mismo camino puede que HEAT no pasen a la historia (después de todo, ya lo hicieron los que "crearon el estilo" y es difícil que se les pueda sumar alguien a estas alturas) pero al menos podemos estar seguros de que vamos a poder pasar con ellos muy buenos ratos.
Os dejo con uno.

2001 - Blue Öyster Cult – Curse Of The Hidden Mirror

2010-06-01T07:35:00.000-07:00

Con el incierto y cada vez más anecdótico devenir de la carrera de los BÖC en los 90s, que tuviéramos un nuevo disco de estudio en 2001 ya era toda una noticia. Pero a vista de que pasan y pasan los años y no hay nuevas acerca si habrá o no más lanzamientos de este tipo, “Curse Of The Hidden Mirror” está adquiriendo también la importancia de una despedida.
La banda sigue girando, como tantas otras formaciones veteranas que han acabado por retirarse de todos los otros quehaceres de su profesión para limitarse con disfrutar (y hacer caja) con algunos bolos esporádicos, pero nada parece indicar que quiera dedicarse a otra cosa. Si finalmente es una despedida, eso sí, al menos podrán decir que se retiraron a lo grande.
No en lo comercial, claro. Muy lejos, tanto que casi hay que contarlo en décadas más que en años, quedaban los tiempos en que Blue Öyster Cult era una de las bandas de mayor prestigio de la escena Rock y Hard Rock internacional y un nuevo disco no iba a remediar eso. Pero sí en lo musical. Y empecemos por aportar pruebas:

“Curse Of The Hidden Mirror” no crea nada nuevo, aunque eso mismo suene raro en un grupo que se ha caracterizado por su variedad y creatividad, pero sí rescata el estilo más reconocible de estos veteranos hasta el punto en que es posible encontrar cualquiera de los matices que nos hayan atraído de sus clásicos más celebrados en algún momento del álbum. Y todo eso haciendo “temas nuevos”, sin repetirse ni sonar formulistas, que es algo que no todos los grupos de tan largo recorrido pueden decir hoy día. Es más, aportando a ese viejo estilo BÖC –el más centrado en el rock duro de sus primeros años- una clase difícil de encontrar y que parece ganada con ese largo tiempo de conocerse y depurarse. ¿No nos demuestra eso este “Pocket”?

A eso hay que sumarle, posiblemente, la producción más afortunada que nunca hayan tenido, que los hace sonar claros y potentes, y un conjunto de temas que, siendo variados en tempo y carácter, resultan mucho más homogéneos como disco que otros anteriores. Rock, clásico, bien hecho, bien tocado, con muy buen gusto (la prueba final en el impecable tema del siguiente video, que hay que escuchar hasta el final para degustar con calma) y muy personal.
Ahora que hacemos repaso de la década que acabamos, vale la pena recordarlo. Y si finalmente es una despedida, muchas gracias y hasta siempre.

2010 - Enforcer - Diamonds

2010-05-25T07:36:00.000-07:00

La descripción no suena muy diferente: otra banda sueca que consiguió cierta notoriedad con su debut y que presenta ahora su candidatura para quedarse fuera del olvido en el saturado panorama europeo con su segundo trabajo.

Eso sí, Enforcer han dado este paso con bastante más acierto que la mayoría. Han tardado poco en volver a dar noticias, y han sabido reciclarse para un disco con mayores pretensiones y extensión de mercado.
Claro, para su primer trabajo estuvo muy bien ese derroche de speed metal de antigua escuela que reunía varias influencias de corte ochentero (muchos notaron especialmente las de los primeros años de Iron Maiden y Blind Guardian) en una explosión de sonido directo y, como dicen algunos, “underground”. Pero apostar por algo así de nuevo hubiera eliminado la sorpresa, puesto demasiado fácil la comparación con ese primer producto en unos términos en los que aquel, por primerizo, sería inevitablemente más fresco y rebosante de actitud, y eliminado buena parte de las miras de los seguidores del metal europeo en un sentido más amplio. Y eso no quiere decir que hayan cambiado totalmente de registro.

El grupo parece demostrar su personalidad en todo momento y además deja espacio para esos latigazos speedicos en su nuevo álbum. Pero los reparte de una manera más inteligente, dando variedad a un conjunto con mayor peso del sonido no tan acelerado del heavy metal (del ochentero, por supuesto, muy de influencia NWOBHM) por encima del speed más puro. Dentro de eso, los Iron Maiden de los primeros ochenta, los de Paul Di’Anno, se descubren como los auténticos maestros de estos jóvenes nórdicos.

Es una buena apuesta, y está claro que esta vez han jugado fuerte desde que se ve la portada y se recuerda la del anterior y primer disco. Esperemos que les salga ganadora.

2010 - Y&T - Facemelter

2010-05-25T07:34:00.000-07:00

Ya nos estamos acostumbrando este año a que vengan los veteranos a recordarnos por qué nos gusta esto del heavy rock. Scorpions, RATT o KEEL han vuelto estos meses a dar alegrías y con un disco de Y&T anunciado, por supuesto, la cosa –a pesar del tiempo que llevábamos sin tener material nuevo de su parte- no podía desentonar.

“Facemelter” es el primer disco de estudio de Meniketti y sus chicos desde 1997, y por si alguien pensaba que la larga ausencia se debía a que poco le quedaba ya por decir al veterano músico de California, presenta un largo listado de temas sin desperdicio y con la marca siempre presente de su autor. Es más, puede que por haber podido reunir ese material con más tiempo del acostumbrado se trate de uno de los discos más completos y bien trabajados de su discografía (lo que es mucho decir), a la vez que poseedor de auténticos hits potenciales como la impresionante “I Want Your Money”, ese potente “On With The Show” que abre el disco de la mejor manera posible o este “I’m Coming Home” que ha servido de primer single.

Sin lugar para la decepción de cualquier amante de su música anterior (y la única posible pega de ver cómo la voz de Meniketti se ha ido gastando, a pesar de que con su perfecto manejo en estos nuevos registros consiga utilizarla para hacerla más personal), un atemporal discazo de heavy rock, del de siempre, que vale la pena no perderse. Quién sabe hasta cuándo vamos a tener que esperar para el siguiente.

Dio ha muerto

2010-05-16T23:40:00.000-07:00

No se suelen comentar noticias en este blog, que queda casi exclusivamente para las reseñas de la música que nos gusta. Pero es que acaba de morir una parte muy importante de esa música. Este es el comunicado oficial de la mujer de Dio, que nos ha impactado a todos confirmando que el genial músico no ha podido superar el cáncer que padecía:

"Hoy mi corazón está roto, Ronnie falleció a las 7:45 del 16 de mayo. Muchos, muchos amigos y familiares pudieron dar su propia despedida antes de que pacíficamente falleciera. Ronnie sabía cuánto le quería todo el mundo. Apreciamos el amor y el apoyo que todos vosotros nos habéis dado. Por favor, dadnos unos días de privacidad para soportar esta terrible pérdida. Por favor, sabed que él os quería a todos y que su música vivirá por siempre".

Descanse en paz Ronnie.
Desde aquí, un pequeño homenaje recordándolo en ese proyecto solidario en el que Dio involucró a muchos de sus amigos de esta música hace ya muchos años:

1994 - Mötley Crüe - Motley Crue

2010-05-11T03:11:00.000-07:00

Habían arrasado el mundo con "Dr. Feelgood" en el '89 y se habían colocado en una posición tal que hasta el recopilatorio del '91 había llegado a colocarse en el número 2 del Billboard. Pero las cosas cambian y, como casi siempre que se dice eso, pueden hacerlo a peor. La explicación es sencilla: cuando una banda endiosada se pone por fin a trabajar en un álbum nuevo en un momento de cambio del panorama musical y con varios egos fuertes que satisfacer la cosa suele acabar en pelea.

En el caso de Mötley Crüe fue Vince Neil el que acabó perdiendo y su salida de la banda dejó al gigante sin su carismático vocalista y con Nikki Sixx como líder sin discusión. No es de extrañar, entonces, que fuera éste el que no tardara en encontrar el sustituto en un tipo, J.Corabi (entonces vocalista de The Scream), con el que "casualmente" hacía un tiempo contactaba para compartir admiraciones y posibles colaboraciones. El peso de Corabi, eso sí, resultó mayor de lo que se podía esperar de un recién llegado y acabó colaborando en la composición de todos los temas del nuevo disco. Eso, por consiguiente, se sumó a la dirección por la que Sixx quería llevar a su grupo en aquellos nuevos 90s llevando un paso más lejos de lo que venían haciendo anteriormente la música de la banda.

Registro diferente para las voces, orientación más seria en las letras (evidentemente, Corabi no resultó ser ese llamativo Neil que apostaba por el "sexo, drogas y rock n roll") y un sonido más denso y pesado que se apoyaba en otra brillante producción de Bob Rock (por lo menos a la altura de "Dr. Feelgood" en el primer puesto de las producciones "Crüe") que, sin embargo, tenía menos que ver con sus trabajos anteriores que, por ejemplo, con lo que poco más tarde haría para el "Load" de Metallica.
Todo eso suele ser mucho cambio para un salto de un solo disco de estudio (aunque sea también de cinco años) y aunque la larga espera hizo que la acogida fuera tan efusiva como para entrar directamente al nº 7 del Billboard, pronto las ventas se desinflaron por debajo de los trabajos de los 80s.

Pero tampoco imaginemos de más. Temas como "Poison Apples", la tremenda "Welcome To The Numb" o "Driftaway" (una de sus mejores baladas de siempre) son perfectamente reconocibles en su carácter continuista (tanto que no cuesta imaginarlos con la voz de Vince Neil) y hubieran sido perfectos y exitosos hits 100% Mötley Crüe en otra época. "Hammered" o "Smoke The Sky" (de lo más potente de su repertorio) introducen un sonido algo más pesado y poderoso pero no por eso dejan de grandes piezas de hard/heavy rock que deberían haber tenido mejor suerte y en general todo el disco, también en sus partes más "noventeras", representa un esfuerzo considerable y más que bien aprovechado. Pero puede que no fuera buen momento.

A estas alturas, eso sí, hemos superado mucho y que sea "el disco de Mötley Crüe" sin Vince Neil" o "uno de esos discos diferentes que sacaron en los 90s" no nos debería asustar mucho. ¿Es buen momento para recuperarlo? Bueno, si se hace, por lo menos no será un momento perdido.

2010 - Meat Loaf - Hang Cool Teddy Bear

2010-05-03T09:54:00.000-07:00

“Hang Cool Teddy Bear” es el nuevo disco de Meat Loaf, y aunque esta vez no tenga al genial Jim Steinman entre los compositores -y aunque eso se note, por mucho que algunos temas traten de seguir con su estilo épico y grandilocuente y por mucho que la lista de compositores de los créditos se llene de nombre ilustres- y si bien esta vez se abre a recoger todo tipo de influencias del mainstream americano actual -y que puede que eso lleve al disco a una extensión y diversidad quizá desmesurada que se puede añadir en “el debe” al desencanto del que quisiera escuchar al Meat Loaf de siempre- eso es siempre una buena noticia.

Lo es porque siempre es un gusto escuchar las interpretaciones (las que puede hacer a día de hoy también) de uno de los mejores vocalistas de la historia del rock, y sobre todo lo es porque después de haber dicho tantas veces que éste (por los anteriores) sería su último trabajo o que tal sería su último concierto -y casi siempre por su parecía que preocupante salud- parece que la veterana estrella de los “Bat Out Of Hell” es todavía capaz de seguir adelante con ánimo.

No pasará a esa mencionada historia como uno de sus más grandes álbumes, no. Pero por lo menos nos recuerda que este tipo sigue estando ahí y que vale la pena recordarlo.

Hecho con el primer single del disco, mucha suerte para él.

2010 - RATT - Infestation

2010-04-20T00:53:00.000-07:00

11 años han pasado desde su último disco y, como tantos otros veteranos, RATT se han decidido a aprovechar el momento volviendo a la escena con nuevo álbum. Hasta ahí no es una sorpresa. Lo que no era fácil de esperar es que su nuevo disco pudiera resultar uno de sus trabajos más atractivos de siempre. Y aunque pueda resultar extraño decir esto cuando se habla de una formación de carrera ya más que asentada y reconocida, “Infestation” nos enseña que es así en muchos aspectos.

Es uno de sus discos más potentes, sin duda, uno de los mejor producidos (por supuesto), acumula cortes de mucho gancho, han tenido el acierto de mantener la regularidad y un gran empaque grabando un conjunto breve y además, para alegría de sus seguidores de siempre (que en el fondo van a ser el grueso de los que se interesen por el disco) sigue sonando a RATT allá por donde se lo mire. Y no parece justo que se le pueda pedir mucho más a un grupo que ya hizo todo lo que tenía que hacer hace tiempo. Es por eso que este “Infestation” sólo nos lo podemos tomar como un bonito regalo. Y para otras cosas, que inventen los jóvenes.

2010 - Crashdïet - Generation Wild

2010-04-20T00:49:00.000-07:00

Tres discos, tres cantantes diferentes, grandes éxitos como el del debut, duros golpes como el de la muerte de su primer frontman y un bajón mediático (parece que superado) en el siempre difícil segundo álbum acumula ya esta joven banda sueca en sus todavía cortos años en la escena. Y todavía sigue en pie. Y lo que es más, parece que recuperando popularidad y primera plana mediática con este tercer trabajo, para el que ponen toda la carne en el asador.

Nuevo vocalista de voz y presencia más impactante, imagen potenciada en ese estilo rockero muy gamberro hasta terrenos de lo más llamativos (destacando ese clip que han grabado para el single homónimo y que ya ha sido censurado en la MTV sueca por su violencia extrema, en una maniobra que seguro les reportará la atención de más público) y una mejor promoción se añaden ahora a un estilo deudor de los grandes del sleazy y el hard n heavy de los 80s que se va reformando, disco a disco, en algo más personal y actualizado que compensa el riesgo de desenganchar a quienes los comenzaran a escuchar por su orientación “retro” en el uso de las claras influencias de Mötley Crüe o Skid Row con el ya evidente peso del público “propio” de esta nueva generación nórdica y su sonido.
Más suyo, por tanto, con el mérito añadido que eso conlleva, además de igualmente atractivo y con gancho, muy rockero y lleno de actitud joven, macarra y divertida. No cabe duda, por tanto, de que puede ser un golpe importante en su carrera.
Añadido, además, a que algunas otras de las formaciones suecas de su generación también parecen empezar a consolidarse, puede que toda una señal de que estamos viviendo el asentamiento de una escena que, más allá de la moda pasajera, puede dominar el hard rock europeo por años. Si es para regalarnos discos como éste o el último de Crazy Lixx, bienvenida sea.

2010 - Crazy Lixx - New Religion

2010-03-31T08:44:00.001-07:00

El siempre difícil segundo disco (para los que generaron expectativas con el primero) llega con la firma de Crazy Lixx como toda una apuesta por ser la primera vez que esta joven banda nórdica compone un listado de temas completo pensado para un LP.

Recordemos que su anterior “Loud Minority” fue la culminación de esos años primerizos en los que el grupo venía lanzando paulatinamente singles y que incluía algunos de ellos, junto a otros temas de toda esa época. “New Religion”, sin embargo, está pensado, compuesto y grabado para ser “un álbum”, y eso se tenía que notar.
En que es más homogéneo, desde luego, en que se nota una dirección más clara, en que el sonido es más compacto... y quizás en que hay menos singles potenciales que destaquen dentro de un conjunto rocoso.

Rocoso, sí, rockero, aguerrido, más duro y (ma)duro y posiblemente más deudor, si cabe, de ese sonido hard ‘n heavy propio de finales de los 80s y principios de los 90s, especialmente heredero de Skid Row. Aunque no nos confundamos, claro, la línea sigue siendo la misma, aunque esté evolucionada. Todo un bloque poderoso para dejar la competencia servida con Crashdïet y Hardcore Superstar por ser la banda puntera de su generación. Crazy Lixx han jugado fuerte y en breve (que ahora va todo muy rápido) veremos qué pasa.

Es posible, sí, que no consiga la notoriedad que sí tuvo el primero, pero eso es lo que viene pasando con todas las bandas de esta generación sueca que consiguen dar la campanada, y no parece que tenga que ver obligatoriamente con un descenso en la calidad de su música. De hecho, hemos visto como pasaban desapercibidos discos probablemente mejores que anteriores “bombazos” del mismo autor. Pero se convierten en estrellas durante un tiempo y luego las vamos olvidando en favor de otra novedad. En el caso de Crazy Lixx será, si pasa, quizás por ese cambio de orientación desde un disco hecho de singles potencialmente buenos para la radio a otro trabajado como un conjunto más homogéneo y duro. Y posiblemente, si pasa, será porque el disco hecho “de singles” (algo, por otro lado, tan válido como interesante) nos viene mejor, por inmediatez, para seguir con esa costumbre de escuchar una vez, endiosar al autor, y no volver a prestarle mucha atención. Que lo de madurar un disco puede que se haya pasado de moda.

Pero en fin, como parece que lo que han conseguido con “New Religion” la merece, esperemos que tengan suerte. Y que su carrera sólo vaya para arriba, que eso inevitablemente significará otros muchos buenos ratos para los que amamos el Hard Rock.

1975 - Scorpions - In Trance

2010-03-31T02:26:00.000-07:00

Este momento, en el que encaramos la recta final de la carrera de los Scorpions, parece especialmente dado a que echemos la vista atrás y recordemos los muchos logros de la banda alemana. Pero alrededor de 40 años de música dan para mucho, demasiado como para intentar algún repaso mínimamente completo, y pareciendo lo más adecuado que cada uno repase los buenos momentos en función de sus gustos, y a partir de aquí se interese (o no) por continuar, ese vistazo al pasado se nos ha ido hasta 1975 para encontrarse con la que puede ser la primera gran piedra que, tras los cimientos, pusieron estos alemanes en su gran obra.

Un tercer disco siempre es un gran paso al frente en la consolidación de un grupo, y en el caso de Scorpions las razones para hablar de consolidación desde este “In Trance” son muchas y variadas. Y empiezan por el propio grupo. A saber: Este fue el segundo trabajo con Uli Roth a la guitarra solista y el primero en el que el virtuoso heredero de Hendrix adquiere el peso necesario para resultar parte importante en la definición del sonido de la banda.
El hecho es claro. De firmar dos temas en el anterior “Fly To The Rainbow”, Roth pasa a colaborar en la composición de más de la mitad de los cortes de “In Trance” y volvería a ser importante en los siguientes, resultando un factor decisivo en el crecimiento de la formación durante los 70s, periodo básico para cimentar su posterior éxito mundial en los 80s y para muchos enormemente más creativo que ese otro venidero.
Tanto crece su protagonismo que se atreve incluso con las voces en este disco, aunque en ese apartado no resulte de tanta importancia. Además, y todavía en el punto de la composición de la banda, para “In Trance” aparece un Rudy Lenners a las baquetas que, a pesar de su corta estancia en los escorpiones, es considerado todavía por muchos el mejor batería que hayan tenido.

Otra razón de peso pasa por la producción. Con “In Trance” se inicia la colaboración con el productor Deter Dierks, que les acompañaría hasta finales de los 80s siendo una parte muy remarcable del éxito que les vendría en esos años.
El personal estilo, claro, que acabarían de definir con el disco, muy metido en el sonido del rock duro de los 70s, a caballo entre lo que ahora se podría definir como hard rock clásico de gusto melódico y heavy metal tradicional, es otra de las más importantes.
Ni los trallazos de heavy clásico como “Dark Lady” o “Robot Man” son fáciles de encontrar antes de ese año (y lo que todos conocemos sólo salía de Gran Bretaña, mientras que ahora se abre al mundo desde Alemania) ni –mucho menos- las power ballads como “Life’s Like A River” o el tema del título abundaban hasta que estos germanos explotaron su filón. De todo tiene, entonces, y bien hecho, repartido así:

1. "Dark Lady" – 3:30 (U. Roth)
Compuesta y cantada (menos en los coros) por Roth –algo que, para ser el tema que abre el álbum, demuestra la confianza que ya tenían en el músico- es un arrasador inicio con una guitarra exuberante que se adorna en doblajes y partes de vibrato y wah wah. Rompedor, original y creativo para su época, una gran apuesta para empezar un disco.

2. "In Trance" – 4:47 (R. Schenker/K. Meine)
Se abre la parte más serena del disco con el tema homónimo. Una pausa para la balada que se rompe para dejar paso una y otra vez a un estribillo poderoso. A día de hoy, ¿cuántas veces hemos escuchado algo así? Bien, ¿y antes de esto? Pues eso. Enorme clásico de la banda.

3. "Life's Like a River" – 3:54 (U. Roth/R. Schenker/C. Fortmann)
En un formato más íntimo y magistralmente emotivo, sigue el momento para la balada con uno de los temas de mayor belleza que hayan grabado estos germanos. Y eso es mucho decir. El espectacular trabajo de la guitarra y la conmovedora interpretación vocal de Meine hacen de “Life’s Like A River” uno de sus temas lentos de mayor clase. Qué difícil debe ser sonar así para que tan pocas veces lo hayamos podido escuchar.

4. "Top of the Bill" – 3:26 (R. Schenker/K. Meine)
Pero volvamos al rock duro poco a poco con un medio tiempo de enormes riffs que sube la intensidad al disco...

5. "Living And Dying" – 3:24 (R. Schenker/K. Meine)
Y sin acabar de salir de ese momento mágico sigamos recorriendo esos parajes oníricos, oscuros y bellos que nos presenta “Living And Dying”.

6. "Robot Man" – 2:47 (R. Schenker/K. Meine)
Desde que “Dark Lady” abriera el disco con acelerada rotundidad habíamos tenido dosis de riffs poderosos salpicando aquí y allá ese hard rock tan melódico y elegante, pero es tiempo de sacarnos de esos ambientes y “Robot Man” se encarga de hacerlo con fuerza, iniciando la segunda mitad del disco como empezó la primera, para hacernos notar lo compensado y trabajado de la obra. Y con qué fuerza. A excepción del “Paranoid” de Black Sabbath pocos temas de la época se recuerdan que se muestren tan directos y arrasadores. En menos de tres acelerados minutos y desbordando gancho hasta que inevitablemente acompañemos el ritmo con la cabeza o los pies. Excelente.

7. "Evening Wind" – 5:06 (U. Roth)
De vuelta poco a poco a la nostalgia, de nuevo con Roth demostrando su maestría también en estos terrenos.

8. "Sun in My Hand" – 4:25 (U. Roth)
Pero si hay un corte en el que el guitarrista parece dejarse ir, éste es el medio tiempo “Sun In My Hand”, donde Uli exhibe recursos, una extraña originalidad sonora que convierte al tema en pieza rara y hasta una legión de solos de escándalo.

9. "Longing for Fire" – 2:44 (R. Schenker/U. Roth)
No se abandona la originalidad con “Longing For Fire”, llevada por una pesada línea de bajo y una gran interpretación de batería que hace al tema dinámico bajo las bonitas melodías vocales.

10. "Night Lights" [Instrumental] – 3:14 (U. Roth)
Y el cierre que se merecía el disco, que no podía ser otra cosa que un precioso momento instrumental donde la guitarra de Roth se mueve como pez en el agua. Como una firma de despedida. Como un broche de oro para un disco espectacular.

1989 - Mr. Big - Mr. Big

2010-03-30T07:22:00.000-07:00

Hay veces que, en esto de la música, las matemáticas no acaban de funcionar y la suma de muchos talentos no resulta un verdadero acierto, pero como para desmentir el tópico parece que en el caso de Mr. Big los números quisieron favorecer el resultado multiplicándose.
Y es que éste puede ser uno de los pocos “supergrupos” que ha dado el rock que a la postre haya resultado más famoso como tal que las carreras de sus miembros por separado. Veamos: B.Sheehan había hecho fortuna poniendo su espectacular bajo al servicio de David Lee Roth, Paul Gilbert ya demostraba su talento a las seis cuerdas en sus Racer X, Pat Torpey había trabajado con sus baquetas junto a Robert Plant o Freddy Mercury y Eric Martin era un reputado vocalista habitual de los musicales antes de formar parte de Mr. Big, pero ¿alguien se acuerda de todo esto antes que de discos como éste?

Seguramente no, pero si lo hace es posible que se pare a pensar en lo diferentes en estilo que eran todas esas trayectorias y en cambio en cómo de compacto y “hecho” suena ya este homónimo debut. Aún así, es también fácil distinguir la aportación de cada uno y verles brillar individualmente, siendo indiscutible que uno de los puntos fuertes del disco es precisamente la exhibición del buen hacer en la interpretación de cada uno de los músicos. En este apartado, mención aparte merece Eric Martin, que realiza una de las interpretaciones más lucidas que se puedan recordar en un disco de Hard Rock, poniendo el extra de clase con su estilo tan emotivo y seductor (algo entre Dave Lee Roth y David Coverdale que parece extrañamente difícil de lograr de una manera tan sensual sin perder la elegancia) a un Hard Rock clásico de escuela Van Halen, remozado para la radiofórmula de la época.

Y bien que consiguieron hacerse con esa radiofórmula, porque ya con este primer disco pudieron ver su trabajo en el Billboard 200 (número 46 de discos en 1989) y para el siguiente “Lean Into It” ya habían acumulado la suficiente fama como para tener el álbum entre los 20 primeros y colocar singles en los primeros puestos, dando inicio a una recordada carrera dentro del mundo del Hard Rock que empezó, con este “Mr. Big”, con en el siguiente listado de temas. Empezamos por el primer y único single del disco, que llegó entre la gran competencia de ese año a un meritorio puesto 39 para ser la carta de presentación de estos entonces desconocidos, y pasamos por algunas de las más selectas piezas del momento, incluyendo dos de los medios tiempos baladeros (“Had Enough” y “Anything For You”) de mayor emotividad que se hayan grabado en este estilo. Ahí va:

1. "Addicted to That Rush" (Paul Gilbert/Billy Sheehan/Pat Torpey) – 4:46

2. "Wind Me Up" (Eric Martin/Gilbert/Torpey) – 4:11
3. "Merciless" (Gilbert/Martin/Torpey) – 3:57
4. "Had Enough" (Sheehan) – 4:57
5. "Blame It on My Youth" (Gilbert/Martin/Sheehan) – 4:14
6. "Take a Walk" (Gilbert/Martin/Sheehan) – 3:57
7. "Big Love" (Martin) – 4:49
8. "How Can You Do What You Do" (Jonathan Cain/Martin) – 3:58
9. "Anything for You" (Gilbert/Martin/Sheehan) – 4:37
10. "Rock & Roll Over" (Martin) – 3:50
11. "30 Days in the Hole" (Steve Marriott) – 4:12

Merecido recordatorio hecho a los temas y sus autores (y hay que notar el trabajo de todos los miembros del grupo también en la composición), no nos queda más que rendirnos a su talento. Un buen momento para ponerse de nuevo el disco, ¿verdad?

1974 - KISS - Hotter Than Hell

2010-03-29T09:14:00.000-07:00

Cuando existe ese momento de especial creatividad y “feeling” por el que no tantas bandas pueden presumir de haber pasado hasta las prisas pueden transformarse en un aliciente en lugar de resultar un contratiempo.
Veamos, la banda más “caliente” del planeta se encontraba en pleno estallido tras haber publicado su exitoso primer álbum y haber empezado a girar abriendo bocas a su paso -maquillaje, disfraces y show rockero mediante-; y de la urgencia por publicar más material impuesta por la necesidad de la emancipación económica de su disquera (que los obligaba a componer y grabar en la mismísima ruta) salió un sonido mágico, crudo, sucio y de producción escasa que acabó de dar ese aire especial a algunos de los temas más melódicamente afortunados que hayan grabado nunca KISS.

Llamémoslo destino o simplemente estado de gracia, pero para dar forma a “Hotter Than Hell” salieron algunos de sus riffs más directos, aparentemente sencillos, efectivos y duros, y a la vez algunos de los momentos más bellos, adornados de melodías nostálgicas y guitarras dobladas, de su extensa discografía.
Convertidas así en virtud, si en algún punto se pudieron notar las prisas como algo negativo éste fue el de la promoción.

“Hotter Than Hell” pasa por ser uno de los discos menos populares de la etapa de gloria de los de New York, pero, pensando en el masivo nivel popular que ha ido consiguiendo toda esa etapa al completo con el tiempo, eso tampoco es, ni de lejos, un fracaso comercial. Para el ’77 ya tenía certificación oro por haber vendido más de 500.000 copias y mucho ha llovido desde entonces (también en dinero) para KISS.

Más oscuro en sonido y más relacionable con el hard rock clásico de los 70s que la mayoría de sus discos de la época, sí, pero “Hotter Than Hell” se agranda con la marca (y en este caso nunca mejor dicho lo de “marca”) KISS grabada a fuego y abrasando a un público entonces sorprendido una y otra vez, en buena parte a base de tomar el planteamiento ambiguo y sexual del glam rock de la época y reconvertirlo en algo donde las provocativas letras son ya la clara y abierta exhibición sexual y amorosa del varón que tanto se repetiría en el Hard Rock más mediático de la década siguiente.
De principio a fin “más caliente que el Infierno”, de principio a fin una colección de clásicos ya de los KISS:

1. "Got To Choose" (Paul Stanley) – 3:52
Paul Stanley abre fuego planteando la elección de un novio a su pareja infiel en uno de los temas que han pasado a la historia entre lo más selecto del repertorio KISS, con contagioso estribillo en falsete y el primer impresionante riff del álbum. Uno de esos temas con los que se entiende que si el sonido de “Hotter Than Hell” acabó por favorecer su propuesta es precisamente por acercarse al de su arrasador directo. Aquí lo tenemos:

2. "Parasite" (Ace Frehley) – 3:23
Gene Simmons toma el relevo a las voces en un tema escrito por un desbordante Ace Frehley a la guitarra (que nos deja uno de sus riffs más afilados, en el que hay quien ha querido ver un precursor del metal posterior) y que le viene como anillo al dedo al más duro y crudo personaje KISS.

3. "Goin' Blind" (Gene Simmons, Stephen Coronel) – 3:34
Estas cosas siempre son muy personales, pero puede que éste sea uno de los temas más bellos que nos hayan dejado tanto KISS como el hard rock de los 70s en general. No podían hacerlo “standard”, claro, y la historia de amor que nos cuenta se desarrolla entre un anciano y una jovencita, pero ¿no son mágicas esas twin guitars?

4. "Hotter Than Hell" (Stanley) – 3:36
Vuelve Paul Stanley a punto para ligar en su inconfundible estilo con una casada “más caliente que el Infierno”. A estas alturas es tan imposible no conocer este tema como haber conseguido escapar a los incontables recopilatorios y directos del grupo, pero aún así bien que se merece volver a aparecer aquí:

5. "Let Me Go, Rock 'N Roll" (Stanley, Simmons) – 3:17
Otro tema habitual de su repertorio en directo y de sus recopilatorios es este potente y afilado rock’n roll que no necesita más presentación:

6. "All The Way" (Simmons) – 3:17
Volvemos a tener riffs para el recuerdo en el relato de las continuas quejas de la novia de Gene, y con eso nos metemos en una segunda cara del disco, quizás menos conocida, pero de exquisita factura.

7. "Watchin' You" (Simmons) – 3:45
Otro impresionante trabajo de guitarra y atronadora sección rítmica acompañan a “Watchin You”, uno de los cortes más potentes y conseguidos de estos primeros años de la máquina neoyorkina.

8. "Mainline" (Stanley) – 3:54
Y llega el turno de que por fin el batería Peter Criss se luzca a las voces, cómo no, con unas de las más bonitas melodías del trabajo, apoyadas en un fresco y dinámico rock’n roll marca de la casa.

9. "Comin' Home" (Stanley, Frehley) – 3:44
Para no perder el momento, “Comin’ Home” acentúa la belleza a base de la nostalgia de Stanley por regresar a su amada (y por supuesto, siendo KISS, a sus encuentros sexuales), con un estribillo que devuelve la magia y la tranquilidad que le faltaba al disco para acabar de resultar la equilibrada e intachable pieza maestra que es.

10. "Strange Ways" (Frehley) – 3:21
Y el contundente cierre que saca brillo al trabajo viene de la mano (y la guitarra) de A.Frehley, que nos vuelve a dejar un mastodóntico riff a medio tiempo y el que posiblemente es el solo más alucinante del disco. Temazo para el recuerdo. Y van diez. No hace falta más.

2010 - Scorpions - Sting In The Tail

2010-03-22T03:02:00.000-07:00

Lo cambia todo. Y claro que, incluso antes del anuncio, “Sting In The Tail” era un estreno esperadísimo. No podía ser de otra manera tratándose de este autor. Pero después de éste no se puede valorar como se haría en cualquier otro caso, ni como se hace con cualquier otra novedad. Y es que el anuncio de la retirada de los Scorpions condiciona cualquier valoración. Se alza con mayor importancia que la que pueda conseguir el nuevo disco, porque en este momento es cuando nos damos cuenta de que, sea como sea, la gloria ya la tenían ganada hace tiempo.

Sí, se puede tratar de comentar el disco comparándolo con lo que vienen haciendo estos últimos años (y en esa evolución se puede entender perfectamente) pero si se comienza a pensar en que tal anterior quizá tuvo más hits potenciales (de los últimos, “Unbreakable” los tuvo) o que quizá éste retoma ese sonido más moderno para conjugarlo, ahora en mayor medida, con el sonido de su etapa más exitosa (con guiños tan claros como el del inicio de “Sly”, que casi calca el de aquel “When The Smoke Is Going Down”) enseguida se nos ocurre que tampoco le podemos poner muchos peros a un trabajo que puede ser la despedida de unos tipos que tanto han hecho por este negocio.

Porque tampoco podemos caer en querer que se despidan con uno de sus mejores discos (aunque ellos mismos lo hayan anunciado así) y "sólo" deberíamos pedir que lo hagan con el mejor disco que los Scorpions pueden hacer a día de hoy, y eso sí que parece que lo han conseguido.

De la misma manera, habría que añadir que toda alabanza es poca para unos tipos que llevan tantos años (décadas) en esta música, pero que será siempre justa referida a su carrera, y no sólo a este disco. Porque que en esto hay tendencia a acumularlo todo en lo que se conserva más en el recuerdo o en lo que está más de actualidad.
Si, por poner un ejemplo emparentado, a AC/DC les ha llegado el momento de que se reconozca mediáticamente su carrera, sólo se puede decir que resulta de lo más justo por su labor, pero en ese cruce de cables comunicativo tan propio del que quiere alabar “por moda” o sin conocer a fondo de lo que habla, se ha acabado por hinchar la valía de su último disco, que ha centrado todos los comentarios, mientras que algunos de sus más logrados trabajos siguen en el olvido para el gran público.

Y que conste que “Sting In The Tail” merece las alabanzas (y no digo que “Black Ice no), que es un disco perfectamente homogéneo que parece pensado y repensado hasta dar con un listado de temas compensado en la variedad, que en ese aspecto sea probablemente “más disco” que esos dos anteriores con los que tan bien recuperaron el hilo, o que tiene temas que pueden acabar siendo himnos en el directo (lo veremos en la mastodóntica gira de despedida que se nos viene encima), pero tampoco se nos puede olvidar si queremos rendir el merecido homenaje a estos alemanes que tanto o más que éste han aportado otros muchos anteriores, y que de esos no sólo hay que mencionar a los que conservan la gran fama del grupo (si esto sigue generando noticias, seguro que vamos a volver a oír lo grande fue, por ejemplo, “Love At First Sting”) sino también a los que parecen más olvidados.

En ese sentido, parece justo pedir a los nuevos fans que se hayan dejado arrastrar por la marea que está empezando a generar el acontecimiento que rodea a “Sting In The Tail” (por otra parte, algo siempre positivo para enganchar a nueva gente) que no se queden sólo en comprar ese disco que está en la estantería de “actualidad” y que se interesen por buscar entre las “antigüedades” otros de los que difícilmente vamos a oír hablar estos días como “Fly To The Rainbow”, “In Trance” o “Taken By Force”. Quizá éste sí pueda ser el mejor homenaje que les podamos hacer (y por eso salpico esta reseña de vídeos de temas de aquellos tiempos), tratando de devolver a esa cima donde deberían estar a todas las maravillas que nos han dado durante tantos años. Podemos estar convencidos de que el que las descubra ahora las agradecerá.

A ellos, a los Scorpions, sólo darles las gracias. Por otro gran disco como es “Sting In The Tail”. Y por todo.

2010 - Bunbury - Las Consecuencias

2010-03-17T08:08:00.000-07:00

Cuando algún reputado músico ofrece algo nuevo que parece extrañamente sencillo (para lo que se esperaba de él) se suele decir que se trata de un disco "de madurez". Y sí, puede que si el músico no es del todo reputado sencillamente se tache al disco de fácil o de poco trabajado.

Pero el caso de Bunbury es algo totalmente diferente a todo. Vale, ya había avisado diciendo que este disco sería "la otra cara" del anterior, más eléctrico y dinámico, "Hellville De Luxe", algo premeditadamente "intimista" (ese otro calificativo tan gastado en estas ocasiones) que fuera (literalmente) como "un disco de cámara, que pudiéramos tocar ahora mismo aquí, de forma sencilla y natural, sin demasiados aspavientos".

Y sí, si eso es lo que quería, seguro que lo ha conseguido. Porque "Las consecuencias" no sólo se desnuda de la electricidad y fuerza de "Hellville de Luxe" sino que tampoco recupera la exuberancia de los arreglos e influencias, a veces tan extravagantes, de los trabajos anteriores al citado y de los que aquél ya se había desprendido, en algo así como un viaje a lo básico que se entenderá mejor escuchando esto:

Así pues ¿qué queda para este álbum?
Pues "sencillamente" un disco casi completamente acústico, tranquilo, enormemente sobrio, quieto y lineal. Uno en que hasta los arreglos son sutiles y casi imperceptibles. Uno en el que un medio tiempo baladero como este “Los Habitantes”, que aquí escuchamos comentado por él mismo en la radio y que, por cierto, tan bien encajaría en el último -o, mejor, en un disco de los Héroes (y eso que esto parece algo extraño en su discografía en solitario)-, resulta el momento más efusivo.

Así pues, parece que el debate está servido y se mueve entre dos extremos. ¿Esto es la última propuesta genial de Bunbury, toda una sorpresa de un artista imprevisible y un precioso giro a lo cercano... o un disco “sacado de la manga” y “poco hecho” que nos quiere colar el antiguo frontman de los Héroes?

Que cada uno piense lo que quiera, claro. Pero mejor si primero se empapa un poco de su música. Y si al final resulta que era, “sencillamente”, un disco con algunos muy buenos momentos para disfrutar en la intimidad (sin pretensiones de resultar lo más original o, mucho menos, grandilocuente), pues eso que habremos ganado para saber utilizarlo. Total, seguro para el siguiente tenemos que volver a descubrir otra manera diferente.

2010 - Joe Bonamassa - Black Rock

2010-03-16T02:34:00.000-07:00

Lo que está haciendo este tipo sólo puede calificarse de maravilloso. Que alguien de su juventud presente ya su décimo disco de estudio sirve, por lo menos, para calificarlo de incansable trabajador, pero es que hacerse, además, un hueco entre el público hardrockero con su música blues (que se añade a su ya amplia base de seguidores entre los más aficionados a ese género) tiene mucho mérito.
Tanto, que se antoja imposible sin ese fantástico trabajo que realiza disco tras disco con la guitarra, al micrófono y en la composición, o sin esa capacidad que tiene para hacer de lo más divertido, variado (potente por momentos, preciosista en otros) y sugerente un disco blues.

Poco más se puede decir que animar a todo el rockero/hardrockero que todavía no haya caído en sus redes a escucharlo. Merece la pena.

Para abrir boca:

2010 - Treat - Coup De Grace

2010-03-15T02:57:00.000-07:00

Sí, quizá algo largo como para mantener siempre el nivel, pero hacía tanto tiempo que los suecos Treat no nos regalaban disco (desde 1992) que puede ser normal (y hasta se agradece) que hayan acumulado tanto material. Y sí, la producción no es la mejor, pero este es un sonido que nos sacó muchas sonrisas en los 80s (y hasta los primeros 90s) y no especialmente por producciones muy logradas, así que el poder de la nostalgia perfectamente puede suplir este apartado. Porque lo auténticamente grande son las canciones.

Treat han vuelto y traen un buen puñado de temas dinámicos, divertidos, con clase y, sobre todo, con muchas buenas melodías y estribillos con gancho al más puro y clásico estilo del hard rock/metal melódico europeo de siempre. De lo más animado a lo más inundado por el AOR, un disco más que disfrutable para cualquier amante de TNT, Pretty Maids, Europe o los propios (y viejos) Treat. Sin más complicaciones ni apuestas arriesgadas. "Sólo" algo para el inequívoco disfrute de sus seguidores. Pero efectivo, sí, así que bien por ellos.

2010 - Obús - Cállate

2010-03-08T00:36:00.000-08:00

Mucho tiempo llevábamos esperando lo nuevo de Obús. Con más ganas, incluso, viendo el estado de forma que estaban demostrando últimamente en los directos y lo centrada que estaba la banda de un tiempo a esta parte.
Y no han defraudado. O, al menos, seguro que no han defraudado a sus seguidores de siempre, ya que "Cállate" tiene, probablemente, más de aquel espíritu indomable de los Obús rockeros, aguerridos y añejos de sus grandes años que sus últimos trabajos desde la reunión. O tiene un gusto más clásico y... auténtico, si queremos decirlo así.

Pero aún así, si hay cosas que hacen grande a este nuevo álbum (más que esa vuelta de tuerca tradicional) esas cosas son el gran trabajo en la composición -todo un conjunto de temas cortos, directos y con gancho, casi sin tregua- y en la producción. Es más que destacable esto último porque éste puede ser el disco con la producción más conseguida que hayan hecho nunca. Limpia y potente y realzando como casi nunca un trabajo vocal de lo más aguerrido y arrasador.

Que no es completamente redondo, eso sí, es algo que también muchos pensarán escuchando un par (un par de una docena) de temas que se salen del guión principal para dar sitio a otros matices. "Ya le estás dando" y, especialmente, "Mal rollo" (tema que comparten, por extraño que parezca, con un grupo de hip hop) son esos momentos (que, por qué no, pueden servir para dar rienda suelta a otros gustos al tiempo al que se atrae -algo siempre bueno- a nuevo público) que parecen de primeras algo fuera de sitio, aunque parezca que puedan ir encontrando su lugar con el tiempo.

Pero, depare lo que depare ese tiempo, y a la espera de ver cómo se integran esos nuevos clásicos que pueden ser "Corre Mamón", "Mi Amigo El Diablo" o el homónimo "Cállate" (aquí arriba) entre los de siempre, de momento Obús ya han vuelto a dar el golpe demostrando que están todavía vivos y en forma. Que les dure.

1992 - Love/Hate - Wasted In America

2010-03-03T07:28:00.001-08:00

Aunque fue la Geffen la discográfica que dominó el gran mercado del Hard Rock a finales de los 80’s y los primeros años de los 90’s, fue notable el intento –cómo no, a vista de lo exitoso del producto- de otras disqueras por ponerse a la altura en estos terrenos y, algo tarde para haber podido contar con una carrera más extensa (que todos sabemos a estas alturas que una vez entrados los 90s, poco terreno quedaba ya por trillar en ese género) la hoy gigante Sony se decidió a apostar fuerte para conseguir esa banda símbolo de la época que para la Geffen había sido, por ejemplo, Guns N Roses. Para despistados, empecemos a presentarla.

Love/Hate, perfecto representante de aquella nueva hornada hardrockera del cambio de década que andaba ya recibiendo otras influencias, fue una de sus lanzaderas y para su debut discográfico de 1990 se preparó una gran promoción que se vio recompensada (y aquí viene el problema) de una manera un tanto escasa en cuanto a ventas, si bien sí con una aplastante personalidad en lo musical. No hace falta decir, puestos en situación, que con su segundo trabajo, este "Wasted In America", los tipos se lo jugaban todo a doble o nada y o bien encontrarían ese asalto definitivo a la fama que otros habían conseguido años antes, o difícilmente (más pensando en que para cuando se lanzó este disco Nirvana y su séquito empezaban ya a amenazar con desplazar esta música del primer plano) volverían a recibir una oportunidad.

Y pasó lo que ya sabemos. O por lo menos, aunque no se conociera el caso, lo que cualquiera puede suponer si se tacha a éste de ser un “disco maldito”. Que el disco fue excelente, sí, pero que se estrellaron definitivamente en su intento de conquistar el mercado.

Pero como poco arreglo puede tener ya aquel asunto, centrémonos en la música. “Wasted In America” se trabajó hasta el último detalle y resultó un conjunto intachable que, aún sin tener ningún tema con el claro sonido de los hits hardrockeros de la época, resultaba un sensacional trabajo de hard rock ecléctico y personal, complejo y potente, que destacaba especialmente por una intrincada sección rítmica (mucha atención a las líneas de bajo) y un aire mucho menos amable o divertido que lo que se estilaba en los medios hasta entonces, abanderado por la voz macarra de Jizzy Pearl. Algo así, por extraño que parezca, como unos Guns N’ Roses con ganas de demostrar técnica y, de paso, de parecerse de vez en cuando un poco a lo que después serían los Megadeth de los 90’s. Raro, sí, pero cualquiera que haya escuchado ese trallazo que es “Spit” lo entenderá. En un formato más standard, el surtido de cañonazos no tuvo desperdicio, como podemos seguir escuchando con este “Yucca Man”.

Les dio para poder girar por Europa abriendo para Ozzy Osbourne, pero tampoco consiguió cubrir las expectativas económicas de la casa, y esto (dos “fracasos” seguidos) facilitó las cosas para que la disquera se decidiera a deshacerse de ellos y, consecuentemente, para que empezara la cuesta abajo de Love/Hate, culminada con la salida de Jizzy Pearl para formar en los L.A.Guns. Eso sí, las últimas maniobras de levantamiento comercial para el disco no tuvieron desperdicio por llamativas y casi desesperadas. Y es que pocas veces, además de ésta, una promoción será recordada como una de las grandes anécdotas en el mundo del Rock. ¿Alguien recuerda (y el que no que vea el video siguiente) a Jizzy Pearl simulando crucificarse en la "Y" de "HOLLYWOOD"? Pues eso, será que no lo intentaron.

2010 - Rage - Strings To A Web

2010-02-16T02:13:00.000-08:00

Su reformación de finales de los 90s estaba dando sus frutos a principios de la siguiente década con lo que para muchos era uno de su mejores momentos creativos de siempre (recordemos que en los primeros años de la década que ahora se cierra salían casi a un disco por año y nos dejaron aclamados trabajos como "Unity" o "Soundchaser") pero llevaban ya unos años consiguiendo menos relevancia.

Puede que "Speak Of The Dead" quisiera ir demasiado "más allá" en la experimentación que se le supone a un grupo como éste y que el intento por volver a las raices de "Carved In Stone" no hiciera sino acabar de separarse de ese sonido (el de los citados "Unity" o "Soundchaser") que les estaba funcionando, pero el caso que no estaban llamando tanto la atención como hace un tiempo.

Todavía, claro, no sabemos si "Strings To A Web" lo hará ni cuáles serán sus cifras de ventas, pero sí es evidente que recupera precisamente aquel sonido. Potente, muy melódico, de sonido cristalino y con ese puntito progresivo que tenían esos discos de 2002 y 2003. Y con uno de los mejores trabajos de V.Smolski a la guitarra, que es mucho decir.

Mucha suerte para ellos y, para abrir boca a los que no lo conozcan, el trailer de la disquera:

1988 - Blind Guardian - Battalions Of Fear

2010-02-16T01:06:00.000-08:00

Objetivamente, "Battalions Of Fear" fue en 1988 el debut de una de las bandas que más ha marcado el devenir del metal europeo en los 90s (quizás por detrás de Helloween y de poco más), y, también objetivamente, aunque este primer disco ya señalara desde la década anterior y con fuerza ese influyente camino, todavía hoy es uno de los trabajos más desconocidos de su carrera.

Puestos, pues, a hacer justicia con esos primeros años, hagamos primero memoria. Formados en 1986 bajo el nombre de "Lucifer's Heritage" y con una formación que hasta 2005 ha sido extrañamente inalterable para lo habitual en este mundillo -Hansi Kürsch (voces), André Olbrich (guitarra), Marcus Siepen (guitarra) y Thomen Stauch (batería, percusión)-, lanzaron dos maquetas -"Symphonies Of Doom"(1986) y "Battalions Of Fear"(1987)- antes de su primer LP oficial, que les valieron para llamar la atención de la discográfica No Remorse Records y poder grabar, ya bajo el nombre de Blind Guardian, su primer disco.

Que el "centro" del metal europeo se volcó en la segunda mitad de los 80s desde Inglaterra hacia Alemania se hacía evidente, y si hay que buscar raíces en el sonido de "los bardos" habría que hacerlo precisamente en compatriotas como Grave Digger, los Accept más afilados, Running Wild y, sobre todo, Helloween.
Metal veloz, pues, a la vez que cargado de melodía era entonces la consigna, pero su personal mezcla de metal enraizado en los primerísimos Helloween (los Helloween del Hansen vocalista) con elementos más clásicos y arreglos orquestales (para muchos sus siguientes álbumes tienen el honor de ser los primeros en utilizarlos significativamente en este tipo de música, aunque luego se haya hecho algo habitual), riffs duros tipo speed/thrash (algo también "muy alemán" en esa época) y una temática fantástica crearon escuela.

Características que a estas alturas casi parecen más de lo mismo de un género gastado y formulista, en el momento fueron toda una explosión. A esto hay que sumarle que, como por ejemplo los citados Running Wild, siempre superion conservar un estilo muy personal (más allá de los cambios de sonido) y diferenciado de los demás. Lo esencial, este punto, para ser recordados con el tiempo entre las masas que vendrían en breve. Tanto, por cierto, que en los últimos años parecen una referencia clara entre algunas formaciones de la nueva generación nórdica del estilo, llámense Persuader o Savage Circus.

Precisamente de entre esos factores diferenciales, una de las cosas que siempre se ha destacado por el público ha sido la potencia, y en "Battalions Of Fear, puede que más que en ningún otro disco, eso se nota. Las extensas y complejas construcciones de "Majesty" -con una entrada que se ha comparado a veces al "Fast As A Shark" de Accept y que podemos escuchar a continuación- y "The Martyr" -con algunos riffs potentísimos que rozan por momentos el trash más oscuro o el primer death-, y la energía de la directa y veloz "Run For The Night" o de "Guardian Of The Blind" son muestras de lo aguerrido de estos alemanes en aquellos tiempos.

Con ellas, otros temas exaltaban los ambientes épicos y medievales al tiempo que demostraban una técnica por encima de la media. Así, las instumentales "By The Gates Of Moria" o "Gandalf's Rebirth", dejaban claro por donde iban a ir los tiros.
Es difícil de decir, pero no es my descabellado pensar que éste sea el primer disco "de primera línea" donde el mundo de Tolkien, los magos, los dragones, las espaditas y la demás fanfarria "épico-metalera" hoy tan habitual como pasada de rosca tome el completo protagonismo. Por lo menos de esta manera, porque si bien es cierto que bandas como Manowar hacía tiempo que cantaban a los dioses de la guerra, y que la épica y los ambientes medievales funcionaban desde incluso décadas atrás, todo esto parecía una expresión de fuerza o se incluía dentro del espíritu de una canción. Desde aquí, en cambio, parece que se abre la puerta a la fascinación de contar leyendas por el encanto de ellas mismas.

Sea como sea, es sin duda un disco lo suficientemente conseguido como para escucharlo dejando de lado todos los prejuicios acumulados contra ese rebautizado "power metal" y con la seguridad de encontrar buenos momentos, además del principio de una carrera ciertamente interesante.

Sí, mayor gloria recibieron desde los medios trabajos posteriores, y precisamente el éxito de esos (y de otros como Gamma Ray) sirvió para que muchas otras bandas tomaran nota y se pusieran manos a la obra para revisar todo lo que sonara parecido desde "Keeper Of The Seven Keys" para adelante, copando el panorama hasta los límites que conocemos. Ahora que hace unos años que este boom parece más que superado, se puede asociar con otros anteriores que hemos vivido, por ejemplo en el Hard Rock más mediático de los 80s. Es inevitable, pues, con todo lo que triunfa y no sólo lo hemos visto con este sub-género: Algunos marcan el camino, muchos se unen a la fiesta hasta que se acaba por aborrecer, y por último quedan sólo los que de verdad tenían algo. Sí, Blind Guardian lo tenían.

2010 - Blaze Bayley - Promise And Terror

2010-02-09T07:49:00.000-08:00

Se ha pasado toda la década que se cierra demostrando que esa mala fama atribuida por parte de los seguidores de Iron Maiden era injustificada, y parece que va a empezar la que se abre de la misma manera. A base de buenos discos.
Y de un indiscutible talento que cerraría muchas bocas... si llegara a muchos oídos, claro.

Exitoso o no, Blaze lo vuelve a hacer con "Promise And Terror", un sólido trabajo de heavy metal clásico y poderoso que quizás pierde algo de ese sonido limpio, nuevo y potente que venía enseñando el antiguo vocalista de la Doncella en sus trabajos anteriores para acercarse a uno más tradicional y cercano al de la gran banda británica que le dio mayor fama.
Cosa de producción, sobre todo, ya que no hay mayores cambios en un estilo que ya funcionaba más que bien y en el que ha conseguido una identidad fuerte.

Podemos estar seguros de que si este fuera el anunciado nuevo disco de Iron Maiden la mayoría se darían, por lo menos, por satisfechos, y bastantes incluso más que orgullosos. Si fuera así, seguro, correríamos a por él. No lo dejemos pasar, entonces.

2010 - KEEL - Streets Of Rock N Roll

2010-02-09T00:27:00.000-08:00

Más veteranos de vuelta. Y de nuevo de qué manera. Porque "Streets Of Rock N Roll" suena como mínimo tan bien como cualquiera de los clásicos que dio KEEL a los 80s, discos si no imprescindibles al menos sí infalibles para el que guste del rock duro más tradicional de esa década.

De la misma manera, cualquier amante de esa música rockera popular de entonces se sentirá a gusto con lo que nos traen de nuevo Ron Keel y sus chicos. Y es que si bien no posee algún gran hit que destaque por encima del resto tampoco puede descartarse un solo tema por bajar el listón del conjunto, y en todo ese recorrido sigue estando visible el espíritu del heavy tradicional y hardrockero de los más clásicos Quiet Riot o Helix, endulzado con la sensibilidad de los más melódicos Bon Jovi de los 80s.

No séra el disco más recordado del año. Pero si eso es lo que nos gusta, es una apuesta segura. La promo para acabar de convencernos:

2010 - Giant - Promise Land

2010-02-08T07:38:00.000-08:00

Dos buenos argumentos para volver. Primero, el Hard Rock melódico vuelve a tener algo de mercado. Y segundo, buena parte de ese mercado pertenece, por ese cíclico gusto por mirar atrás, a las viejas glorias.

Giant tomaron buena nota, y a falta de poder reunir a toda la vieja formación (Dann Huff parece estar demasiado ocupado en su actual faceta de productor como para dedicarse a tiempo completo a su antigua banda) otro veterano como Terry Brock (el de los Strangeways) fue el que puso las voces. El resultado no se resiente.

Si Giant eran una banda de AOR con especial facilidad para las melodías pegadizas, "Promise Land" es un disco más que acertado en las melodías. Si eran capaces de rebosar dinamismo desde ese gusto melódico, "Promise Land" vuelve a ser muy dinámico y muy melódico. Y si triunfaron en los últimos 80s con un sonido muy de la radio de entonces, "Promise Land" suena a algo así como un listado de hits de la radio rockera de 1989. Sin altibajos, sin relleno y sin otra pretensión que el disfrute directo y sencillo del rock melódico. Todo música tan agradable como pegadiza. Un disco perfecto para un hilo musical.

Con cosas como ésta, que les dure mucho esta nueva etapa.

1987 - Loquillo Y Trogloditas - Mis Problemas Con Las Mujeres

2010-02-08T02:33:00.000-08:00

Todo un clásico, aunque cada vez parezca más lejano. Sí, quizás por ese nombre tan “poco serio”, quizás por aquella actitud tan “de otra época”, puede que por esa fingida madurez global que parece querer obligarnos a olvidar nuestro pasado, lo que nos hacía pasarlo bien, los 80s más nuestros. Pero desde hace años parece que a Loquillo se le considera desde el gran público -y a pesar de la enorme salud con la que sigue su carrera- patrón sólo de fans atemporales o nostálgicos que poco han aprendido de música en todo este tiempo. De repente, parece que los 80s eran territorio sólo para bandas americanas y, localmente, para aquella tan exageradamente reivindicada “movida” emparentada, sólo emparentada, con la banda que nos ocupa.

Aún así, poco nos debe costar recordar que la generación de los últimos 70s que trajo con fuerza el rock’n roll a España tuvo continuidad a lo largo de la década siguiente también en lo popular (abriéndose hueco a medio camino de esa mencionada fiebre más popera de los medios y la gran generación puramente heavy/hardrockera de Barón Rojo, Obús y demás), encarnándose en la figura del barcelonés José María Sanz Beltrán, rock’n roll personificado en un señorial galán macarra de barrio bajo con toneladas de actitud chulesca. Y en uno de los personajes de la década, sin duda. No en vano consiguió con sus Trogloditas dar el golpe ya desde el debut con el grupo en aquel “El Ritmo Del Garaje” (1983) -que se recuerda a continuación- y consolidarse en el éxito masivo en España y Latinoamérica desde este “Mis Problemas Con Las Mujeres” hasta el alba de los 90s.

Es indudable, entonces, que “Mis Problemas Con Las Mujeres” es uno de los mayores clásicos de nuestro rock (a secas), y que supuso un enorme salto en la carrera de “El Loco” y sus Trogloditas, revistiendo de clásica elegancia (desde esa portada que es toda una declaración de intenciones), variedad y gusto por lo más añejo de esta música al juvenil y gamberro estilo anterior que, cómo no, seguía de espíritu presente y como seña de identidad. Sólo así se pudo abordar el jazz, el swing, el blues, el folk o la música latina desde su inicial rock n roll de espíritu punk y rockabilly inspirado en los Beach Boys o The Clash.

De hecho, aún conservando el desenfado punk, si hay una influencia rockera que parece sumarse para este disco, y no sólo por el curioso homenaje que se le dedica, esa es la de Elvis. A pesar, claro, de que difícilmente se puede encontrar un guión claro para un trabajo tan ecléctico y diverso como éste y que se debe, sobre todo, al momento tan inspirado como confuso del principal compositor de los Trogloditas, Sabino Méndez, que para entonces ya empezaba a chocar con el grupo y hacer evidentes esos problemas con las drogas que, dicen, lo llevaron a su separación de la banda pocos años después, cerrando la mencionada etapa de gloria de Loquillo y Trogloditas.

Con un planteamiento tan amplio, se hace más obligado que nunca un repaso a los cortes del disco uno por uno. Aquí va:

01-Mis Problemas Con Las Mujeres
Swing, jazz, bonitos arreglos de viento y cuerda, casi un homenaje a la primera mitad del siglo XX. Para empezar un disco de alguien que se hizo famoso rockeando con estribillos como “Yo para ser feliz quiero un camión” o “Yo tengo una banda de rock n roll”, es todo una apuesta. Lo del homenaje “retro”, para quien lo dude, queda aquí más que claro:

02-El Molino
Pero bien, esto es un disco de Loquillo, así que no tarda en aparecer el rock n roll más directo, y con un sonido más potente que de costumbre, arropado en la que puede ser la mejor producción de sus tiempos clásicos. Dinámico, con gancho, potente, divertido, y con una de esas letras costumbristas de la más baja clase social tan suyas y que dominan todo el álbum. Para qué más.

03-Brisa De Abril
Nos relajamos de nuevo en esta buscada alternancia de tempo y registro, antes de entrar en la parte más potente del disco.

04-Ya No Puedo Bailar
Lo dicho, de nuevo un giro al rock más crudo. Y de qué manera. Divertido, sí, pero gamberro de una manera incluso poco habitual en su carrera, que raya con las letras en una especie de "gore" algo infantil pero efectivo cara al público, dejando al trabajo en su punto más duro antes de atacar con ese clásico definitivo que es “La mataré”.

05-La Mataré
Tomando el relevo de forma continuista desde “Ya no puedo bailar”, el rock afilado, potente y de tempo alto (ojo a ese riff cercano al heavy metal) sigue en liza fundiéndose ahora con algunos retazos... ¡de rumba! El resultado: el tema más personal, coreable y pegajoso del disco (y puede que de toda su discografía).
Punto y a parte merece la polémica de la letra, que nos lleva hasta un amor/desamor “hasta la muerte” muy al estilo “quinqui” y barriobajero que, según el propio Loquillo, no debería entenderse como un alegato al maltrato de las mujeres, pero que, tal y como están las cosas de mal con esta tragedia, llegó a dejar fuera de su repertorio durante mucho tiempo por temor a malos entendidos y hasta hace pocas fechas. Sabiendo que en muchos lugares se le conoce, principalmente, por este tema, debió cambiar de idea, así que olvidando la polémica por un rato, recordemos “La mataré”:

06-Los Mejores Años De Nuestra Vida
Volvamos a lo más tranquilo. Tan sencillo como efectivo (todo un resumen para su planteamiento) y en un registro tan diferente esta vez (retomando parte de los aires “retro” del primer corte), el tema más emotivo del disco.

07-Siempre Libre
¿Queremos más cambios? Pues qué mejor que ir a buscar el aire punk que tanto había explotado en discos anteriores. Nos vamos de rock n roll para otro de sus temas más conocidos.

08-Coleccionistas
Y más. Con “Coleccionistas” entramos en la parte más “experimental” del disco. Tanto, de hecho, que ésta y la siguiente son seguramente las canciones que más utilizan como argumento los que acusan a “Mis Problemas Con Las Mujeres” de tropezar en ese exceso de variedad y de temas. ¿Sin ellos sería más homogéneo y constante? Seguro, pero también nos perderíamos un par de temas divertidos que tocan el folk, el rock n roll acústico e incluso lo latino.

09-Cançó De Pagès
Lo dicho. Pero ahora en un tema firmado por F. Pi de la Serra y cantado en catalán. La letra, tan cómica como atrevida, y el resultado, curioso, pero indiscutiblemente divertido para un directo. La prueba:

10-Piratas
En un registro parecido pero en un tema más masivamente aceptado por sus seguidores, “Piratas” sigue repartiendo tranquila diversión, en este caso con un bonito aire nostálgico.

11-El Fantasma De Elvis
Si este no es homenaje más cachondo que se le haya hecho a Elvis debe faltar poco para ello. Rock n roll clásico y retro, cómo no, que liga con ese antiguo sonido que va salpicando al disco para un tema que parece comenzar como una revisión del mítico “Return To Sender” del Rey y acaba por ser un fenomenal y autónomo tema que, sin embargo, bien podría (con otra letra, claro) haber sido cantando por Elvis en uno de sus éxitos.

12-Las Mil Y Una Noches
Rock de gusto funk para ir completando registros.

13-Algún Día Moriremos
Y un final quieto y nostálgico que presta su melodía para silbar todavía un buen rato más mientras el disco permanece en la mente.

1993 - Diamond Head - Death & Progress

2010-02-01T09:53:00.000-08:00

No nos engañemos. Hoy nos acordamos de Diamond Head principalmente por la insistencia de Metallica (entre otros) en reivindicarlos con sus versiones. Si no fuera por esto, nos acordaríamos de ellos sólo como lo hacemos (y utilicemos para la comparación a otras bandas de enorme talento) de Cloven Hoof o de Witchfinder General.
Es decir, cuando nos ponemos, en este afán tan de hoy de conocer más (en cantidad) que nadie, a rebuscar entre esas "bandas de culto" (una manera bonita de hablar de fracasados comerciales) de la NWOBHM.

Para colmo, tanto si nos acordamos de ellos como unos estandartes de aquella "vieja-nueva" generación británica como si lo hacemos por esos "Am I Evil" o "The Prince" que tanto han tocado Hetfield, Ullrich y compañía, sólo nos acordamos de una pequeña parte de su creación. Porque Diamond Head, sí, sobrevivieron a la NWOBHM (o resucitaron tras ella, se debería decir) y volvieron a dejar patente su clase en un estilo renovado que ya poco tenía que ver con esos pioneros del heavy inglés. Y aunque parezca extraño por el olvido en el que ha caído esta segunda era, volvieron a convencer a los más grandes con su música. Por algo debe ser.

Para grabar "Death & Progress" colaboraron, ni más ni menos, T.Iommi (que firma el primer tema) y Dave Mustaine, y para su gira acompañaron a Megadeth o los propios Metallica. Pero la auténtica grandeza no estuvo en el respaldo (que al fin y al cabo y como el tiempo tardó poco en demostrar tampoco sirvió para hacerles dar el
paso al frente en los medios) sino en una música que, además, tampoco tenía nada que ver con "Lightning To The Nations", Metallica, Megadeth o cualquier otro de los emparentados. "Death & Progress" respiraba Hard Rock clásico, melódico y elegante. Con la influencia primigenia de Led Zeppelin, claro, y la del hard rock de la época muy visibles.
Pero con mucha personalidad y clase a raudales. ¿Cómo si no se puede llegar a grabar un tema como éste?

Pues mientras nos damos cuenta de lo mucho que tienen todavía por descubrir al gran público, sólo una cosa más. Todavía están frecuentando la escena. Quizás les viene bien algo de atención.

2010 - Overkill - Ironbound

2010-01-27T09:03:00.000-08:00

Que sí. Que este disco no aporta nada nuevo ni a la escena ni a la ya extensa carrera de Overkill, y que incluso es un paso atrás en su progresión respecto a esos últimos trabajos más creativos y ambiciosos. Pero es que dando ese paso atrás se han ido a tropezar con el gancho que tanta falta le hace (a Overkill y al thrash en general) si quiere volver a asomar la cabeza entre las preferencias del rockero/metalero medio.

¿Qué cómo lo han conseguido? Pues con una fórmula tan sencilla que a estas alturas y en ese mundillo del metal más duro actual, tan "experimental", debe ser de lo más complicado de encontrar: Mirando cómo se las gastaban los que empezaron este asunto. Y punto. Para sacar la rabia, la energía y aquella macarrería contagiosa y desenfrenada no hace falta más, porque el resto lo debe hacer el recuerdo de aquella música que nos llevó por este camino y que, para el caso de Overkill y a tenor de lo que se oye en "Ironbound", deben ser cosas como los primeros Metallica y los Accept más afilados de los primeros 80's.

Dicho de otra manera, "Ironbound" suena a algo entre "Kill'em All" y "Breaker" (grabado con los medios actuales, claro) y eso, es fácil pensar, le debe ser bastante al oyente de hoy como para no acercarse si anda buscando grandes complejidades o una especial belleza de sonido, y como para correr a echarse encima si lo que quiere es sacudir la cabeza con una sonrisa en la boca.

Claro, teniendo en cuenta que el público de Overkill es en su mayoría el de los viejos gigantes del thrash y el heavy más poderoso e imaginando sus preferencias, parece que han acertado al escoger rumbo.

2000 - Jorn - Starfire

2010-01-26T03:26:00.000-08:00

Habitualmente despreciado por la gran cantidad de versiones de las que se nutre, si no ovildado por ser anterior al estallido popular (con su estreno en Masterplan) de la figura de Jorn Lande -sin duda una de las más notorias de la década que termina, "Starfire" no es sólo un interesante repaso a las influencias clave de un músico hoy tan reputado, sino que, gracias a la personalidad que derrocha y que unifica ese tan variado conjunto (a base de hacer tan suyas las versiones como los temas propios), es también perfectamente valorable como álbum de estudio.

Después de todo, y aunque hoy día -por el bagaje de versiones "como relleno" y "bonus" que hemos tenido los últimos años- haya caído esta práctica en el desprestigio, algunos de los discos y los temas más celebrados de la historia del
rock son (o se apoyan en) versiones de temas anteriores y hay una extensa e ilustre tradición rockera en esta disciplina.

Y es que si, por ejemplo, el "Cum'on Feel The Noise" de Slade coronó a Quiet Riot, "Diamonds and Rust" o "Green Manalishi" dieron lustre a los Judas Priest de los 70s, el jazzero "Time Is On My Side" fue uno de los primeros éxitos de los Rolling Stones e incluso los Beatles hicieron fortuna con el "Twist And Shout" de los Top Notes, además de incluir otras numerosas versiones en sus primeros trabajos, por qué no iba el primer disco en solitario de Jorn a recordarnos el tirón de estos viejos temas?

Si algo demuestra, desde luego, es buen gusto: Journey, Foreigner, City Boy, Deep Purple o Jefferson Starship tienen representación aquí, junto a otra mitad "propia" que para nada desmerece, y como si de otros viejos cortes se tratara, sigue ahondando en ese espíritu setentero del hard rock melódico, tendiendo la mano hacia
un lado al rock progresivo y hacia otro al heavy metal. Tan variado y metido en época, que como conjunto parece más deudor de Queen o de Styx que de las referencias mencionadas.

Qué más queremos, si hasta el que puede ser el tema más destacado es esta joya (que aquí sigue) de autoría propia que respira la trágica grandiosidad de aquellos mágicos estribillos de Rainbow o Dio.

En resumen, un futuro clásico de la década si consideramos la importancia de ser uno de los primeros pasos del que puede ser el vocalista más emblemático de estos diez años, y un gran entretenimiento en cualquier caso.

1990 - Laos - We Want It

2010-01-20T08:38:00.000-08:00

Lo tenían todo para ganar y apenas se alejaron de la salida. Si no, ¿es que alguien más no se acordaría de Laos?
No es muy arriesagado apostar a que, publicado hoy y con una merecida distribución, no tardaría en ser considerado como toda una joya por muchos de los nuevos hardrockeros que disfrutan con ese revival que ha redescubierto (aunque sea a una parte menor del público, comparado con antaño) el rock duro de más gancho como un valor de enorme potencial comercial.

De hecho, no parece (y se puede empezar a juzgar con el single homónimo aquí presente) que pueda envidiar en nada a muchas de esas nuevas "sensaciones", sino que, puestos a apostar por el gancho y el extraordinario divertimento del hard rock melódico/AOR de los 80's/primeros 90's más que por la creatividad o el virtuosismo, parece incluso más exuberante en sus cualidades.

Más llamativo, más hecho para reventar en las radios, para forrar carpetas y animar fiestas. En todo. Rubia al frente con portentosa (y aguerrida) voz y atractiva imagen (cómo no, pues entonces era norma), temas breves, directos y de estribillos coreables, baladones, un productor que había trabajado con Def Leppard, Bon Jovi y Scorpions, y hasta, ahora, el recuerdo de alguien que los había presentado como algo parecido a "si Doro hubiera cantado en Bon Jovi".

Y aún así, no tuvieron suerte. O no estaban en el lugar adecuado. O lo que sea que hiciera entonces que sólo algunos de tantos llegaran a la cima. Además, tan diferente era el panorama de esos primeros 90s que cualquier cosa pudo fallar, pasando desapercibido en su momento y olvidándose definitivamente en poco tiempo.

Unos años antes, si es que hubiera sido posible, puede que se hubieran convertido en ídolos, hoy podrían hacerse un gran nombre entre el público nostálgico y el "neo-retro", pero entonces puede que cuando dieron el paso el suelo fuera demasiado inestable, y que lo último que se valorara -al contrario que ahora, con esas mencionadas "sensaciones"- fuera que se clavaran los clichés de ese hard rock que llevaba tiempo copando el mercado y que seguramente lo había saturado. Puede que se buscara algo nuevo, y se consiguió, y puede que ahora toque, gastados otros tantos ciclos, volver a escuchar cosas como Laos. Que, deseándoles suerte a los nuevos, quizá algunos "viejos" merezcan una revisión.

2009 - Wolfmother - Cosmic Egg

2010-01-11T03:10:00.000-08:00

Puede que por esa afición -tan extendida desde hace años- a endiosar a grupos nuevos que parecen "tener algo" (ya sea verdadero talento, imagen o "contactos") nos estemos perdiendo carreras interesantes, y por correr a encontrar a los ya demasiado tiempo esperados sustitutos de los grandes dinosaurios del rock las promesas aceleradamente "glorificados" se quedan en un debut, una fortuna pasajera... o en nada. O puede que sea porque cada vez estamos menos preparados para la constancia y el trabajo, y el primer éxito nos vale ya como meta.

Pero no es difícil a estas alturas encontrar, si conseguimos rescatarlas del olvido, a formaciones que los medios corrieron a proclamar como los nuevos paladines del género y en pocos años desaparecieron por completo de los primeros planos.
Es por eso que, aunque con un tiempo prudencial desde su lanzamiento ya se pueda decir que no tendrá ni de lejos la repercusión de su primer álbum, que Wolfmother (o lo que queda de ellos tras las inevitables peleas internas consecuencia de todo lo comentado -traducido en dinero y fama-) hayan conseguido seguir adelante publicando, por fin, su segundo disco debe ser considerado una muy buena noticia.

Cambios, además del descenso de la popularidad y los que han tenido en su formación, los hay. De parecer unos discípulos de los primeros Black Sabbath adornados con todo tipo de sonidos de los más añejos 70s (Led Zeppelin, Deep Purple...), han pasado a presentar su música como una amalgama de sonidos de esa época pero sin un patrón o una influencia sobresaliente entre las demás, en un conjunto globalmente más radiable y heterogéneo. Hay Black Sabbath, hay Zeppelin, sí, pero podemos reconocerlos en momentos concretos, asomando en un riff o en una melodía, como podemos ver también, por ejemplo, a unos Blue Öyster Cult tanto o más que aquellos, quizá por esa misma heterogeneidad que sigue siendo tan suya y aunque parezca que nadie quiera señalarlo. Pero ninguno de ellos puede hacerse responsable claro de este guión.

Puede que buscando un nuevo camino, puede que queriendo asentarse precisamente en estos estandarizados 70s de nuestros tiempos, esto es lo que han escogido Wolfmother para volver a escena jugándose todo lo que se jugaban y todo lo que se juegan los nuevos "aspirantes a dioses" de hoy en el casi siempre fatídico segundo álbum.

Musicalmente, no han salido mal parados si aceptamos que muchos cortes, en diferentes registros, tienen empaque e incluso gancho de sobras. ¿No funciona tanto "como disco" como el primero? Puede ser, pero yo apostaría que ese no va a ser el problema que los lleve, si los lleva, al olvido.
A lo mejor es cosa del público, y de que ya no queremos ni esperar a consolidar un nuevo dios, que eso nos quitaría tiempo para poder buscar otro nuevo.

2001 - Primal Fear - Nuclear Fire

2009-12-15T00:47:00.000-08:00

A pesar del disfraz, la intención es clara. Y es que "Nuclear Fire" dispone una cobertura más melódica que lo familiariza con el metal europeo de su época (el de los últimos 90s y principios de esta década), pero para un metal mucho más tradicional, astillado, chirriante, crudo y sudoroso claramente heredero de los Judas Priest de clásicos como "Screaming For Vengeance", "Freewheel Burning" o "Painkiller".

En eso, no se esconde. De hecho, es más que conocido que Primal Fear surgió a partir de una banda tributo a Judas Priest con la que daban rienda suelta a su pasión por los Metal Gods los ya veteranos del panorama metálico alemán Ralf Scheepers (ex vocalista de los olvidados e infravalorados Tyran Pace y de los exitosos Gamma Ray), Matt Sinner (líder de la banda que lleva por nombre su apellido) y Tom Naumann.

Incluso es de dominio público que pudo ser la decepción de Scheepers tras ser descartado como reemplazo de Rob Halford para la nueva andadura que los británicos empezaron con T.Owens a las voces lo que lo decidió a hacer de esto un proyecto de mayor entidad propia. Muchos recordarán, además, que cuando Primal Fear debutó con su disco homónimo en 1998 no se tardó en comparar este trabajo con el entonces reciente "Jugulator" de Tipton, Downing y compañía, esgrimiendo que el que encabezaba Scheepers "sonaba más" a los auténticos Judas Priest, y que para cuando salió a la luz este "Nuclear Fire" (el mismo año que el segundo trabajo de Priest con Owens, "Demolition") eran ya una mayoría los que apostaban a que con el cantante alemán en sus filas, cuyos Primal Fear parecían ya fijarse más en el reciente estreno de Halford en solitario que en su banda madre, les hubiera ido mejor.

Como todo tiene su contrapartida, en cuanto a la también habitual acusación de "demasiado parecido" con Judas Priest, hay que decir que si de algo puede pecar este "Nuclear Fire" es de forzar (más que los Priest, por ejemplo) su sonido en lo aguerrido hasta hacerse agotador para el oyente no acostumbrado (algo muy visible en la voz de Scheepers) y en lo convencido de su postura (exaltada en los "valores metálicos" de siempre), ya que el barniz acelerado y melódico lo separa lo suficiente de ser un mero "clon" y lo convierte en una banda, indiscutiblemente, con sonido y entidad propia. Con claras influencias, sí, más evidentes en algunos cortes que en otros, pero con personalidad.

Mucha más, por ejemplo, que otros grupos contemporáneos que han intentado utilizar también como base lo que Priest dejó al mundo del metal con su "Painkiller" y que no tardó en correr como la pólvora en uno de los casos más rápidos e incontestables de ejercicio de influencias en el panorama del metal.

Sus siguientes discos (los de Primal Fear) han acabado por hacer del combo alemán una de las formaciones más conocidas del heavy metal europeo actual, y han cosechado notables éxitos. Pero si de repasar lo más importante que ha dejado esta década se trata, quizá lo que generó "Nuclear Fire" -y en ese momento de "revival" heavy y de vuelta de glorias pasadas en que lo hizo, sumando caras nuevas a la oleada- es de lo más digno de mención. Recordémoslo pues.

1986 - Tesla - Mechanical Resonance

2009-12-01T10:14:00.000-08:00

Mucha personalidad, mucha clase... y poca suerte. Eso, no hay muchas más explicaciones posibles, debió ser lo que apartó a Tesla de ser considerada una de mayores bandas de Hard Rock de todos los tiempos. La suerte, claro, pero también la personalidad. Me explico: para cuando saltaron a la escena, el panorama norteamericano se encontraba ya dividido entre las "hairbands" (las que copaban las radios y atraían al gran público con estética reluciente y temas accesibles o provocativos) y las bandas que extremaban su sonido y crecían desde el "underground".

Tesla, por su parte, planteaban un rock duro menos amigable, de retazos heavys e influencias mucho más clásicas (blueseras, setenteras) de las que se estilaban entonces. Dicho de otra manera, con unos Slayer y unos Bon Jovi listos en sus posiciones más que definidas para que el nuevo rockero escogiera bando, pocos se iban a acordar de recuperar a los geniales UFO. Pero Tesla, a pesar de todo, lo hicieron.

Consiguieron, con más trabajo del que otros necesitaron para mucho más beneficio, colocar un single en las listas de éxitos (este "Modern Day Cowboy" que tenemos bajo estas líneas), una aceptable resonancia para el disco y un nombre suficiente para, por lo menos, acompañar giras más grandes (las de de David Lee Roth o Alice Cooper).

Puede parecer difícil escuchándolo ahora, pero les costó tanto abrirse camino poco a poco, que aunque este debut sea hoy considerado por buena parte de sus seguidores como su mejor álbum, sigue siendo el disco de peores resultados comerciales de su primera etapa y, mucho más grave, a pesar de su vuelta a la escena en esta década, su parón mediados los 90s parece haber hecho que el público los olvide.

Que sirva, por lo menos, la mención de este "Mechanical Resonance" (o de los igualmente geniales "The Great Radio Controversy" y, difícilmente superable, "Psychotic Supper") y, al menos, saneemos la memoria.

2009 - AC/DC - Backtracks

2009-12-01T08:52:00.000-08:00

Como consecuencia lógica de ese "estado de fama" que han alcanzado en los últimos tiempos y que ya comentábamos con su último disco de estudio (y es que no nos engañemos: llevan décadas siendo famosos y admirados por el público rockero pero desde hace poco tiempo se ha convertido en moda ensalzar a AC/DC hasta para público que nada tiene que ver con el género, en una especie de fiebre "cool" parecida a la que hay hace años por U2 y que curiosamente ha ido a coincidir con los peores años creativos de la banda australiana) llega el inevitable lanzamiento de intención puramente comercial destinado a estirar lo más posible el momento.

Para el caso: una compilación con un disco de rarezas de estudio (temas descartados de discos anteriores o versiones primigenias que claramente suponen el punto fuerte de interés de este lanzamiento), otro de temas en directo (no publicados en ningún directo oficial) y para la edición limitada el pendiente DVD de videos del grupo “Family Jewels Three”, continuación de los ya publicados.

Batiburrillo o no de material para hacer caja y mantener imagen, lo que no se puede negar es, primero, que han sabido ver el momento adecuado para su lanzamiento (teniendo en cuenta que todo esto tiene suficientes años para haber visto la luz anteriormente y que hasta ahora no se había aprovechado, no se había pensado en que podría valer la pena juntar o no se había creído suficientemente bueno para aprovechar, y en cambio ahora -estirando el efecto de "Black Ice"- puede tener mucha mejor salida comercial de la que hubiera tenido hace unos años) y que, segundo y más importante, puede regalarle algunos buenos momentos a sus seguidores.

Porque, sí, sin negar todo lo demás, resulta que lo que encontramos en el primer disco de "Backtracks" es más que atractivo por momentos para cualquiera que guste o haya gustado alguna vez de esta veterana formación. Al margen del punto nostálgico añadido que pueda tener el escuchar a Bon Scott en la mitad de estos "nuevos temas", algunos cortes nos hacen pensar en cómo es que se pudieron quedar fuera, y a partir de aquí y si nos ponemos quisquillosos, en cómo de buenos fueron los discos de entonces para tener que hacer esa selección (pongámoslos de nuevo y lo entenderemos) y cómo parece que ahora esas deshauciadas "R.I.P (Rock In Peace)" -aquí abajo-, "Crabsody In Blue”, "Love Song", "Stick Arround", “Snake Eye”, “Big Gun” o “Cyberspace” incluso nos pueden llegar a "poner" más que la mayoría del reciente "Black Ice".

Tomémoslo como queramos, entonces. Es un lanzamiento para fans y de regalo para estas fechas para los nuevos adeptos, claro, pero tampoco escondamos que ese primer CD pone la sonrisa en la cara.

1993 - Helloween - Chameleon

2009-11-20T12:09:00.000-08:00

Nada que ver con el sonido que los hizo famosos.
Que vaya por delante, pero aclaremos. Como eso -el típico "no suena a..." de cada banda que cambia de registros- resulta más un criterio para asegurar el tiro (si ya se disfrutaba de algo) que uno para medir la validez de un disco (después de todo, que hubiera "sonado a Helloween" -si eso se puede decir- tampoco significaría un trabajo bueno o uno malo), se puede decir que, por él mismo, "Chameleon" es un bonito disco de rock melódico que sabe mostrarse desenfadado por momentos y tremendamente serio y épico en otros, convirtiéndose en un conjunto entretenido, variado también en gusto (llegando hasta la balada más accesible en la preciosa "I Don't Wanna Cry No More" o al rock'n roll de Big Band en la irresistiblemente "retro" y divertida "Crazy Cat") y de sugerentes arreglos de cuerda y viento.

Y démosle la culpa luego del cambio a Kiske y su entonces ya emergente manía al Metal, a la comercialidad (si olvidamos que es un álbum menos vendido que los "más metaleros") o a los malditos 90's, si lo que queríamos era escuchar a Helloween haciendo heavy metal. Pero lo cierto es que en estos otros terrenos no deja de ser un disco muy disfrutable... sólo que para otro público.
Que como disco de hard rock melódico (por ponerle una etiqueta) tampoco es el trabajo más regular posible puede ser cierto, pero también lo parece más que otros de su discografía como discos de heavy metal y, en general, estos no son tan rechazados por el público. Y lo que sí que hay que reconocerles, en resumen, es que en estilos diferentes y de maneras diferentes siempre han sonado de manera muy personal. Y sí, a los "Helloween heavys" se les suele atribuir esta originalidad pero no se suele hacer notar que haciendo estas otras "pruebas" también se desmarcaban de cualquier otra cosa. "Chameleon", desde luego, no suena a ninguna otra banda que en esa época o anterior cultivara el género, y aún así parece muy conseguido en su intención.

Y aún más. Si, ya que nos ponemos, seguimos buscando virtudes de sus discos anteriores en este álbum que parece tan diferente, encontramos que hay una que, ésta sí, destaca incluso más que en lo que habían hecho hasta la fecha: la voz. Será porque se sintió más cómodo en estos registros, por la producción que ya le prestaba más atención a él o porque ya iba madurando como cantante (algo muy posible, si tenemos en cuenta que es precisamente hoy con Place Vendome donde probablemente y cada vez más está firmando sus mejores interpretaciones) pero el Kiske de este álbum resulta todavía más impresionante que en sus prometedores primeros discos, por muy buenos o superiores que se les pueda considerar en el cómputo global.

Pero no funcionó. La cosa acabó explotando y todos sabemos qué ha pasado tanto con el grupo como con Kiske en sus caminos separados y en sus habituales reproches.
A la historia le vale todo eso para enterrar a "Chameleon" en el olvido. Pero a quien esté disfrutando con el Kiske actual (y ya son muchos) a lo mejor le conviene desenterrarlo.

1978 - Bob Seger - Stranger In Town

2009-11-10T06:47:00.000-08:00

Empezar diciendo que ha sido 6 veces platino en los USA y 4 en Canadá podría ser una buena manera de llamar la atención sobre este clásico. Pero para ser justos, "Stranger In Town" no debería necesitar más presentación que el simple nombre de su autor: Bob Seger. Ese tipo que ha vendido más de 50 millones de copias de su música, que ha triunfado con hasta 7 discos multiplatino, ha sido reconocido como influencia por notorias bandas contemporáneas y posteriores, versionado por gente como Thin Lizzy o Metallica, que cuenta en su repertorio con algunas de las más recordadas piezas de la música popular y que lleva 40 años en el mundo del rock. No debería. Pero como el tiempo parece pasar demasiado deprisa como para poder recordar ciertos nombres, empecemos por recordarlo -al Sr. Seger y a éste "Stranger In Town"- con un single de difícil olvido.

Hecho el ejercicio de memoria con uno de los clips más famosos que se hayan grabado, pongámonos en situación. En 1978, Bob Seger se encontraba en pleno ascenso popular gracias al éxito reciente de su álbum "Night Moves", que por primera vez en una carrera que se remontaba hasta 1966 había dado todo un Top 10 en las listas de discos y varios singles de éxito. Con esto, la apuesta por la Silver Bullet Band que había montado a mediados de los 70's para que lo acompañara de manera estable había quedado más que consolidada y el siguiente paso sólo podía ir hacia el mayor empaque de un grupo rockero que llenara el hueco de las grandes bandas de principios de década.
Así las cosas, y aún manteniendo por un lado sus influencias en el rock'n roll más primigenio de Little Richard, Elvis Presley o Van Morrison y por otro el gusto por la canción más comprometida y baladera de su faceta de cantautor, "Stranger In Town" preparaba un asalto al rock pesado y el "up tempo" que acabaría de dar el punto extra de variedad que necesitaba su discografía.

En este sentido, la sucesión de singles que presentó al álbum es todo un ejemplo: "Still The Same" ahondaba primero en el medio tiempo melódico que lo había caracterizado popularmente y daba continuidad al éxito alcanzado con "Night Moves" con un sensacional número 4 en las listas, "Hollywood Nights" sorprendía siendo un segundo sencillo acelerado y de peso rockero, "We've Got Tonight" pasaba a la balada como tercer single, y por último "Old Times Rock'n Roll" machacaba a ritmo de himno para estirar el éxito hasta el punto de relanzarse todavía en 1983 con su aparición en aquella "Risky Business" que protagonizaba Tom Cruise y que dejó el celebre gag del baile en ropa interior que hemos visto.

Toda una lección de buen hacer que sólo se hace posible con un track list tan variado y sugerente como el que tuvo, escrito por completo por Bob Seger excepto en los casos mencionados:

1. "Hollywood Nights" – 4:59
2. "Still the Same" – 3:18
3. "Old Time Rock and Roll" (George Jackson, Thomas Jones, Bob Seger)– 3:14
4. "Till It Shines" – 3:50
5. "Feel Like a Number" – 3:42
6. "Ain't Got No Money" (Frankie Miller) – 4:11
7. "We've Got Tonight" – 4:38
8. "Brave Strangers" – 6:20
9. "The Famous Final Scene" – 5:09

Directos y veloces puñetazos rockeros como el citado de la apertura o el casi heavy "Feel Like A Number", medios tiempos de tan altos vuelos melódicos como esa preciosa "Till It Shines" que nos recuerda que Thin Lizzy tuvieron en Seger un buen maestro en el que fijarse, y baladas de enorme grandilocuencia, todo en sólo 9 temas y un conjunto lo suficientemente breve (otra lección que nos deja) para dejarnos con ganas de más.

No hacen falta mayores adornos si se domina esto de la música (en todos sus aspectos, incluyendo el comercial) de la manera en que queda demostrado, así que sólo queda recalcar lo dicho. Sencillamente magistral.

2009 - Halford - Halford III: Winter Songs

2009-11-09T02:41:00.000-08:00

Que empezara como la exaltada reinvindicación de cuero, tachas y heavy metal que fue "Resurrection" frente a los que lo daban por perdido para el género y frente a su propia banda madre, y que a estas alturas sirva para publicar, después de tanto tiempo, un disco navideño es algo que tendrá a muchos de sus seguidores decepcionados.

De entre estos, hay quienes piensan que esas premisas (y por extensión el proyecto que lleva el ilustre apellido del Dios del Metal) ya no tienen demasiado sentido con Halford vuelto a integrar dentro de Judas Priest, así que con aquello de "fue bonito mientras duró" ya daban desde hace tiempo a Halford (como banda) por acabado.
Otros, sin embargo, pensábamos que con su vuelta a Judas Priest, este otro proyecto podría servir para dar rienda suelta a esos otros caminos creativos del veterano vocalista que parecían asomar en su segundo "Crucible", y que a pesar de estar centrado en los Priest (claro, como todos queríamos) podría regalarnos (aunque fuera muy de vez en cuando) otra muy apreciable versión de Rob.

Así que cuando saltó la noticia de que el tercer disco de Halford, ése que llevaba tanto tiempo anunciado y retrasado y del que se decía estaba casi totalmente acabado, sería un disco con versiones navideñas la cosa no sentó nada bien.

Como en principio se dijo que tendría algunos temas con esta temática añadidos a otros "más propios", pensamos que daba a "su otra banda" por perdida y que se quitaba de encima de una vez por todas aquel tercer disco completando un trabajo que había quedado a medias con esta excusa (algo preocupante por sus implicaciones de cara a un futuro que parecería zanjado pero que nos prometía por lo menos una parte del disco con las canciones nuevas que esperábamos) o bien que se había visto forzado a rellenar de alguna manera por cumplir acuerdos con disqueras que lo llevaran a publicar este mismo año (algo que quizá dejaría un futuro más abierto pero que igualmente demostraría el ya poco interés acumulado en el proyecto).

La sorpresa ha venido cuando nos hemos encontrado que "Halford III: Winter Songs" es un disco "completamente navideño". ¿Quiere eso decir que los temas que presumiblemente tenía preparados se siguen guardando para un futuro álbum "serio" y que no ha querido desmerecer un nuevo producto mezclando intenciones? ¿O que realmente tenía muy poco preparado? Sea como sea (el tiempo dirá si sigue apostando por la marca Halford ocasionalmente o no) por un lado se abre una puerta al optimismo y por otro nos deja poco para saborear en el presente.

Porque "Winter Songs" no "sólo" es un disco navideño, sino que parece también poco esforzado (o hecho en demasiado poco tiempo) incluso en aspectos como la producción. Aún así, no se le puede negar eso, no deja de ser una curiosidad que cualquier seguidor de Halford o Priest querrá escuchar y, es más, resulta entretenida a la escucha. Y dado que un disco con estos planteamientos no parece tener más pretensiones que el entretenimiento se puede decir que "Winter Songs" cumple su cometido dejando, incluso, algunos temas que podrían llegar a tener mayor relevancia con otros objetivos (y quizás otro tratamiento) como la divertida "I Don't Care If It's Christmas Night", la atmosférica y lograda "Light Of The World", la balada que da nombre al disco o la potente "Get Into The Spirit". Dando por hecho que no se puede juzgar a un disco de este tipo de una manera más exigente, es hasta más de lo que se podría esperar.
Eso sí, esperemos que haya mucho más que juzgar, ahora sí de otra manera, para el futuro.

2009 - WASP - Babylon

2009-11-03T02:04:00.000-08:00

Simplemente heavy metal. Del de siempre, del bueno, del que nos enganchaba, del que todavía, a muchos, nos engancha. WASP han aprendido con el tiempo (y quizás con el revés de "The Neon God") que para conseguirlo, cosa nada fácil, no hacen falta artificios, ni trabajos complejos o extensos. Sí, "Dominator" devolvió la clave: hace falta actitud, energía, y mucho talento para condensarlas en sólo algunos cortes. Y si un movimiento hacia lo (todavía más) clásico como aquel último trabajo funcionó de maravilla con crítica y público, su nuevo disco no podía ser de otra manera.

¿Original? Para nada. Un trabajo todavía más, si cabe, en los WASP más reconocibles, en lo que mejor saben hacer, apoyándose desde "Dominator" en todo un "The Headless Children" o un "The Crimson Idol" para darle todavía más dinamismo o, si lo preferimos, un disco en la definición más clara de su género.
¿De mucho trabajo? Claramente no. Siete temas directos y dos versiones (que llevan tanto a su terreno que parecen compuestas para WASP y encajan a la perfección en el disco) para sumar pocos minutos, como su anterior álbum.
Pero ¿recomendable? Rotundamente sí. Convertir estas premisas en grandes cualidades no está al alcance de cualquiera, y WASP -como algunas otras bandas veteranas (pensemos, por ejemplo, en Motörhead) que se están especializando en regalarnos discos regularmente para, sin inventar nada nuevo, sacar a relucir una y otra vez sus mayores virtudes de siempre- lo han conseguido de nuevo, esta vez, quemando Babilonia.

Debe haber muchas formas para llegar a lo más alto, y quizás WASP han tomado la (aparentemente) más sencilla. Pero el resultado es divertido, contundente, intenso, emotivo y contagioso, así que quien alguna vez se haya emocionado con el sonido del heavy metal de siempre tiene en "Babylon" apuesta segura.

2004 - Megadeth - The System Has Failed

2009-10-26T02:21:00.000-07:00

Muchas han sido las grandes bandas del pasado que esta decada han conseguido cambiar la tendencia que desde los 90s los venía arrastrando por una cuesta abajo popular -y en algunos caso creativa-, y en todos los casos siempre ha habido un disco que ha supuesto un punto de inflexión a partir del cual esos grupos han vuelto a la boca de todos, llegando incluso para algunos de ellos a quedar ahora olvidado el tiempo de olvido y desprescio.

A Judas Priest les pasó con "Angel Of Retribution" (y nadie se acuerda ya del vacío que se les hizo hasta la vuelta de Halford), a Iron Maiden con "Brave New World" (pudiéndose considerar éste el primer gran caso que ha ido animando a los demás), a Dio con "Killing The Dragon" (como se comentó en este mismo blog), a WASP con "Dominator" y parece que hasta a los hasta hace poco rechazados Metallica les pasará lo propio con "Death Magnetic".

En el caso de Megadeth, ya podemos decir que el giro se empezó a producir con "The System Has Failed". Si ahora parece no existir la polémica que generó un disco que se llamó "Risk" o ciertas tentativas de abandono más o menos serias, es porque sobre las buenas críticas que recibió este trabajo en el 2004 (si bien no muy mayoritarias en su momento, sí lo suficientemente consistentes para haber calado más y más con el tiempo, haciendo que los siguientes discos se fueran recibiendo cada vez con menos escepticismo y, por tanto, desde el principio -no necesariamente por ser mejores que éste- con críticas más favorables) Mustaine y sus chicos han sabido seguir trabajando y sumando varios esfuerzos.

Sí, lo decisivo en estos casos parece ser romper la incercia negativa, y si en otros grupos ha funcionado acompañar al disco con un golpe de efecto tal como la reunión de un antiguo miembro, "The System Has Failed" supo, sin tenerlo fácil, hacerlo por sí mismo.

Siguiendo con ese paralelismo siempre presente con Metallica (pero que a diferencia de otros momentos de sus carreras, esta vez ha servido para que Megadeth avance -en la aceptación a través de la vuelta a viejos patrones, en este caso- a la banda madre de Mustaine), imaginemos que dentro de unos años "Death Magnetic" ha acabado de calar con la buena impresión de dan sus temas junto a los clásicos en los directos (algo que en poco tiempo consiguió "Kick The Chair", por ejemplo, en el caso de "The System Has Failed") y, quizá, devolviendo una línea musical que podrían seguir siguientes discos. ¿Alguien se acordará de que fue recibido con el mayor escepticismo posible? ¿De los muchos "peros", a cuál más rebuscado, que le intentamos buscar? ¿Y acaso si un siguiente álbum continuara su sonido, tendría que pelear con todo eso?

Pues seguramente, y a todo, no. Sencillamente lo recordaremos como la apertura de una nueva época, e igual que "United Abominations" entró ya con buen pie, así lo harían los siguientes. ¿Lo mejor? Que el mérito de esta hazaña, eso sí, ya consumada en el caso de Megadeth no se lo llevan maniobras mediáticas ni otros factores, "sólo" esos buenos temas que les han devuelto la confianza: la citada "Kick The Chair", "The Scorpion", la colosal "Back In The Day" que sigue a estas líneas -toda una declaración de principios (la vuelta a los días grandes del Metal) acorde con lo comentado- y otras tantas más. Enhorabuena por ellos.

2001 - Judas Priest - Demolition

2009-10-21T06:49:00.000-07:00

Con todo los desprecios que puede haber sufrido este trabajo, el título de "disco maldito" -en el sentido de condenado- puede estar perfectamente hecho para él. Pero ¿es entonces merecido el desprecio y el ya casi olvido?

Es difícil hacer juicios absolutos en este tema, pero quizás se pueda llegar a comprender algo mejor si pensamos en los "cargos" que lo hicieron culpable del delito.

Para empezar, está el rechazo que suscitó el que Judas Priest siguieran adelante sin Halford y, por consiguiente, toda la etapa de Tim Owens a las voces. Lo del cambio de vocalista (como cualquier cambio de "estilo", en general) en un grupo consolidado siempre ha generado polémica, y aquí no iba a ser menos. Y si ya la polémica estaba casi gastada con aquel (excelente) "Jugulator", para cuando llegó "Demolition" este punto estaba ya sentenciado. Más, si cabe, tras el atractivo debut de Halford en solitario.

Habiéndose demostrado con el tiempo que el tipo tiene enormes cualidades, pero ciertamente diferentes a las del Metal God (por mucho que se intentara presentar como un clon de Rob -sin duda por su potencia vocal y su facilidad para los agudos imposibles-, su estilo más agresivo casi lo hace parecer un cruce entre el propio Halford y alguien tipo James Hetfield), el barniz diferente que dió a las canciones de los Priest es compresible, pero, por qué no, resultó incluso acorde con la propuesta que los principales compositores de la banda (no olvidemos, tanto antes como entonces, Tipton y Downing) presentaban por aquellos años.
Ellos lo aceptaron para cantar en su banda y ellos marcaron el camino musical. Y si aceptamos otra postura a la tan habitual como cerrada por la que un grupo debe siempre apostar por lo mismo, hasta aquí la cosa no parece grave, y Tim Owens, toda una "Victim Of Changes" ante la comparación (como se hace siempre) con los mejores momentos del anterior (que en este caso es ni más ni menos que todo un dios), resulta sólo culpable por prejuicios.

De esta manera, el cambio de dirección musical al que se llegó resulta el principal cargo esgrimido. Sí, "Demolition" apuesta por dar un cariz actual (pensando en principios de década) a su heavy metal, en gran parte a través de todo tipo de arreglos de guitarras chirriantes y ruiditos industriales, y si bien esa idea le "chirrió" a muchos (y lo sigue haciendo) por su incompatibilidad con "la idea de Priest" del pensamiento colectivo, tan tradicional, la cosa deja de parecer tan extraña si repasamos con algo más de pausa la carrera del gigante británico.

Al hacerlo mínimamente nos encontramos con que sus discos han sido siempre consecuentes hijos de su tiempo, y que han ido "redecorando" su estilo en función de lo imperante en el panorama. Lo hizo "Stained Class", por ejemplo, con la sequedad inglesa de aquellos últimos 70s, lo hizo de la manera más clara posible "Turbo" a base de sintetizadores y estribillos radiables en los años de la laca, y lo hizo Painkiller acelerando esquemas con la llegada de los 90s, por poner algunos ejemplos. ¿Por qué no adaptarse una vez más?

Claro, a todos estos ya nos los miramos con perspectiva y los años nos hacen asumirlos dentro de los mismos "patrones Priest", por muy diferentes que sean todos, precisamente por ser partes de ese patrón colectivo. La vuelta de Halford abrió la ilusión por su gran época, y en un tiempo de "revival" como los años centrales de esta década "Angel Of Retribution" nos despachó un resumen de muchos de esos patrones en un solo disco, con mayor éxito de crítica y público. Sin entrar en la calidad de las canciones, ¿no es eso en el fondo otra manera de hacer lo mismo, que no deja de ser lo mismo -ir adaptándose, y a la vez crear con ello escuela- que han hecho siempre?

Entendido este punto, el análisis se debería entonces reducir (y es algo difícil) a si realmente funcionan o no esos temas (todo y con nuevo estilo y diferente vocalista) de manera más objetiva, como si se olvidaran los nombres y las circunstancias. Ahí tampoco nos podemos salir de lo subjetivo, pero si bien temas como un "Metal Messiah", por ejemplo, sí que parecen demasiado forzados en el intento de reforma, otros más como "One On One" o "Devil Digger" consiguen el cambio manteniendo un espíritu y una fortuna propias (hasta el punto de que si lo despojáramos de arreglos e interludios ruidosos lo podríamos imaginar como clásico en cualquier disco anterior) e incluso alguno como "Feed On Me", "Close To You" o la impresionante "Bloodsuckers" no necesitarían de imaginaciones para hacerse hueco en los honorados álbumes del pasado.

Siendo así, y si "Jugulator" (quizás, sí, más homogéneo) ya tiene las voces que empiezan a reclamar su valía, ¿por qué no esperar lo mismo de "Demolition" con el tiempo, hasta que quede en nuestra memoria dentro de aquel famoso patrón?

Pudiera ser, claro, pero quizá la cosa debería empezar porque los propios Judas Priest, que -por otro parte- tan buen camino parecen estar llevando, aceptaran la dignidad de esta etapa en lugar de contribuir a su olvido excluyéndola por completo de sus directos y demás parafernalia. Bueno, si eso les resultara comercialmente rentable, claro.

2009 - Gotthard - Need To Believe

2009-10-14T08:42:00.000-07:00

Dieron la campanada con "Lipservice" y con "Domino Effect" fueron lo suficientemente inteligentes como para estirar su momento en la cima comercial dando un baño de efectismo e inmediatez a su música. Pero a la velocidad a la que corre el panorma musical puede que no hubiera sido demasiado productivo seguir por esa senda.
Aprovecharon su momento, sí, y -puede que de nuevo de manera inteligente, ya con el status de "grandes" ganado para el futuro- ahora vuelven a transitar terrenos más clásicos, como si de un paso atrás se tratara... pero para colocarse musicalmente en algo que puede quedar entre sus dos últimos trabajos.

Otro éxito como el de estos dos iba a ser difícil hicieran lo que hicieran, así que desandar lo corrido para ir caminando seguro parece ser una apuesta de lo más coherente.
Ni tan adornado de hits como el último -así es "Need To Believe"-, ni tan intenso como esa "actualización" del hard rock clásico llamada "Lipservice" y que tan bien funcionó al ponerlos en primer plano mundial; pero con unos Gotthard agradables en la escuca durante todo el disco y perfectamente reconocibles en sus virtudes. Entre ellas, claro, esa voz que parece seguir creciendo cada día.

¿Que no pasará a la historia con los honores de los otros? Puede ser, pero si ya se han hecho con una buena base de seguidores, no parece que "Need To Believe" vaya a defraudarles.

2002 - Dio - Killing The Dragon

2009-10-07T08:47:00.000-07:00

Hubo quien ya se había dado por avisado con "Magica", como también quien todavía tardó en darse cuenta, pero para la mayoría del público metalero fue "Killing The Dragon" el que les hizo recordar que Dio seguía vivo y en forma. Quien más quien menos, se había olvidado del genial vocalista desde hacía ya tiempo, y las críticas que lo tachaban de usar una misma fórmula cada vez más desgastada habían dejado paso al todavía más maldito silencio.

Pero como esto de los gustos musicales tampoco escapa a los ciclos, el bueno de Dio siguió en el camino y supo aprovechar el cierto revival por lo clásico en el heavy y el rock duro que vivimos con el cambio de década y del que todavía sentimos efectos para reivindicarse como una figura esencial del género delante de su viejo público y de todo uno nuevo que era demasiado joven para haber disfrutado con sus hazañas en Rainbow, Black Sabbath o sus primeros Dio y que ahora (y quizás por eso), como ha pasado estos últimos años con otros viejos gigantes que parecen haber resucitado en lo popular, lo abordaba como a toda una leyenda.

Eso sí, relanzar una carrera como la suya no es cosa de un mero cambio generacional, y si el tipo ha vuelto a construirse un estatus de estrella como el que vuelve a disfrutar en la actualidad, no ha sido por dormirse en los laureles sino por volver al más intenso trabajo con su propia banda en la primera mitad de esta década, para luego poder acceder a otros grandes terrenos de éxito como Heaven And Hell. Y en ese camino de trabajo, como se ha dicho, el paso central fue este "Killing The Dragon" que aportaba un mayor dinamismo al recuperado sentido clásico que ya planteaba su mencionado trabajo del 2000.

Como resultado, y apoyado en un sonido excelente y en una portada épica que inflamaba el gusto del nuevo público heavy, consiguió un conjunto de gran empaque marcado por su inconfundible personalidad y con algunas joyas que parecen ya dar la talla de nuevos clásicos para su carrera como la homónima o "Better In The Dark" lo que se suma en valor para el disco a la importancia que hoy ya se le puede atribuir en el levantamiento de un personaje de la importancia de Dio.

Con un planteamiento como éste, es más que posible que "Killing The Dragon" pase a la historia junto a esos "Brave New World" o "Angel Of Retribution" que en fechas parecidas volvieron a poner en la lanzadera a otros titanes de nuestra música. Bienvenidos sean entonces a su papel de nuevos clásicos.

1981 - Thin Lizzy - Renegade

2009-10-06T06:59:00.000-07:00

Tan habitual como es leer maravillas sobre las muchas virtudes de la carrera de los geniales Thin Lizzy en los 70s es olvidar o denostar su trabajo en la siguente década. Claro, fue su recta final y la gloria del grupo se escapaba al ritmo en que cambiaba el efervescente panorama musical de la época y se deterioraba el carácter de Phil Lynnot, detonante de las salidas de miembros que habían tenido papeles decidivos en el devenir de su trayectoria. Pero si en el umbral de la catástrofe la banda parecía no saber muy bien qué dirección tomar, como demuestra la dispar orientación del anterior "Chinatown", sumidos en sus horas más bajas supieron trazar un nuevo rumbo.

"Renegade" construye a unos Thin Lizzy diferentes, con su antigua y célebre personalidad camuflada tras una capa de tristeza y oscuridad -aunque aún emergente a chispazos, quizá en mayor medida que en los otros dos álbumes de los 80s- en la que tienen papel importante la cada vez más desgastada voz de Phil y los teclados de un D. Wharton que, a diferencia del anterior trabajo (el de su estreno), parece tener ya peso suficiente en una música que, por otro lado, empieza a notar también la influencia del cada vez más notorio heavy metal.

Con todo esto, Lynnot y sus chicos pudieron crear un conjunto homogéneo que mereció mucha más suerte de la que ha tenido históricamente, y que sólo en una parte pequeña pudieron cosechar con ese último coletazo de sonido continuista a "Renegade" pero algo más aguerrido (y quizá algo menos reconocible como Thin Lizzy) que fue el siguiente y último "Thunder And Lightning".

Sí, con "Renegade", entonces, tocaron fondo en lo comercial y se hundieron casi definitivamente en lo personal, pero si escuchamos con atención lo que nos expone sólo podemos asombrarnos de que en medio de todo eso fueran capaces de regalarnos ese casi setentero "The Pressure Will Blow" rebosante de sus características twin guitars, un "Hollywood" de enorme gancho o el casi mágico "Mexican Blood", entre otras cuantas que no pierden el pie y que si bien no relucirían con la misma inspiración que mucho lo que habían grabado en los 70s bien hubieran podido competir con cualquier otro disco de su época, o bien podrían hacerlo hoy (y hasta ganar) con muchos de los estrenos más celebrados del hard y heavy rock.

2009 - KISS - Sonic Boom

2009-09-22T03:24:00.000-07:00

Que no volverían a grabar material nuevo, que tal y como está el tema de la piratería en la industria musical habían decidido protestar abandonando el estudio y dedicándose sólo al directo... de todo habíamos oído desde hace ya mucho tiempo y poco o nada de ese todo nos hacía pensar en que hoy tendríamos entre las manos este "Sonic Boom".

Claro, mucho tiempo ha pasado desde su último trabajo de estudio, más de una década, y ya iba siendo hora, por muchos argumentos que se oyeran o por muy veterana que sea la banda, de que los casi legendarios KISS se dejaran ver con otra cosa que no fuera un nuevo recopilatorio o otro antiguo directo sacado de la manga.
Si lo pensamos ahora, incluso podemos ver los últimos trabajos en solitario de Paul Stanley y, anteriormente, de G.Simmons (más en este caso por lo extraño de ver al personaje más allá de la marca KISS) como una señal de que las cabezas pensantes del grupo seguían teniendo ideas y ganas de seguir dando a luz nuevo material. O quizá el rendimiento de la marca KISS no estaba siendo el acostumbrado en alguna de sus múltiples facetas y hacía falta remover algo.

Sea como fuere, algo se movía, y por fin ha dado frutos. Y, eso sí, por muchos achaques que podamos poner a sus últimos tiempos, declaraciones y merchandising cada vez más desgastado incluídos, con "Sonic Boom" nos han demostrado que nos les cuesta lo más mínimo volver a grabar como si nada hubiera pasado.
Sí, su nuevo disco, que parece haber sido concebido en relativamente poco tiempo (si creemos que hasta hace unos meses no pensaban en publicar nada más) parecería, por estilo, sonido y capacidades, uno más de los que pubicaron entre "Lick It Up" y "Revenge", sin desmerecer a ninguno e incluso destacando en esa época. No parece haber signos del anunciado regreso a los 70s, pero el receso hacia esta otra época, que también les dio su parte de gloria, nos ha traído un disco tan coherente y centrado que engañaría a un nuevo fan del grupo si le dijeramos que fue publicado, digamos por caso, en 1990.

Nada nuevo, entonces, ningún signo de evolución a pesar del tiempo y del parón, pero un buen disco "de KISS" (absolutamente tan reconocible y personal como siempre) al fin y al cabo, y pocos son los grupos tan veteranos capaces de publicar nuevo álbum mirando atrás y sin que tengan que saltar las alarmas sobre el desmerecimiento a su legado.
Para los seguidores del grupo, entonces, enhorabuena.

2009 - Europe - Last Look At Eden

2009-09-14T03:15:00.000-07:00

Lo de Europe parece a estas alturas un caso tan extraño como saludable.
Y es que viejas bandas relanzadas tras un largo parón pueden haber unas cuantas y algunas se han decidido a probar nuevos terrenos dejando atrás pasados más o menos gloriosos, pero pocas son las que han conseguido tender puentes y hacer de sus nuevos postulados una versión adulta y madura de su antigua música, como si todos esos años de vacío hubieran sido en secreto tiempo de evolución y reflexión.
Claro, es fácil caer en intentar repetir lo que sirvió para alcanzar el éxito, y puede serlo también olvidarse del pasado y sumarse a lo que manda actualmente en el mercado, pero lo de Europe no es ni una cosa ni la otra.

Con una línea diferente a la que les dio la fama, parecen ya absolutamente asentados en su renovada carrera. A lo suyo, trabajando bien, y sin desesperarse por las demandas o las urgencias del público hasta el punto de que el viejo fan puede haber quedado decepcionado si sólo ha dedicado a sus nuevos discos curiosidad y no la atención que requieren.

Como una culminación de esta nueva época, "Last Look At Eden" rechaza cualquier interpretación de primera escucha (caso poco idóneo para estos tiempos de discos tan rápidos como una conexión a Internet y juicios prematuros) y se va agrandando en ese sonido más actual de sus dos últimos trabajos a través, y por contra, de un sentimiento muy clásico, casi propio del más grandilocuente hard rock de los 70's que inunda melodías sugeridas y, sobre todo, un inmenso trabajo de guitarra que deja un buen montón de riffs para el recuerdo. En esas condiciones, la cristalina y potente producción que, sí, llamaríamos "actual" no hace otra cosa que reforzar la sensación de que se trata de un sonido diferente, personal, y añadir matices a base de los más preciosistas arreglos orquestales.
Para estas comentadas caracterísicas de la evolución de Europe para "Last Look At Eden", el afloramiento del hard rock de base en los 70s y el enorme cuidado de los arreglos, pueden ser excelentes ejemplos estas "Catch That Plane", de gusto casi "zeppeliniano", y "No Stone Unturned", con importante presencia de arreglos de cuerda, que aquí siguen:

Es claro que actualmente no se puede aspirar a la notoriedad popular que Europe tuvo en su día desde el campo del rock duro y parece adivinarse que tampoco es el cometido de sus nuevos días, pero ya que están trabajando tanto desde que volvieran a las andadas y con una regularidad más que envidiable casi cualquier otro grupo veterano, al menos devolvámosles el favor dedicando tiempo a su nuevo disco y reconozcamos desde la crítica que su excelente nuevo esfuerzo merece marcar, ojalá, toda una dirección en el mundo del hard rock.

2009 - 3 Inches Of Blood - Here Waits Thy Doom

2009-09-03T01:28:00.000-07:00

Puede que algunos digan que lo que falta es el trabajo de Jamie Hooper, que en los discos anteriores ponía las voces guturales a la música de esta joven banda canadiense y actualmente no puede cumplir su parte al hallarse en recuperación médica.
Sin ese segundo vocalista, es el guitarrista J.Hagberg el que añade esta labor a su repertorio, pero en este papel no adquiere demasiada relevancia en el conjunto, quedando para protagonizar la parte vocal las estridentes voces de Cam Pipes, a medio camino de Udo y del Halford más visceral.

Y bien, claro que en los trabajos anteriores el duelo gritón de los dos cantantes había sido una gran seña de identidad, pero "Here Waits Thy Doom" no sólo deja apartadas las voces extremas "por accidente" sino que parece querer incidir en el lado más clásico de su música, siempre deudora por un lado del heavy metal aguerrido de los primeros Accept o de Judas Priest y del afilado speed/thrash por otro, incluso llegando ahora a desnudar la producción del sonido más actual de otros discos, por lo que el hecho de que nos quede sólo la parte cantante "más clásica" no hace sino reforzar esta impresión. ¿Acaso un tema como éste, indudablemente heredero de lo más clásico y "ochentero" del heavy metal, encajaría completamente en los discos anteriores?

Visto así, parece haber algo más parecido a una evolución hacia lo clásico que un cambio puntual, que se verá o no reafirmada en el futuro posiblemente a partir del éxito o fracaso comercial que obtenga el álbum.
Más allá de esto, el trabajo instrumental sigue siendo muy notable (más si cabe en esas guitarras que se doblan y cabalgan apabullantes) y se ha conseguido un listado de temas con empaque de disco homogéneo, quizá sin salpicarse de algunos bombazos como aquel "Advance and Vanquish" que les dio la fama pero consolidando el que, puede, sea su disco de conjunto más regular.

Los seguidores que ya habían conseguido no tienen por qué temer. Siguen estando allí con sus riffs thrasheros y su épico aire heavy, y además puede que se hayan merecido con esto la atención de los amantes del añejo metal de los ochenta.
Que tengan suerte.

1991 - Skid Row - Slave To The Grind

2009-08-31T07:43:00.000-07:00

Que a Skid Row se les intentara meter en ese mismo saco que a los montones de bandas con pocas más pretensiones que las de sumarse a la moda del hard rock más radiable de la época para hacer dinero fue un sin sentido que los muchísimos que quedaron con la boca abierta con su debut pudieron comprobar por ellos mismos, pero que se les siguiera tratando como una banda de hard rock radiable (exitosa, sí, con gancho, pero "en el saco") por los singles para las masas que presentaba aquel disco y que, inevitablemente, fueron su contenido de mayor repercusión, quedó absolutamente rechazado por su segundo trabajo: "Slave To The Grind". Claro, al menos para aquellos que lo escucharon y se acuerdan de él, que no son pocos.

Muchos de estos no dudan en afirmar que ese disco es precisamente su mejor esfuerzo, y probablemente también sea el más influyente, viendo el papel protagonista que está tomando esa escena sueca actual que trae de vuelta el sleazy y el hard 'n heavy de aquellos años en un formato que la mayoría de las veces se hace más denso y potente e imaginando que en ese sentido pocos, o ningún disco mejor que "Slave To The Grind" pueden considerarse culminación de ese sonido que parecen imitar.

Eso sí, mucho van a tener que trabajar Crashdiet, Crazy Lixx y demás jovencitos, reconociendo la valía de muchos y sus divertidas intenciones, para dar forma a algo que demuestre el potencial que Skid Row dejaron patente en este álbum.
Y es que "Slave To Grind" no sólo dejó las pruebas de la clase del grupo y de su capacidad para firmar temas directos y contagiosos, sino que apabulló al público con una desbordante colección de riffs machacantes, retorcidos y motivadores que llevaban
la música de Skid Row a un nivel mucho más trabajado y duro, más próximo (y más potente en muchas ocasiones) al heavy metal de los 80s que al hard rock que inundaba las radios a finales de esa década, aún siendo perfectamente reconocible su fuerte identidad.

Tan grande fue que "Slave To The Grind", el álbum de estos Skid Row endurecidos y "heavys", entró directamente en el número 1 de las listas de ventas sin necesidad de ser ni tan directo ni tan radiable como lo había sido su predecesor o, de manera más acentuada, como lo solían ser los discos que llegaban a esos niveles populares en esa época y, mucho más, en cualquiera posterior. En ese sentido, tuvo el honor de ser el primer álbum de heavy metal en colocarse en el número 1 del Billboard 200 americano en aquella era Soundscan que brevemente vio en la misma cima a otros productos metaleros como el Black Album de Metallica o el "Far Beyond Driven" de Pantera.

A las ventas les acompañaron las grandes giras, y Skid Row se vieron envueltos en esos tiempos en los mayores shows de su carrera girando mano a mano con los Guns N' Roses de su mayor gloria.

1. "Monkey Business" (Rachel Bolan, Dave Sabo) 4:17
Uno de los principales responsables del éxito por tratarse del primer single del disco y el primero aviso entonces de la evolución de la música de Skid Row, también con un sonido muy conseguido en el que todos los instrumentos gozan de peso y clara identificación y S.Bach maravilla con su variedad de registros. Un medio tiempo histórico y con gancho hoy día inevitable clásico de la banda.

2. "Slave to the Grind" (Sebastian Bach, Bolan, Sabo) 3:31
Que el tema que da nombre al disco sea el que más claramente podemos identificar con ese nuevo sonido más centrado en el heavy clásico es toda una declaración de intenciones. Brutal trabajo de guitarra en un tema veloz y de ritmo cabalgado que podría ser la bandera del grupo más poderoso de la NWOBHM.

3. "The Threat" (Bolan, Sabo) 3:47
A menor ritmo pero sin bajar el listón, una buena muestra de que el disco no tiene ni un momento de relax ni un poco de desperdicio.

4. "Quicksand Jesus" (Bolan, Sabo) 5:21
El primero de los temas lentos, “Quicksand Jesus” queda lejos de ser una balada convencional, y tras un inicio que bien pudiera parecérnoslo se destapa con un lento pero pesado sonido de desgarrado final con punto estrella en la voz de Bach. Sin haber sido single en su momento, ha pasado por delante al resto de baladas del disco en peso histórico del repertorio de Skid Row.

5. "Psycho Love" (Bolan) 3:58
Vuelven esos riffs pesados, macarras y atractivos marca de casa con un tema duro pero de estribillo directo.

6. "Get the Fuck Out" (Sabo) 4:02
El tema polémico del disco (el título deja claro por qué) que hizo que se lanzara en dos versiones diferentes: la original con este directo, potente y headbanger tema de letra ruda y ofensiva (dentro de lo inocente que puede ser si se encuadra dentro de la macarrería del rock duro de la época) y la versión "limpia" en la que se sustituyó por un más "correcto" "Beggar's Day". Ofensiva o no, las guitarras crujientes y el ritmo machacante de "Get The Fuck Out", posiblemente el corte más divertido del álbum, hacen valer la pena al original.

7. "Livin' on a Chain Gang" (Bolan, Sabo) 3:56
Riff para la memoria y otro temazo más para el disco.

8. "Creepshow" (Bolan, Rob Affuso, Scotti Hill) 3:56
Coros con mucho gancho para seguir adentrándose en una segunda mitad del disco que, si bien ya no tiene tantos de los temas más famosos de la banda, no baja para nada el nivel.

9. "In a Darkened Room" (Bach, Bolan, Sabo) 4:57
Tras este segundo bloque de nuevo un tema lento, aquí sí en forma de balada más convencional en la tradición hardrockera del momento. Emotiva y con una fantástica interpretación vocal que la ensalza.

10. "Riot Act" (Bolan, Sabo) 2:40
¿Baladas para ir cerrando? Nada, volvemos a la carga con otro corto rápido y potente. Directo y sin florituras, breve, quizás el corte más sencillo del álbum, intencionado golpe al oyente.

11. "Mudkicker" (Bach, Bolan, Sabo) 3:50
Agresivo y heavy sin ser tan veloz, “Mudkicker” pone el último puñetazo encima de la mesa.

12. "Wasted Time" (Bach, Bolan, Sabo) 5:46
Y por fin el single balada obligado (por la repercusión que tuvieron las del disco debut), segundo sencillo del álbum, para cerrar el trabajo con una bonita bajada de revoluciones y un gran sabor de boca.

2009 - Stryper - Murder By Pride

2009-08-19T10:17:00.000-07:00

Sí, se están haciendo habituales los regresos estos años, pero aún así no parece demasiado fácil que una banda veterana reemprenda su carrera musical como si nada hubiera pasado habiendo estado separados durante años.
La consecuencia también se está haciendo habitual: disco "de retorno" y lluvia de críticas porque "ya no es lo que era" o porque "han traicionado a su estilo" intentando encuadrar su trabajo en una época que es diferente a la que les vió triunfar, por cierto y paradójicamente, encuadrando perfectamente sus trabajos para esos años.

Vale este último caso para muchos, como vale para Stryper y su ya pasado "Reborn" de hace unos años, pero como los grandes tienen siempre recursos, estos abanderados del heavy rock de temática cristiana que "conviertieran" a multitudes en los 80s han aprendido cuál es el rumbo que se les pide y su nuevo álbum, "Murder By Pride", vuelve a sonar potente, afilado, muy melódico y casi tan clásico que nos lo podríamos imaginar como el continuador, pongamos por caso de 1992, de aquel "Against The Law" que dejara cortado el camino en 1990.

Como es seguro que así se reconciliarán con muchos y hasta puede que se les vuelva a dar parte del espacio que siempre han merecido, bravo por ellos.

2009 - New Soul Cowboys - New Soul Cowboys

2009-07-23T09:53:00.000-07:00

Un trío de Nashville haciendo rock sureño de pura raíz americana puede no ser lo más atractivo ni para el gran público internacional ni en el momento actual, pero hay que reconocer que cuando las cosas se hacen bien y desde la pasión por una música el resultado puede romper cualquier barrera. Bueno, quizás menos la del dinero. Y es que si algo le falta al debut homónimo de los New Soul Cowboys es distribución, una apuesta fuerte por ellos que impida que queden en el más absoluto de los desconocimientos al que, de momento y desafortunadamente, parecen destinados.

Sus planteamientos, basados en un rock y hard rock clásicos con cuna en los legendarios Lynyrd Skynyrd, J.Hendrix o los primeros Thin Lizzy, merecen algo más, así como la recubierta más actual y radiable de los temas, junto a otras cualidades reseñables como el buen hacer de la guitarra de A.Gomes, su poderosa voz, los temas directos y de certeras melodías del grupo y su gusto por la experimentación para incluir retazos de otros estilos como el funk o el soul.

Sea como sea la suerte que corran finalmente, si algo se puede hacer por esta banda a estas horas es darle una oportunidad. Claro, y si además "nos pone" esa postal tan característicamente americana (y tan bien descrita en el video de la fiesta de presentación del disco que tenemos aquí abajo) con motos, botas de espuelas, sombreros cowboys y mucho rock'n roll, no deberíamos ni pensarlo. Merece la pena.

2009 - Innocent Rosie - Bad Habbit Romance

2009-07-20T09:29:00.000-07:00

Sí, apenas han pasado unos meses desde su lanzamiento, pero "Bad Habbit Romance" parece haber pasado más que desapercibido entre la extensa oferta hardrockera actual. De nuevo un grupo joven que viene de Suecia y de nuevo haciendo sleazy y hard'n heavy inspirado en los 80s. En este caso, incluso, en un estilo muy similiar al que nos presentaron hace pocos años Crazy Lixx con cierta notoriedad mediática, en un estilo potente "nieto" de unos Skid Row. Pero ¿de nuevo un éxito?

Veamos, singles como éste, que presenta el disco, deberían colocarlo como algo equiparable al debut de los citados Crazy Lixx y a otros ya conocidos nórdicos, a vista de que comulga perfectamente con lo que más ha gustado al público de esta oleada sueca, además de por inmediatez.

Directo, lo es. Pero, a falta de que el tiempo diga si cuaja o no comercialmente y por la indiferencia que hasta ahora ha despertado ¿será que hemos llegado con esta generación sueca al punto en que la cantidad empieza a saturar el estilo, desmarcándose sólo unas contadas bandas que por tener "algo especial" se hacen con el mercado?

Ya pasó en su día, como en tantos otros momentos, precisamente con el hard rock en el que se inspira, y muertas entre esa misma indiferencia masiva y de relleno a los pies de unos Guns N' Roses o Skid Row quedaron montones de formaciones que hoy los más seguidores de la época rescatan como bandas de culto.
¿Innocent Rosie? Esperemos, y ya veremos qué papel les toca jugar.

2009 - Outloud - We'll Rock You To Hell And Back Again

2009-07-18T02:49:00.000-07:00

Desde hace un tiempo parece que cada año nos regala un debut glorioso en el terreno del hard rock que se corvierte en la sorpresa y la sensación del momento. Nos estábamos acostumbrando, eso sí, a que esa nueva banda viniera de tierras nórdicas, y en este caso la cosa es algo más exótica.

Formados por miembros de diversas nacionalidades, la presencia de varios miembros de los griegos Firewind los hace identificar como una banda helena (lo que no hace sino evidenciar la extensión del revival hardrockero en Europa) y, diferencia importante, estos tipos no intentan revisar, como la mayoría de los suecos, el lado más sleazy y macarra del hard rock ochentero, sino que en su particular ejercicio de nostalgia del género (que sí, también lo hay) buscan el sonido del hard/heavy rock más melódico y clásico (y mediático) de la época, en algo que puede asociarse con los Whitesnake más enlacados, los primeros Europe, Dokken o (puede que sea una sensación personal, pero especialmente también) Waysted.

Servidos como ya estábamos de herederos de Mötley Crüe, y puestos a recuperar el buen hard rock de antaño, esto ya era algo casi necesario. Y lo más curioso, por si faltaba algo, es que con los nombres que componen a estos nuevos Outloud difícilmente podíamos esperar algo que no sonara a Firewind, Helloween y compañía. Sin embargo, desde la portada, "We'll Rock You To Hell And Back Again" tiene el sabor auténtico del que disfruta de este otro sonido. Directo, con gancho, potente y melódico. Una joyita.

2009 - Judas Priest - A Touch Of Evil Live

2009-07-16T08:30:00.000-07:00

A golpe de DVD por cada vez que se pisa un escenario y a base de videos de ínfima calidad tomados por seguidores que acuden a los conciertos cámara en mano -no se sabe si para ver el show con calma y en casa en lugar de disfrutarlo en el momento o para demostrarle al mundo que estaban allí- se está perdiendo el gust por un formato, el del disco en directo, que ha dado algunas de las joyas más reputadas de la historia del rock, y hoy en día es evidente que un lanzamiento de esta índole tiene poca trascendencia, máxime si viene de una banda de repertorio más que conocido, a no ser que se le dote de alguna particularidad.

Judas Priest debían estar al tanto de esto, y con "A Touch Of Evil Live" se han ido dejos de lo que todo el mundo podía esperar: Disco sencillo y nada de los clásicos que se han grabado tantas y tantas veces, que para eso ya tenemos anteriores y difícilmente superables trabajos. Sólo temas que esta formación no había grabado nunca en vivo y con especial atención a los que nos ha traído la celebrada reunión con estos ya dos nuevos álbumes de estudio. Una manera de hacerlo atractivo, claro, pero también una buena forma de comprobar como algunos de ellos van para clásicos.

¿El resultado? Si nos ponemos en este nuevo rol, lejano a la intención de grabar el mejor directo posible a base de lo mejor y más espectacular de su carrera -algo que hoy casi parecería sólo indicado para quien los empiece a conocer ahora- pero ideal para el seguidor habitual por lo fresco del lanzamiento, más que conseguido.

2009 - UFO - The Visitor

2009-07-05T01:57:00.000-07:00

Parece que por fin nos estamos todos dando cuenta de que Vinnie Moore era mucho más que el sustituto de M.Schenker. Claro, el guitarrista alemán es toda una leyenda y su legado para UFO es incuestionable, pero, ya que el grupo ha apostado con firmeza y para fortuna del público rockero por seguir adelante con una regularidad envidiable, la opción de Moore se presenta como inmejorable.

Tercer disco a bordo de "el OVNI" ya, y hasta que hemos visto la cantidad de temas que firma en "The Visitor", y cómo además el nuevo trabajo respira la esencia de los UFO de siempre, parece que no lo habíamos hecho notar.
Pero sí, lo que se apuntaba en los dos anteriores discos explota en "The Visitor" con la mayor importancia de la guitarra blues/hard rock de Moore, y, si bien en conjunto no se trata de un trabajo, en consecuencia, inmediato ni con temas tan directos como algunos de los que habían dado discos anteriores, resulta un conjunto homegéneo y para el disfrute de los paladares más clásicos del hard rock.

Así las cosas, enhorabuena a UFO, que sin llamar la atención (ni sobrevivir a base de directos, recopilaciones o escándalos) están firmando una las actuales carreras más dignas de entre los ilustres veteranos del panorama.

2009 - Heaven And Hell - The Devil You Know

2009-05-03T02:13:00.000-07:00

Pocas veces se puede hablar de una novedad como un futuro clásico. Casi nunca incluso antes de que ésta aparezca. Pero lo de Heaven And Hell se veía venir de lejos. Por los músicos que implicaba, por el tiempo de espera, por lo que supone su reestreno. Hubiera sido, más que una decepción, una increíble sorpresa que “The Devil You Know” –un título apropiado para que estos veteranos vuelvan tras tiempo para presentarse con otro nombre- no respondiera con grandes resultados a la expectación.

Iommi, Dio, Butler y Appice saben lo que hacen y lo hacen bien, y la producción les acompaña con un sonido denso y poderoso que refuerza el carácter pesado de todos esos medios tiempos. El conjunto de temas es infinitamente sólido, y aunque alguien pudiera esperar algunos singles más claros –quizá es el que más es el que ha servido de adelanto, bajo estas líneas- o algo más de variedad, el monolito rezuma aires de clásico aquí y allá desde la primera escucha, recordando melodías 100% Dio o demoledores riffs en la más pura tradición Iommi y Black Sabbath.
Porque es eso, el digno continuador de aquella línea y, no sabemos qué pensará Ozzy, pero parece que ahora sí que ha funcionado con “estos Black Sabbath”. Gran noticia encontrar trabajos del carisma de éste.

1986 - Metallica - Master Of Puppets

2009-05-02T15:59:00.000-07:00

Es difícil comentar un disco “como éste” sin caer en lo de siempre. Quizá por ello, ni en la sección de clásicos, discos "como éste" han sido habituales. Se ha escrito y hablado tanto y, más aún, se ha escuchado tanto, que cualquiera que guste mínimamente del género conoce de arriba abajo cada riff, cada solo, cada palabra que se debe corear en un directo. Pero si algo nos sigue diciendo que es una obligación rescatarlo como clásico, es que un disco “como éste” es un disco especial.

Especial porque tras más de veinte años de escucha sigue aguantando en el recuerdo, en los escenarios y los equipos de música. Porque a pesar de tenerlo claro en la memoria todavía apetece escucharlo de vez en cuando. Porque escucharlo de nuevo tras tantas veces todavía es volver a vibrar con algo que nos recuerda lo mucho que hemos disfrutado con él hace más o menos tiempo, o incluso con lo que hace tiempo hubiera pasado desapercibido. Porque despierta sonrisas cómplices de años pasados, o porque si entonces habíamos sacudido la cabeza con los temas insignia, ahora podemos admirarlos todos tanto o más que aquellos, y con cada repaso es uno diferente el que nos vuelve a parecer imprescindible. Porque imprescindibles lo son todos, o porque lo de “clásico” se inventó para este tipo de discos.

Pero el caso es que se hace difícil explicar por qué tras esos años y años de recibir de buen grado novedades y novedades de las que, algunas, podrían superar a un disco “como éste” en complejidad, técnica, sonido y todo tipo de factores objetivos, resulta que volvemos a ponerlo en el equipo y nos damos cuenta de que poco o nada de todo eso nos ha emocionado como nos sigue emocionando aquello.

¿Será que discos “como éste” nos devuelven la atención que les dimos en su día? Si es así, demos las gracias a los “British Steel”, “Back In Black”, “Master Of Puppets” y a tantos otros como se las damos a lo viejos amigos, y en lugar de insistir en las circunstancias que los rodearon, volver a hablar de sus cifras de ventas a lo largo de los años, o de divagar sobre las cualidades de aquellos músicos y de cómo hemos cambiado todos, desde ellos hasta nosotros pasando por la propia música, démosles el sencillo homenaje que es intentar recordar, vinilo, cinta o cd mediante, por qué consiguieron atraparnos.
Que valga hasta aquí por todos ellos, llámense “Heaven and Hell”, “Love At First Sting” o de cualquier otra forma, y vayamos a hacer ese tipo de justicia con el que ahora nos ocupa: “Master Of Puppets”.

1. "Battery" (James Hetfield, Lars Ulrich) - 5:12
Una entrada mil veces imitada que se ha convertido en leyenda. Poco se puede añadir de nuevo a los primeros y más conocidos temas de “Master Of Puppets”. Sólo disfrutémoslos con algunos directos sacados precisamente de la primera parte de la gira de este mismo disco.

2. "Master of Puppets" (Hetfield, Ulrich, Cliff Burton, Kirk Hammett) - 8:36

3. "The Thing That Should Not Be" (Hetfield, Ulrich, Hammett) - 6:37
4. "Welcome Home (Sanitarium)" (Hetfield, Ulrich, Hammett) - 6:27

Aún con una calidad discreta de grabación, ¿no impresiona el carácter que derrochaba el grupo? Puede ser uno de los directos más afortunados por lo que transmite. Puede que imitando patrones de lo iniciado en “Ride The Lightning”, seguramente desarrollándolos, pero estos tipos alcanzaron un nivel soberbio con estos temas.

5. "Disposable Heroes" (Hetfield, Ulrich, Hammett) - 8:17
Si no fuera porque en las últimas giras las han recuperado con fuerza, “Disposable Heroes” y “Leper Messiah” serían probablemente los temas más olvidados del disco. Puede que sea, entonces, por el menor desgaste, pero qué mérito tiene que sean capaces de relucir como las que más hoy por hoy. El potencial lo tienen, su directo es escandaloso. Si escucháramos dos temas así en un disco de una banda nueva, ¿no los pondríamos como los cortes insignia de una nueva sensación en el metal? Lo dicho.

6. "Leper Messiah" (Hetfield, Ulrich) - 5:40
7. "Orion" (Hetfield, Ulrich, Burton) - 8:28
Sin lugar a dudas, la desafortunada muerte de C. Burton durante la gira de “Master Of Puppets” ha hecho engordar el mito de este disco. Qué hubiera pasado en la carrera posterior de Metallica de haber seguido Cliff en el grupo es algo que se ha preguntado desde hace años buena parte de sus seguidores, en muchas ocasiones suponiendo que se con él se hubieran evitado “errores” venideros. Es mucho imaginar, a toro pasado. Pero es fácil entender las razones de los que lo idolatran, viendo los temas que firma dentro de este disco. “Orion” quedó como su testamento. Descanse en paz, Cliff...

8. "Damage, Inc." (Hetfield, Ulrich, Burton, Hammett) - 5:30
...y claro, a todos, gracias.

2009 - Sunstorm - House Of Dreams

2009-04-12T02:20:00.000-07:00

Otra buena noticia que viene de la Frontiers. Parece que, a parte por apostar por el hard rock y metal melódico de calidad, y promover más y más proyectos con figuras de la escena, están decididos a dar continuidad a los que a la postre disfrutan de mayor éxito.
Tanto por calidad como por éxito, Sunstorm ha sido uno de los mayores tinglados que han organizado en estos años.

Recordemos que, para éste, los de Frontiers reclutaron a Joe Lynn Turner -ni más ni menos- y le hicieron rebuscar entre su material viejo sin publicar para que Jim Peterik, otra de las rutilantes estrellas del asunto, le acabara de dar forma a un nuevo disco. Bueno, pues ese trabajo homónimo del 2006 ya tiene continuación y se llama “House Of Dreams”.

De nuevo tenemos al duo Turner/Peterik como gran atractivo, de nuevo el sonido está a medio camino del hard rock melódico más clásico y el AOR (aunque quizá esta vez haya incluso más presencia de AOR, en un conjunto más tranquilo y elegante), de nuevo produce D.Ward (otra figura puntera) y de nuevo se parte de temas “desclasificados” de Turner (donde, parece mentira, todavía quedaba una joya por descubrir com la potente y optimista “I Found Love”), pero, como el baúl tenía que acabar agotándose, ahora se ha tenido que completar el disco con otros de Peterik (y hay que reconocer que dos de los suyos son de lo más atractivo del trabajo: el otro tema potente del álbum “Gutters Of Gold” y la balada “Say You Will”) y otros más que ha propósito de “House Of Dreams” ha creado el equipo de Frontiers, en su totalidad medios tiempos de orientación muy melódica.

Para quien guste, pues, de ese rock más melódico, ya tenemos (bien, sin mayores sobresaltos y sin la sorpresa del debut) otro disco de excelente factura e interpretación.

2008 - Johnny Crash - Unreleased Business

2009-04-08T14:56:00.000-07:00

Alguien se equivocó. Escuchando este “negocio inacabado”, es lo primero en lo que se puede pensar. Porque el segundo disco de Johnny Crash debió publicarse en los primeros 90s, cuando fue concebido, y no tener que esperar a que, en medio del revival musical al que nos ha llevado la oferta y la demanda, una disquera se dignara a rebuscar y a sacarse un viejo producto “de culto” de la chistera.

No se lo merecía, un tratamiento así, V. James Wright, veterano vocalista NWOBHM (en Tokyo Blade) que apostó a finales de los 80s por comenzar este proyecto Hard Rock en los USA y tras un primer fracaso (comercial, que no musical) con el debut siguió adelante rehaciendo su banda.
No se lo merecían Matt Sorum y Dizzy Reed, fenomenales músicos (además de poco después del final de este grupo las entradas para la nueva alineación de Guns’ N Roses) y “fichajes estrella” para este segundo esfuerzo de Johnny Crash, que ayudaron a dar forma a un nuevo sonido que tenía que remontar hasta el éxito con el segundo LP.
No lo merecía su apuesta, que echaba raíces en lo más clásico del rock’n roll y el blues desde la propuesta hard/heavy a lo AC/DC (los de Bon Scott) de su primer disco, en 1990.

No lo merecían, pero fue así. La falta de confianza tras el primer fiasco y el cambio de rumbo del panorama musical de la primera mitad de los 90s (sí, ése que se olvidó del Hard Rock) dejaron sin discográfica al que había de ser sucesor del primer “Neighbourhood Threat” (disco, por cierto, con el tiempo bastante reinvindicado) y Johnny Crash acabó por disolverse, quedando el trabajo hecho en el limbo.

Afortunadamente, hace poco que se empezó a hacer justicia. Recuperado, remasterizado, editado y, por fin, publicado, nos ha recordado a muchos que no siempre gana el mejor, pero que lo que se hace bien acaba dando sus frutos, que en los primeros 90’s se hizo mucho, y buen Hard Rock, y, de paso, cómo suena lo verdaderamente auténtico. AC/DC, Jackyl, Quireboys, Lynyrd Skynyrd, Led Zeppelin, rock’n roll, fiesta y desgarro sureño, todos asuntos entrelazados de este negocio irrealizado.

De haber apostado en su día alguien por ellos hoy podría ser ya un clásico, pero viendo ese 2008 como año de lanzamiento no cabe otra opción de dejar que sea el tiempo el que lo decida. Ahora bien, de momento ese mismo tiempo ya le debe más de quince años. No puede tardar en resarcirlo.

2009 - Nasty Idols - Boys Town

2009-04-08T08:42:00.000-07:00

Será porque ya les tocaba o será porque con todo el revuelo que están montando las infinitas bandas hardrockeras de jovenzuelos en su Suecia natal -volviendo a poner el género de moda- no podían desaprovechar el tiro, pero parece que con “Boys Town” Nasty Idols puede volver a ponerse en la palestra.

La receta para el salto al “carro de los chavales” es la misma de siempre de estos veteranos: hard’n heavy con mucha actitud, un punto sleazy y otro, y bueno, de fiesta.
El resultado, por tanto, no es nada nuevo: un disco muy entretenido y disfrutable para todo el que guste de esa música, en este caso realzado por el gran sonido y algunos cañonazos de infarto.
La conclusión: entre unos y otros, parece que definitivamente una parte del espíritu de L.A. se ha mudado a Gotemburgo.

Celebrémoslo pues recordando uno de los primeros éxitos del grupo, lejano ya en casi dos décadas...

...y acabemos de darnos cuenta con "Boys Town" de que los Nasty Idols siguen vivos... y bien.

1993 - Sangtraït - Contes i Llegendes

2009-04-04T16:21:00.000-07:00

Que hay poco mercado para el rock duro fuera del cantado en habla inglesa es algo que parece claro, así que el primer condicionante está servido a la hora de hablar de Sangtraït. Y en mayor medida, por supuesto, que el que pueden tener bandas que utilizan el castellano, por ejemplo, por tratarse de una banda que apostó siempre, por su orígen, por las letras en catalán.

La cosa es más complicada todavía si recordamos que en el momento en que se asentó el grupo emergían muchos otros de sonido muy diferente (pop-rock), pero que utilizaban la misma lengua, dando lugar a una popular generación de “rock català” en la que Sangtraït acabaron encasillados mediáticamente casi “porque pasaban por allí”, pero –aunque quizá ayudara esto a su conocimiento general- quedando como los “bichos raros” del mundillo o confundiendo a los que buscaran un sonido más pesado.

Y es que hay que decir que lo que presentaba Sangtraït, básicamente era (aunque con el añadido del arraigo en lo popular o “folk” de su tierra), heavy rock en su versión más clásica. Del ochentero, sin artificios, sin exhibiciones ni brutalidades, a lo NWOBHM, a lo Maiden (unos maiden más rockeros), si queremos ir a por modelos concretos, aunque más que con eso haya que quedarse con lo general de ese tipo de sonido.

Aún con esas, hay añadir que es verdad que consiguieron su público, grande –para esos condicionantes- y fiel, pero dado el potencial que llegaron a tener y servida la comparación con otras bandas de mayor éxito, no queda otra que considerar a Sangtraït como uno de los “malditos”, desconocidos e infravalorados, del género.

Como muestra, un breve respaso a su trayectoria. Para cuando llegaron sus discos de mayor notoriedad, “L’Últim Segell” (1991) y este “Contes i Llegendes”, llevaban ya tiempo publicando, y aún cuando empezaron a publicar discos en el último tramo de los 80's ya llevaban desde principios de década peleando para que esto fuera posible. Tras este “Contes i Llegendes”, además, volvieron los malos tiempos y al fin 1999 vio la salida de su último trabajo de estudio antes de la separación. No parece la narración de una carrera muy interesante, en verdad, pero para demostrar su valía tuvieron suficiente con la música. Este trabajo de 1993, cintando uno, responde con creces.
¿No es tan disfrutable para el público heavy como cualquier joya de la NWOBHM?
“Alè de Mil Cent” parece decirnos que lo es, a base de guitarras afiladas, estribillos directos y lírica motera.

¿Acaso no hay cañonazos para el recuerdo de los más duros?
Que nos lo diga “Les Creus Vermelles”, con su aplastante marcha y esa comprometida letra que aborda lo absurdo de la guerra.

¿Y que hay de la melodía?
Pues hay una buena respuesta en la “Reina del Gel”.

Uno tras otro, estos “cuentos y leyendas” ponen al álbum en su lugar, dejando sólo para el final la parte más abierta al hard rock, el blues y hasta un homenaje al entonces recientemente malogrado F. Mercury.
Sin rodeos, directo al oyente del heavy rock de siempre. Eso sí, lamentablemente sólo del aquel que se digne a escucharlos.

1993 - Héroes del Silencio - El Espíritu del Vino

2009-03-27T16:12:00.000-07:00

Decir que con “El Espíritu del Vino” el rock español por fin alcanzó esa gran cumbre que años atrás había podido suponer “Physical Graffiti” para el británico e internacional puede parecer exagerado, pero lo cierto es que difícilmente se puede encontrar antes (o después) algo que pueda identificarse mejor con esa apuesta, en el ámbito nacional, en términos de repercusión popular, ambición y grandilocuencia del trabajo, complejidad, creatividad, variedad, extensión y hasta influencias.

En este último capítulo, la explicación es tan sencilla como paralela –salvando tiempo, lugar- a la obra maestra del ‘75: con “El Espíritu del Vino” los Héroes del Silencio se asentaban en su faceta más rockera, confirmaban su arraigada herencia clásica (más en el rock de los 70’s y 60’s que en ese rock “gótico” de los 80’s por el que empezaron) y a la vez se abrían a todo tipo de sonidos (sí, también incluyendo los puntuales matices orientales) conformando un estilo tan personal como reconocible.

Pero más allá de paralelismos, aceptables por lo que supusieron cada uno en su terreno uno y otro disco, pero poco transportables al sonido de los dos grupos y sin más importancia que la de la mera anécdota, es un hecho que el tercer largo de la banda aragonesa subió un peldaño en la definición de su identidad añadiendo una infinita riqueza a su música y explotando al máximo el papel de dos puntos clave: la guitarra de Juan Valdivia y la interpretación vocal de Enrique Bunbury.

A éste (aunque hay quien se lo otorgue más concretamente a lo que consumía) hay que achacarle también el inmenso e “inspirado” trabajo con las letras, que acababan de conformar la personalidad única de los Héroes en la lisergia, la mística o la épica de lo más mundano. Con algo así, que dejó tantas bocas abiertas entre sus seguidores como tapó las de los que creían que los éxitos del anterior “Senderos de Traición” eran cosa de un día, habría que añadir que por más que fuera una lástima que se truncara la carrera de los zaragozanos, hay que agradecerle a Bunbury que, aunque por otros derroteros, haya seguido cultivando en su posterior carrera este tipo de poesía y riqueza sonora.

Y es que, más que lamentar el difícil mercado que tiene la música –especialmente el rock- en castellano internacionalmente (algo que, seguro, ha impedido que se coloque fuera de las zonas de habla castellana a Héroes del Silencio entre los más grandes), podríamos vanagloriarnos de poder “empaparnos” en plenitud de condiciones en este “Espíritu del Vino”. Qué mejor manera de hacerlo que ponerlo a sonar y repasar el track list:

1. "Nuestros nombres" - 5:57
Single de presentación del disco, apareció por primera vez en mayo del ’93 confirmando el endurecimiento en el sonido del grupo. Una de la pistas de mayor peso guitarrero del álbum, fue lanzada en versión CD Single acompañada de otro corte del trabajo, “Flor de Loto” y la también novedosa versión “Apuesta por el Rock’N Roll”. Número 1 de los 40 principales ese mismo año, se convirtió de inmediato en un clásico de su repertorio.

2. "Tesoro" - 2:19
Contraste a base de quietud en la breve “Tesoro”, a la que la voz de Bunbury llena de magia.

3. "Los placeres de la pobreza" - 4:59
Y vuelta a lo más rockero (con notable influencia del heavy metal) en un corte dinámico y con gancho, adornado por una lírica que empieza a incidir en las diferencias entre culturas.

4. "La herida" - 6:54
Una de las más reconocidas joyas del álbum sigue la marcha en la forma de una balada que acaba por desbocarse en un frenético final. No es de extrañar que fuera escojida como segundo single del disco y llegara al número 1 en las listas de éxitos. Sin duda, uno de sus temas más conocidos.

5. "Sirena varada" - 4:15
Lo mismo se puede aplicar a “Sirena Varada”, que aunque no llegó –por poco- al 1, se ha acabado convirtiendo en todo un símbolo de los Héroes. Suave pero atractivo y dinámico, a su relevancia hay que añadir otro dato: para su promoción se grabó un videoclip que sirvió de presentación al nuevo guitarrista de apoyo de la banda, el mexicano Alan Boguslavsky, que acabó siendo miembro de pleno derecho del grupo.

6. "La apariencia no es sincera" - 7:03
El corte más extenso del disco, a medio tiempo.

7. "Z" - 0:51
Y la primera instrumental (a guitarra de gusto folk) del trabajo, a modo de entrada de “Culpable”.

8. "Culpable" - 6:04
Y enlazando, otro medio de atractivas melodías que lleva hasta la mitad del trabajo.

9. "El camino del exceso" - 5:36
Para empezar la segunda parte, un significativo y eléctrico “camino del exceso”. Las drogas y los excesos de lleno en la temática de los Héroes.

10. "Flor de loto" - 6:15
Lo dicho para la anterior es poco. Influencia oriental (no sólo por los instrumentos tradicionales de la entrada) y rock duro enlazados en lo más lascivo y lisérgico.

11. "El refugio interior" - 1:34
Tras una de las partes más creativas y experimentales del disco, la segunda instrumental lleva de manera contundente...

12. "Sangre hirviendo" - 5:12
...al tema más puramente heavy del trabajo. Por si faltaba algo. Y ahí no queda la cosa.

13. "Tumbas de sal" - 4:33
El ritmo vacilón y casi bailable de “Tumbas de Sal” vuelve a poner la diferencia. Gusto rocknrollero de lo más añejo que contrasta con un aura oscura y la letra que vuelve a remitir (y es casi una constante en el álbum, no en vano el disco vino precedido de un viaje de Bunbury por la India y Nepal) a otras culturas: tan extraña mezcla y tan buen resultado.

14. "Bendecida II" - 0:36
Tercera y última intro, demostrando un cuidado máximo en los detalles.

15. "Bendecida" - 5:59
E impresionante tema a medio tiempo de bella melodía para recordar. Y es que Bunbury sigue grabado a fuego en centenares de cabezas cantando que “...en las aguas de la certeza, nos hicimos la promesa...”. De lo más melancólico del disco.

16. "La alacena" - 3:40
Para cerrar, conservando el gusto melódico pero en un modo mucho más quieto y desnudo, “La alacena” pone el mágico punto y final.

2005 - Hardcore Superstar - Hardcore Superstar

2009-03-21T15:17:00.000-07:00

Puede que lo del actual revival hardrockero sueco en algunos años se quedara en eso, en un mero acto de nostalgia, si no fuera porque algunos se han encargado, además de recuperar aquel espíritu macarra y divertido de los últimos 80s, de mirar también hacia adelante aportando nuevos matices.

Para Hardcore Superstar, la novedad viene de cierta influencia del metal más pesado y de un aire “joven” que inunda actitud y melodías. Sí, lo del “aire joven” podría parecer parte de los mismo si pensamos que precisamente aquel sleazy hard rock de los 80s era la bandera y máxima expresión de la actitud descarada de los jóvenes rockeros del momento (para serios, duros o maduros siempre ha habido otras cosas dentro del mundillo), pero a estas alturas está más que claro que ese sonido estaba muy ligado a “ese” momento y que la generación a la que voló la cabeza entonces ya cuenta con otras dos décadas de más entre pecho y espalda.

Claro, calcar las formas de unos Mötley Crüe o unos Guns ‘N Roses para hacer hard rock hoy día puede ser atractivo para todos los que disfrutamos de esos grupos, pero si se pretende apostar por aquel “espíritu” gamberro y casi adolescente por otro camino que por el de esa nostalgia puede que, más que calcarlo, “lo suyo” fuera dar al público joven una forma de rock duro (sí, igualmente divertido, desenfadado y con patrones similares) más inmediata y acorde a los que quizá ni habían nacido cuando, por ejemplo, “Girls, Girls, Girls” sentaba su cachonda cátedra en el género.

Sea cierto o no, así lo debieron entender Hardcore Superstar al no conformarse con la imitación (anque se pueda hacer de manera excelente e igualmente digna), y -por lo visto hasta ahora- les ha ido especialmente bien para establecerse como una de las pocas bandas de la oleada sueca con una carrera sólida, que pase de unos pocos años o un brillante disco debut.

Gracias a esto los hemos podido ver variando su propuesta disco a disco, y en el camino conseguir espléndidos resultados, por ejemplo, con un cuarto trabajo, disco homónimo, que, por otro lado (y vale, en esa versión potente y actual), explota entre otras cosas algunas de las señas del sleazy de siempre: los ritmos marcados y fiesteros y los riffs “vacilones” en la tradición Aerosmith/Mötley Crüe.
Se los mire por donde se los mire, por cosas como este álbum es por lo que se les ve todavía con mucha fiesta por delante.

2009 - Hibria - The Skull Collectors

2009-03-15T05:04:00.000-07:00

Aunque han pasado tres meses desde que el sello Spiritual Beast lanzara “The Skull Collectors” en Japón (en Diciembre del 2008 los nipones ya tuvieron la suerte de poder escuchar lo nuevo de Hibria), en el resto del mundo hemos tenido que esperar hasta Marzo del 2009 para recibir el estreno vía Remedy Records. Y aunque hoy día Internet elimine el factor sorpresa, se puede decir que ha merecido, y mucho, la pena. Tanto la espera como, claro, el que una disquera se haya dignado a publicar internacionalmente el que puede ser uno de los bombazos heavys del año (2009 –por lanzamiento internacional- o 2008 –por estreno-, como lo queramos considerar).

No deben andar muy bien las finanzas en este terreno, tampoco, para que haya tantos miramientos a la hora de decidirse a apostar por un grupo semi-nuevo, más sabiendo que su primer LP, “Defying The Rules” (2004), sin contar con publicidad ni gran distribución, ya obtuvo muy buenas críticas de la prensa más especializada.

Podemos apostar a que con “The Skull Collectors” pasará algo parecido. El buen hacer del grupo con voz –ese Iuri Sanson puede codearse con R. Scheepers o T. Owens sin quedar malparado- e instrumentos –tanto, que hay quien quiere ver un punto progresivo en su música-, así como para escribir temas con arrolladora fuerza en ese estilo melódico inspirado en “Painkiller” de los Primal Fear del “Nuclear Fire” o de unos Cage así lo asegura. Que la cosa pase de las buenas críticas para convertirse en un éxito popular es algo ya más arriesgado que sólo podrá decir el tiempo.

Por lo menos, esto nos asegura un tiempo más para una prometedora banda brasileña que había estado a punto de desaparecer antes de llegar a publicar este segundo disco. De momento, lo están aprovechando más que bien. Un single como éste es una buena muestra:

1967 - Cream - Disraeli Gears

2009-03-15T04:21:00.000-07:00

Qué poco tiempo estuvieron en activo (comparando con otras reputadas bandas de su generación) y sin embargo qué grande es, de acuerdo a la crítica musical, la huella qué dejaron. Su manera de abordar el rock y el blues es hoy considerada influencia clave para el despegue del hard rock, así como sus músicos (un terceto que iniciaría toda una tradición de “power tríos” en el género) han sido reconocidos como maestros para la posterioridad.

Jack Bruce, Eric Clapton y Ginger Baker marcaron una época llevando la música del momento a un terreno donde los riffs tenían mayor peso, las estructuras podían ser más desordenadas y creativas y la batería más contundente.
The Doors, los Who o los Stones hicieron carrera también explorando este terreno, pero así como estas otras formaciones son siempre citadas por sus grandes carreras, Cream –puede que por su fugacidad o, seguro, por ser pioneros en estos terrenos- lo son por su decisiva influencia en los primeros pasos de bandas como Led Zeppelin o Black Sabbath o, lo que es lo mismo, en el nacimiento del hard y heavy rock.

¿Alguien que haya escuchado “Sunshine Of Your Love” puede negar la mano de Cream en los mastodónticos riffs de Iommi para Black Sabbath? ¿No es casi evidente la influencia del batería Ginger Baker en el estilo de J. Bonham, pieza clave del sonido de Led Zeppelin?

Si las respuestas no están claras, quizá valdría la pena repasar “Disraeli Gears”, el segundo LP de Cream, y ver de paso por qué logró alcanzar el Top 5 de las listas, tanto británicas como americanas, en 1967. No podía ser de otra manera: psicodelia rockera de UK y blues americano son buenos ingredientes para la "crema".
Veamos “la receta” con el listado de temas del disco:

Cara A

1. "Strange Brew" (Eric Clapton, Felix Pappalardi, Gail Collins Pappalardi) – 2:46

2. "Sunshine of Your Love" (Clapton, Jack Bruce, Pete Brown) – 4:10

3. "World of Pain" (Pappalardi, Collins) – 3:03
4. "Dance the Night Away" (Bruce, Brown) – 3:34
5. "Blue Condition" (Ginger Baker) – 3:29

Cara B

6. "Tales of Brave Ulysses" (Clapton, Martin Sharp) – 2:46

7. "SWLABR" (Bruce, Brown) – 2:32

8. "We're Going Wrong" (Bruce) – 3:26
9. "Outside Woman Blues" (Blind Joe Reynolds, arr. Clapton) – 2:24
10. "Take It Back" (Bruce, Brown) – 3:05
11. "Mother's Lament" (Traditional, arr. Clapton, Bruce, Baker) – 1:47

2002 - Bunbury - Flamingos

2009-03-07T14:51:00.000-08:00

Empezar una carrera en solitario tras haber puesto punto y final a algo que funcionaba tan bien como Héroes del Silencio no podía ser fácil. Aseguraba a una legión de seguidores y a la totalidad de la crítica mirando sus pasos con lupa, pero esa expectación –y más si la nueva propuesta musical se distanciaba de la del grupo, como es el caso- podía conducir hacia la comparación y fácilmente hacia la desaprobación.

Lo que no se le puede negar a Enrique Bunbury es el valor que tuvo para afrontar este nuevo reto como corresponde a un personaje de su creatividad: sin ningún tipo de complejos. Lejos de intentar asegurar el éxito con algo continuista, abrió el espectro de influencias a todo tipo de sonoridades, desde el tango a la música oriental, y no se puede negar que, al menos tras la controvertida acogida de sus primeros trabajos, consiguió moldearlas en poco tiempo en un sonido personal (ese “rock bastardo” que él mismo ha dado en llamar) que puso de acuerdo a todos en el halago a base de mucha imaginación y trabajo. Porque si hay algo que caracterice a “Flamingos” -su tercer disco de estudio- a parte de la exuberante complejidad, es el trabajo. Lo demuestran los hasta nueve meses de faena en Avinyonet de Puigventós y las más de 150 pistas de sonido para instrumentos e infinitos arreglos (de cuerda, de viento, teclados...) de la banda y múltiples colaboradores.

Pero la apuesta consiguió dar sus frutos. Por un lado, la riqueza que respira “Flamingos” de principio a fin y, por otro, el inmediato éxito en España, México o Argentina, sus principales fueros. En total, más de 300.000 discos vendidos y una gira a reventar en cada recinto que duró año y medio con más de 150 fechas. Aceptando el tema pugilístico que propone la portada, a propósito de su fe para levantarse y luchar tras los muchos palos de su vida profesional y personal (recordemos que este disco está marcado por su ruptura matrimonial), pelea ganada. Y por K.O.

1965 - Otis Redding - Otis Blue: Otis Redding Sings Soul

2009-03-07T04:43:00.000-08:00

Sí, mencionar a Otis Redding es hablar de una de las mayores leyendas del soul. Pero antes de seguir, cabría recordar que aunque este título ahora pueda parecer lejano del mundo rockero que suele ocupar este blog, en los ya lejanos 60’s las fronteras del soul, el blues y el rock se fundían con frecuencia en un sonido único que ha pasado a la historia ligado a su época. “Otis Blue”, el tercer disco de estudio de Otis Redding, es –como ejemplo perfecto de esto- perfectamente emparentable con lo que en esos años pudieran estar haciendo bandas de rythm n blues como Them, los Animals o los mismísimos Rolling Stones, a la vez que más cargado del sentimiento sureño y profundo del blues y soul negro tan propio de la ciudad donde fue grabado, Memphis.

Anécdota célebre y prueba de estas relaciones de “parentesco” fue la grabación de “(I Can’t Get No) Satisfaction”, que apareció en este disco como versión del famoso single de The Rolling Stones sólo dos meses después de que se publicara aquel, sustituyendo el conocido riff de la “stoniana” por unos opulentos arreglos de viento que, parece ser, eran los que inicialmente el Stone K. Richards quería para su canción, a su vez inspirada en lo más movido del sonido soul contemporáneo de Martha And The Vandellas o del mismo Otis Redding.

Junto a esta versión, en “Otis Blue” aparecían también “covers” del idolatrado cantante de soul, rhythm n blues y gospel Sam Cooke (fallecido en 1964 y que comparte con Redding el sobrenombre de Rey del Soul), del bluesman B.B. King y del hit Motown “My Girl”. El resto, de autoría propia (co-autoría en algunos casos), engarzaba a la perfección un conjunto que es considerado hoy día obra maestra tanto de su carrera como de la música popular en general. “Otis Blue” supuso el inicio de su estado de gracia y de un reinado mediático que, aunque 1967 torció llevándose la vida de Otis Redding en accidente de avioneta, sigue permaneciendo inmortal.
Mencionemos, con este genial track list más que recomendable para cualquier seguidor de la música de los 60's (rock, por supuesto, incluído), once buenas razones para ello:

1. "Ole Man Trouble" (Redding) – 2:55
2. "Respect" (Redding) – 2:05

3. "A Change Is Gonna Come" (Sam Cooke) – 4:17
4. "Down in the Valley" (Bert Berns, Solomon Burke, Babe Chivian, Joe Martin) – 3:02
5. "I've Been Loving You Too Long" (Redding, Jerry Butler) – 3:10
6. "Shake" (Cooke) – 2:35

7. "My Girl" (Smokey Robinson, Ronald White) – 2:52

8. "Wonderful World" (Cooke, Lou Adler, Herb Alpert) – 3:00
9. "Rock Me Baby" (B. B. King) – 3:20
10. "Satisfaction" (Mick Jagger, Keith Richards) – 2:45

11. "You Don't Miss Your Water" (William Bell) – 2:53

2009 - Hot Leg - Red Light Fever

2009-03-06T14:37:00.000-08:00

La de vueltas que pueden dar las cosas para acabar llegando de nuevo punto de partida. Hace unos cuantos años Justin Hawkins recibía elogios por doquier por su particular estilo vocal al frente de la nueva sensación del Hard Rock, The Darkness, y no se tardó en rumorear que podría lanzarse a una carrera en solitario, en terrenos todavía más radiables que lo encumbrara a lo más alto de la escala mediática. Sin embargo, The Darkness, que como grupo aseguraba ser fiel a las máximas rockeras, permaneció imperturbable para publicar un segundo disco. Éste refinaba hasta lo imposible el elogiado sonido del debut pero se estrelló en respuesta popular en comparación al primero y a las expectativas que se habían puesto. Entre esto, y la vida de excesos a la que sucumben muchos de los que acogen la fama a manos llenas y en poco tiempo, lo que habían parecido rumores se convierten en realidad y Justin abandona el barco, poniendo fin a una banda que parecía apuntar a lo más alto. El resto de miembros se embarcan en un nuevo proyecto de sonido más variado, Stone Gods, que no parece no poder, de momento, sacar la cabeza entre lo más popular y en éstas estábamos cuando reaparece el señor Hawkins, que parecía estar perdido entre la lujuria y para largo para el mundo del rock, presentando single (el que vemos a continuación) y encabezando una nueva formación que no sólo no tiene nada que ver con aquellos rumoreados “terrenos todavía más radiables” sino que parece, más que Stone Gods, la continuación natural de The Darkness.

La receta, para empezar, la misma: Hard Rock inmediato y alegre de riffs directos deudores de AC/DC o Thin Lizzy, y esas melodías más acentuadas con el gusto clásico del que ha escuchado mucho a Boston o a Queen. Y la voz, por supuesto, la misma e inconfundible que se hizo famosa con The Darkness.
Pero bien, puede que el disco no sea ni de tanto gancho tema a tema como aquel primer “Permission To Land” -que casi parecía un recopilatorio de singles- y, seguro, tampoco es el depurado, preciosista y sólido conjunto de “One Way Ticket To Hell”. Aún así, se queda en un punto del camino entre los dos que asegura el buen recibimiento de quien hubiera disfrutado con The Darkness.

Mención especial en este apartado merecen algunos cortes como “Coktails” -ese tema con aires de clásico del video superior- y “Wichever Way You Want To Give It”, que bien pasarían por buenos singles de aquellos celebrados discos. En el distinto capítulo de excentricidades, inevitable con un personaje como el que lidera Hot Leg, “Chickens” destaca abriendo el disco con algo extraño pero atractivo que bien pudiera inspirarse en el inicio extravagante de aquel lejano “Jazz” de Queen –recordemos aquella apertura con “Mustapha”-, para luego dejar paso a un track list de gusto, si esto es posible en cualquiera de los dos casos, más estándar.

En resumen, es una buena noticia tener de vuelta a gente como ésta, y lo será más si esta vez se queda un tiempo más largo. Por lo menos lo es para el que disfrute del Hard Rock, desde luego. Para quien echara de menos el falsete de Justin, una gozada a la que acudir corriendo.

2009 - The Answer - Everyday Demons

2009-02-15T03:47:00.000-08:00

Abrir para AC/DC no es algo al alcance de cualquier grupo con pocos años de carrera, pero si The Answer puede presumir, presentando el que es solamente su segundo disco de estudio, de acompañar a los australianos en la que puede ser la gira más mediática de su larga historia es porque han sabido demostrar en tan poco tiempo algo muy especial.

Para empezar y con este “Everyday Demons”, que la propuesta de “Rise” centrada en el rock duro de los 70s no era un mero gusto por el revival o una moda pasajera, sino que es el camino que han escogido con pleno convencimiento y conocimiento. Y para acabarlo de redondear, demuestran que el revuelo que ocasionó en la crítica su debut del 2006 no puede quedar flor de un día (de esas que tanto abundan), sino que aquí hay grupo (grupazo) para rato.

Si aquel primer trabajo demostraba un empaque inusual para un estreno, un espíritu añejo encandilador de nostálgicos y una capacidad sorprendente para regalar temas directos en un estilo lamentablemente hoy poco efectivo para el gran público, este segundo esfuerzo multiplica, si cabe, esas sensaciones y añade algunos momentos más potentes y la sensación todavía más inmediata de que estamos ante un álbum que para el futuro tendrá la categoría de clásico.

¿Que The Answer ya lo apuntaban? Pues dispararon. Y parece, ojalá sea así, que tienen munición más que sobrada para arrasar durante años.

1995 - Meat Loaf - Welcome To The Neighbourhood

2009-02-07T14:38:00.000-08:00

Volvió a pasar. La segunda parte de “Bat Out Of Hell” levantó el nombre de Meat Loaf recuperando su mayor popularidad tras años de caída –resucitar al murciélago no podía fallar- y arrasó en ventas (como la primera), pero su siguiente disco (como el que siguió al famoso disco del ‘77) no aguanto el tirón mediático y acabó por olvidarse rápidamente.

Claro, difícil papel le tocó. Comparado con “Bat Out Of Hell II: Back Into Hell”, el platino que obtuvo el séptimo disco de estudio de Meat Loaf fue algo más que un bajón, y de nuevo empujó a M. Lee Aday a buscar mayor gloria en sus otros proyectos como actor, olvidándose hasta 2003 de más trabajos de estudio.

Pero siendo justos, “Welcome To The Neighbourhood” no parece un disco que pretendiera ser el sucesor de Bat Out Of Hell. Desde la portada, completamente diferente a la línea épica de aquellos discos, al contenido, en una línea más homogénea y estándar para el hard rock más melódico (eso sí, sin perder un ápice de la personalidad que imprime el nombre de la tapa), el trabajo marcaba diferencias con la carrera anterior de Meat Loaf. De hecho, si parece querer una analogía, es con aquellos discos de éxito de finales de los 80’s/principios de los 90’s en el género mencionado.

Las guitarras más potentes y en primer plano, los temas más directamente radiables... Pensando en que la “vuelta al Infierno” que lo precedió era casi obligatoria para reencauzar su carrera (por lo que difícilmente puede indicar por dónde querían ir realmente los tiros), se puede adivinar que “Welcome To The Neighbourhood” era quizá el estilo de disco que estaba pensado –por adecuado- para aquel momento.
Quizás es que finalmente llegó demasiado tarde, y que en 1995 un producto (aún tan bien hecho como éste) de este corte ya no funcionaba igual de bien.

¿Qué en 1990 y con la promoción adecuada hubiera supuesto todo un bombazo? Es una suposición que no parece para nada descabellada.
“I’d Lie For You (And That’s The Truth)”, "Not a Dry Eye in the House" o "Runnin' for the Red Light (I Gotta Life)", por mencionar los tres singles, tenían potencial para haber sido hits mediáticos muy del gusto de esos años (ya en el poco propicio 1995 llegaron a los números 2, 7 y 21 de las listas británicas) y, en general, todo el disco estaba cuidado (intros, interludios y colaboraciones de estrellas invitadas –P.Thrall, Sammy Hagar, S.Van Zant, K.Aronoff o Patti Russo- incluídas) como las mejores producciones de esa época.

Y así es, olvidándonos de rendimientos comerciales y contratiempos de su momento, “Welcome To The Neighbourhood” ahora reluce como un magnífico trabajo de contagiosa y agradable escucha centrado en una buena lista de medios tiempos de aire baladero y exagerada grandiosidad, que uno tras otro acaban por no dejar ni un segundo de relleno a un disco al que, comentado el cuidado de la producción, sólo falta destacarle –si es que es necesario- la impecable interpretación que encabeza la voz de “Meat Loaf”.
Todo ello, claro, si es que, haciendo justicia, nos empezamos a acordar de él.

1995 - Van Halen - Balance

2009-02-03T09:42:00.000-08:00

No pocos lo han dicho: es difícil encontrar otro disco de Van Halen con mejor sonido, extendiendo “sonido” a interpretación, producción o arreglos. Es difícil también, se ha dicho, hallar otro álbum en el que el máximo valedor y talento del grupo, Eddie Van Halen, “se luzca” de la manera en la que lo hace en “Balance”. Complicado, añadamos, es poner a la altura potencial de, por ejemplo, “Not Enough” o “Can’t Stop Loving You”, como hits radiables, muchos otros temas del grupo, al menos, fuera de los que dejó “1984” (las pruebas están más abajo en forma de videos). Además, tiene el honor de ser el último álbum de esa alineación que encabezaba Sammy Hagar y que soportó con éxito la partida de una estrella como David Lee Roth (lo que no deja de ser un dato histórico importante) y es el -casi- único responsable de que durante los 90s nos acordáramos de una de las bandas más grandes de la historia del rock.

Pues bien, entonces, ¿qué pasa con “Balance”? Mejoró en ventas al desahuciado y anterior “F.U.C.K”, pero siguió quedándose por debajo en ese criterio de los dos primeros trabajos con Hagar y, por supuesto, de los grandes éxitos con D.L.Roth y, más importante (ya que, después de todo, el “descenso” de ventas significó un triple platino y número 1 en USA, pero es que estamos hablando de Van Halen), a estas alturas es ya el gran olvidado de su discografía cuando toca comentar sus mejores momentos y hasta es, casi para cualquier motivo, difícil siquiera su mención.
Cosa de la época, dirán algunos, y le echarán la culpa a los “malditos 90s”.

Pero no nos engañemos, es difícil ver un disco tan maduro, limpio y potente en su discografía de los 80s, tanto o más escuchar ese protagonismo de bajo y batería (y qué batería) en un disco de los Van Halen más mediáticos, y casi imposible imaginar un trabajo con tan espectacular producción –aquí extendiéndolo a cualquier otro grupo de rock- antes de esos mismos años 90s.
Si la cosa es así y, por tanto, la “culpa” tiene que quedar, en buena parte, para nosotros (el público), restauremos deudas y digamos que si “Van Halen” es el prodigio de su primera época (y uno de los prodigios del hard rock de los 70s en general) y “1984” uno de los más importantes discos de los 80s, un disco tan bien hecho como “Balance” es por derecho propio una de las mayores joyas de madurez de Van Halen y del had rock de los últimos 15 años.

1993 - Aerosmith - Get A Grip

2009-01-31T03:29:00.000-08:00

Habíamos visto a los resucitados Aerosmith de los 80s reconvertidos con éxito, para el hard rock de orientación metalera, en una máquina de crear hits. Recordábamos a los Aerosmith clásicos como un gigante del rock de los 70s. Pero “Get A Grip” nos descubrió definitivamente a los Aerosmith más melódicos y mediáticos.

No debió, por supuesto, ser un descubrimiento del agrado de todo el mundo, más viendo que la masiva aceptación popular del disco los condujo en adelante a explotar esta faceta. Y es que, como suele pasar en estos casos, no faltaron las voces de algunos puristas escandalizados al ver a “su” banda a todas horas en los medios y haciendo soñar a adolescentes, pero es innegable que el álbum supo llegar a ser, como estuvo pensado, uno de los mayores bombazos –si no el mayor- que ha tenido el mundo del rock desde entonces.

Gran parte de la culpa la tuvieron tres singles de aire baladero preparados al límite para ser bandera de una nueva etapa.
“Cryin”, “Crazy”, y “Amazing” no sólo se concibieron como tres temas de excelente gancho comercial y contagiosa emotividad, sino que vinieron acompañados de otros tantos video clips de gran factura que inundaron día tras día las televisiones hasta que toda una generación de chavales llegó a fantasear con aquella chica rubia que los protagonizaba (incluyendo a las chicas que quisieron parecerse a ella), a conocer los encantos a la hija del mismísimo Steven Tyler y a emocionarse con las historias que contaban.
Pocas veces hemos visto una manera tan rotunda de aprovechar todos los medios para lanzar unos sencillos (y hasta las carreras de Alicia Silvestone –la chica rubia- y Liv Tyler como actrices), y sólo los demasiado jóvenes o los que huyeran irracionalmente del rock en aquella época no los recordarán como si se tratara de ayer.

Para compensar la balanza, ‘Walk On Down’, ‘Fever’ o ‘Eat The Rich’ recordaban al que se caía rendido a Aerosmith comprando su disco que se trataba de una banda de rock duro. Imparable, vendió en todo el mundo más de 20 millones de copias y se colocó como el álbum internacionalmente más vendido del grupo, además de llevarse dos premios Grammy. Por el camino, además, consiguieron algo no menos importante, hacerse con una nueva base de seguidores más jóvenes para ampliar y reciclar su veterana corte de cara al futuro.
Es fácil entenderlo con estos temas:

1. "Intro" (Steven Tyler, Joe Perry, Jim Vallance) – 0:23
2. "Eat the Rich" (Tyler, Perry, Vallance) – 4:09
Primer bombazo de aire “vacilón“, gusto sleazy y estribillo coreable.

3. "Get a Grip" (Tyler, Perry, Vallance) – 3:58
Todo un himno que recuerda viejos éxitos a medio tiempo y con ese tan personal estilo vocal con el que de vez en cuando S.Tyler nos suele sorprender.

4. "Fever" (Tyler, Perry) – 4:15
Subida de las revoluciones, y de la “fiebre”, combinando los ritmos más acelerados con esas melodías para reventar estadios.

5. "Livin' on the Edge" (Tyler, Perry, Mark Hudson) – 6:20
Vuelta al medio tiempo con un tema de gusto clásico e impecable factura.

6. "Flesh" (Tyler, Perry, Desmond Child) – 5:56
Otro excelente trabajo vocal en un tema rockero pero accesible, con colaboración del Rey Midas del momento, Desmond Child.

7. "Walk on Down" (Perry) – 3:37
Uno de esos cortes que nos recuerdan que Guns N’ Roses escogieron unos buenos maestros.

8. "Shut Up and Dance" (Tyler, Perry, Jack Blades, Tommy Shaw) – 4:55
Más colaboraciones estrella (Shaw y Blades, ni más ni menos) en otro tema animado y muy de la época.

9. "Cryin'" (Tyler, Perry, Taylor Rhodes) – 5:08
Y la primera de las baladas. Poco más que decir de ella que lo mucho que nos rescata este video de la memoria:

10. "Gotta Love It" (Tyler, Perry, Hudson) – 5:58
Un experimento sleazy casi funky muy “a lo Aerosmith” en el puente hacia el otro exitazo.

11. "Crazy" (Tyler, Perry, Child) – 5:16
Impagable. Aquí va:

12. "Line Up" (Tyler, Perry, Lenny Kravitz) – 4:02
Divertido tema con la colaboración de L.Kravitz.

13. "Amazing" (Tyler, Richard Supa) – 5:56
Cerrando el capítulo de baladas millonarias:

14. "Boogie Man" (Tyler, Perry, Vallance) – 2:16
Y acabando el disco, una “outtro” que cierra el círculo con elegancia.
Ahora que empezamos a tener cierta perspectiva, está claro que los 90s también nos dejaron grandes clásicos. "Get A Grip" es uno de los más reconocibles.

2005 - Gotthard - Lipservice

2009-01-27T10:50:00.000-08:00

Con todo lo que se ha hablado de este disco desde que apareció, primero para aclamarlo como la sensación actual del hard rock, y en seguida para citarlo como si de un veterano clásico del género se tratara, no hay duda de que será uno de los elegidos que pasarán a la historia como lo más destacado de la década.

Tanto para buena parte de la crítica como para la mayoría del público, “Lipservice” hizo pasar a Gotthard, de ser una banda de segunda fila en lo popular –fuera de su Suiza natal, que allí cuentan sus discos por números 1-, al estatus de estrellas del hard rock. Y esto, con todo lo que conlleva, incluído el rescate de sus discos anteriores, casi olvidados y que ya en su momento habían pasado desapercibidos, para reconsiderarlos como piezas maestras. ¿La razón del alboroto?

Un fenomenal conjunto de temas capaces de poner de acuerdo a los que gustan del hard rock de corte clásico (aunque en este caso se ampliaría este concepto para meter también al ochentero) y a los seguidores del rock duro con gancho más actual. Por ejemplo ¿teclados de sonido setentero? Pues también guitarras de sonido limpio y potente. ¿Un tema “rockandrollero” de ritmo marcado a la vieja usanza? Pues otros cuantos de melodías tan accesibles como contemporáneas.

Para más éxito, “Lipservice” supo compensar los temas más “serios” con los hits descaradamente radiables y comerciales –en el buen sentido- (no es necesario nada más que ver el clip de abajo para entender este segundo “tipo”), y exprimir lo mejor de los dos terrenos.
Y es que condiciones propias, y buenos maestros no les han faltado.

Deep Purple, Whitesnake, Van Halen... a todos los podemos encontrar en algún momento como influencia, pero se les ha reconocido –y con razón- haber sabido crearse un sonido “suyo”, encabezado –como tantas veces ha pasado en el género- por una voz reconocible y descatada, la de Steve Lee.

Así las cosas, no es de extrañar que “Lipservice” acabara por hacerles llegar la suerte de una vez por todas en forma de un éxito internacional que ya se estaban mereciendo, y más ampliamente, que con ellos el hard rock (por lo menos en Europa) encontrara una nueva banda que pudiera servirle de puntero para las nuevas generaciones.

2006 - Roadstar - Grand Hotel

2009-01-25T04:31:00.000-08:00

Algo se debió remover en la Gran Bretaña musical mediada esta década cuando en poco tiempo aparecieron de la nada una serie de grupos que prometían estrellato practicando, y revisando, un ya casi olvidado hard rock de inspiración setentera. The Darkness, The Answer, y estos Roadstar son los más claros ejemplos, aunque es más que visible a estas alturas que precisamente estos últimos son los que menos suerte han tenido en lo popular.

Su momento, eso sí, lo tuvieron, y con este LP debut consiguieron un brillante conjunto de temas que, bebiendo –entre otros de menor personalidad- de los Led Zeppelin más accesibles, de Aerosmith o de AC/DC, actualizaba el rock duro más clásico con un buen sonido y temas, en general, más amigables en la melodía (que no en sonido general, por momentos cercano al heavy), entre los que se contaban auténticos himnos como este “Roadstar” de aquí abajo que dio nombre al grupo desde 2005 (se habían formado en 2003 como Hurricane Party y habían llegado a publicar un EP -“Get This”- en 2004 bajo ese nombre, pero tras las tragedias protagonizadas por huracanes entonces no pareció una manera afortunada de presentarse) y hasta el más reciente 2007, cuando tras especularse con la desaparición de la banda –parece que la promoción y distribución que la disquera hizo ese año de su segundo LP los dejó algo más que desencantados- se acabó por reformar el grupo como Heaven’s Basement.

En cualquier caso, esa marca “Roadstar” ya dio para mucho dejándonos este tan llamativo “Grand Hotel”, que a pesar de ser su primer largo ya fue producido por Kevin Shirley (alguien que trabajara con Led Zeppelin y Aerosmith, entre otros, cosa que no deja de ser una señal de por dónde iban a ir los tiros) y les hizo salir de gira, con éxito, mano a mano con otros debutantes y compañeros de género, The Answer. Que pase a la historia como merece, entonces.

2009 - Place Vendome - Streets Of Fire

2009-01-20T09:56:00.000-08:00

Como anillo al dedo le sienta Place Vendome a Michael Kiske. Todavía más en este segundo disco, que casi se puede imaginar como un producto (muy bien) hecho para su lucimiento por la gente de la Frontiers Records, que ha encontrado en el alemán la estrella alrededor de la que construir un proyecto de éxito.
No merece menos con un talento como el que demuestra en el disco, quizá algo más homogéneo que el debut –que todavía tenía algún corte de aire más metalero repartido entre la mayoría melódica- y con un punto casi ochentero en algunas melodías y arreglos de teclados, pero en definitiva en la misma línea elegante que aquel primer álbum del 2005.
En resumen, AOR llamativo –mucha culpa la tiene el trabajo vocal- y con mucha clase.
Perfecto sería si en estos Place Vendome Kiske encontrara continuidad y estabilidad a largo plazo. Nos haría olvidar sus devaneos y salidas de tono –si este sonido es el que le gusta, fenomenal si lo hace tan bien-, y nos regalaría todo un grupo referencia en el rock melódico. Y de los que se recuerdan mucho tiempo.

1985 - AC/DC - Fly On The Wall

2009-01-18T04:28:00.000-08:00

Ahora que “Black Ice” ha conseguido la aceptación masiva para el trabajo de AC/DC puede ser un buen momento para replantearse la consideración popular de algunos eventos pasados. Porque no siempre la banda australiana ha recibido las mejores críticas, e incluso, como es bien sabido por el público rockero, fueron denostados durante gran parte de los 80s.
“Fly On The Wall” es un ejemplo perfecto de esa época, pero –aún asumiendo que no reúne la cantidad de himnos que había contenido, por ejemplo, “Back In Black”, y eso es algo, por otro lado, más que difícil- puede que merezca, como otros, una revisión o, si lo preferimos así, una “comparación”.

Sí, ahora que “Black Ice” está en boca –y en la cabeza- de todos, una escucha a “Fly On The Wall” puede hacer que alguno se dé cuenta de que aquel disco de 1985 resulta, como mínimo, tan -y yo incluso diría “más”- sólido y afortunado como el actual, por no hablar de la entidad de algunos temas (y su capacidad para funcionar en directo o su gancho) o la fuerza y convicción que desprende un conjunto que siguió con la línea más aguerrida de “Flick Of The Switch” y que como éste, parece ganar con el tiempo.

No debe considerarse un desprecio a “Black Ice”. El mundillo musical ha llegado a reconocer todas esas virtudes en el nuevo disco, y bien que se lo ha ganado, pero parece que se pueden aceptar esas cualidades ahora y seguir olvidando afrentas pasadas sin reconocer que nada ha cambiado tan sensiblemente como para que existan esos saltos de opinión pública: ¿es eso señal de que este fenómeno es “una moda” o sencillamente de que en tantos años de carrera se han ido ganando más y más base de seguidores hasta que la cosa ha acabado por impregnar a los medios?

Sea como sea, otra enhorabuena para los australianos, y una pregunta en el aire. Con las condiciones actuales, si “Fly On The Wall” fuera el nuevo disco de AC/DC, ¿no estaría ahora igualmente –e insisto, o todavía más- el mundo rindiéndose a sus pies a ritmo de “Shake Your Foundations” -aquí abajo- o “Stand Up”?

2009 - Vengeance - Soul Collector

2009-01-16T08:35:00.001-08:00

Un fenomenal disco de retorno a la escena no basta, al menos para una banda que nunca estuvo en la cúspide de la popularidad. La vuelta debe venir acompañada de un retorno al trabajo más a largo plazo, de una nueva carrera a consolidar.

Así lo deben haber entendido los holandeses Vengeance, y con un bombazo como "Back In The Ring" (2006) cosechando todavía las mejores críticas, no se han dormido en los laureles y han corrido a presentar "Soul Collector".
Bien, puede que ya no se pueda contar con el "factor sorpresa", ni con ese plus de atención que suelen recibir los retornos, además de que seguro el nuevo álbum será calificado con el típico "no llega al anterior" -que no sea tan directo y aguerrido y sí algo más melódico lo hace propicio al comentario- pero como mínimo va a conseguir que se siga hablando de la banda, probablemente más (y mejor) de lo que se había hecho nunca, incluyendo su primera etapa en los 80s.

Misión cumplida, entonces, y un trabajo entretenido, de los que gusta, quizá sin mayores pretensiones, al público hardrockero. Después de todo, Vengeance se han movido siempre, por decirlo de alguna manera, en el "estándar" (un poco de AC/DC, algo de Accept, un punto más accesible del hard rock ochentero...) y entendiendo que a estas alturas no van a salir de este público (no nos engañemos, la proyección actual del género no da para mucho más)¿a quién no le gustan estas influencias?

Dejemos a "Back In The Ring" que quede entonces para la historia, que lo merece, y pasemos un buen rato ahora con "Soul Collector".

1981 - Meat Loaf - Dead Ringer

2009-01-15T11:09:00.000-08:00

No será la primera vez –ni la última- que nos encontramos con uno de estos “discos malditos” justo después del gran “bombazo” de una discografía. Será porque el éxito no siempre ayuda al talento, puede que porque estos trabajos suelen venir con aquel clásico “no llega al nivel del anterior” puesto de fábrica, o sencillamente porque el no cumplir con unas expectativas de ventas, puestas demasiado arriba como para repetirlas, los marca como un fracaso comercial que, sin embargo y aunque a veces nos olvidemos, no tiene por qué serlo también en lo musical.

En el caso de Meat Loaf, la “maldición” de “Dead Ringer” estaba echada desde que “Bat Out Of Hell” acabara por arrollar el mundo de la música de arriba a abajo. Hay quien dice que con un exitazo como ése entre manos, Marvin L. Aday se relajó –“se dio a la mala vida” añadirían algunos- y se decidió a tomarse un tiempo de vacaciones. La discográfica, sin embargo, viendo el tirón del invento de Aday y Steinman, no tragó con demoras y quiso sacar un segundo disco.

Steinman trabajaba en nuevo material, pero cuando Marvin intentó volver a la actividad tras ese parón se encontró con sus cuerdas vocales afectadas. Achaquémoslo a esa “mala vida” que decíamos. En el aprieto y con el vocalista abandonando, Steinman finalmente publicó "Bad for Good" bajo su propio nombre, y a pesar de que la discográfica añadió un llamativo “del creador de Bat Out Of Hell” la cosa no funcionó tan bien como se esperaba. Era necesario un disco de Meat Loaf.

No sin esfuerzo del cantante, lo tuvimos: “Dead Ringer” salía en breve aprovechando los temas que Steinman había escrito durante la época de éxito de “Bat Out Of Hell” y que nunca habían entrado a grabar. Pero la cosa no se había acabado de torcer todo lo que podía. En nada, hubieron dos discos a la vez, el de Steinmann y el de Meat Loaf, compitiendo en las tiendas y en las campañas de marketing –algo que llevó a que surgieran los problemas entre los dos socios, y a su conocida separación- y las ventas del segundo se resintieron. Unido a su caótica situación personal, la bajada comercial llevó al orondo vocalista a la ruina.

Hablar de la bajada de ventas de “Dead Ringer”, eso sí, resulta engañoso. El disco fue número 1 en UK, y tuvo tres singles de éxito, encabezados por aquel célebre “Dead Ringer For Love” en el que cantaba como artista invitada –otra de las maniobras comerciales de la disquera- Cher.

Así las cosas, lo de “fracaso”, sólo se puede explicar recordando que “Bat Out Of Hell” había sido, y es todavía hoy, uno de los discos más vendidos de la historia de la música. Y –reivindiquemos su valía- si aquel disco funcionó, “Dead Ringer” no debería haber merecido mucho menos.
Misma fórmula –rock’n roll, pianos, aires de divertido y casi bailable musical, baladas, algunas guitarras más pesadas y mucho protagonismo vocal- y resultado más que notorio. Pero ¿cuánta gente habrá que disfrute del aclamado disco del ’77 y ni haya dado una oportunidad a “Dead Ringer”? Para pensárselo.

2006 - Black Stone Cherry - Black Stone Cherry

2009-01-11T04:40:00.000-08:00

Su discográfica debió pensar que no merecía la pena apostar por la distribución de un disco debut tan americano en Europa, y a pesar de que su lanzamiento fecha del verano del 2006 en los USA poco hemos visto de Black Stone Cherry por estas tierras hasta tiempo después. Pero parece que se van arreglando cuentas pendientes y por muy debut que sea “Black Stone Cherry” ya ha dado suficiente nombre en los Estados Unidos a este grupo y ha demostrado el suficiente empaque para que, por lo menos los más aficionados al hard rock de pura “tradición yanqui”, lo estén considerando también aquí como un futuro clásico del género.

Es cierto, eso sí, que no se trata de un disco “tradicional”, sino que lo de “hard rock americano” es en este caso es un término que se extiende ampliamente para recoger todo tipo de sonidos en una fórmula única y original que, probablemente, es la responsable de los elogios que han recibido (y dicho sea de paso, de las críticas de los más puristas).

De Lynyrd Skynyrd a Metallica, pasando por Soundgarden o Pearl Jam, muchas son las influencias que se les han otorgado para describir su rock potente, denso, rudo y de orientación metalera, empapado además de melodías de corte sureño. Zakk Wylde y su “Pride And Glory”, por ello, podría ser la referencia a la que se les podría acercar si se tratara de resumirlo en un solo nombre (de hecho hasta la voz guarda cierto parecido), pero estos cuatro chicos de Kentucky parecen muy a gusto también en terrenos más heavys y pesados.

Sea como sea, han conseguido que esta naturaleza ecléctica no se presente como una excentricidad sino, más bien al contrario, quede representada en un conjunto extremadamente sólido y –mérito doble- homogéneo aunque para nada muy accesible. Vista la orientación de su segundo disco ya publicado, quizá esto último es algo que han querido cambiar a favor del calado que pueda tener en los medios, pero la escucha atenta de los dos discos dice a las claras que es el disco debut el que derrocha tal personalidad y fuerza que acabará convertido en cita obligada cuando años allá se repasen los clásicos que dejó esta década. A golpe de fuerza nos lo aseguran “Rain Wizard” -abajo en directo- o “Crosstown Woman”, junto a todo un listado de temas que machaca una y otra vez, así como la sencilla magia de momentos de respiro como “Hell And High Water”. Hagámosles caso.

1987 - Black Sabbath - The Eternal Idol

2009-01-10T03:18:00.000-08:00

Muchas de las más grandes bandas han pasado épocas “complicadas”, pero sólo algunas han podido entonces seguir publicando grandes trabajos, más allá de problemas como la inestabilidad en la formación o el olvido de los medios.
Si hay un ejemplo claro de este caso, ése es el de Black Sabbath en su época post-Dio: tanto en la incertidumbre por el futuro de un grupo en descomposición y sin más referencia que T.Iommi como en el desprecio que ha sufrido históricamente, supone desde su primer intento con Gillan hasta su etapa con T.Martin a las voces todo un camino de lo más tortuoso.
Pero hasta dentro de esta época de grandes “discos malditos” se puede destacar a un álbum concebido y publicado en circunstancias especialmente extrañas: “The Eternal Idol”.

Para situarse un poco: tras un “Seventh Star” que ni siquiera iba a salir publicado bajo el nombre de Black Sabbath, el bajista Dan Spitz parece adquirir peso en la nueva e inestable formación y presenta a Iommi –aunque se dice que el que lo llevó ante el guitarrista fue la novia de Spitz- a un cantante llamado Ray Gillen.
Se le hace una prueba a escondidas de Glenn Hughes, que había cantado en el disco anterior y participaba en el tour, en el mismo autocar de la gira. Gillen termina sustituyendo a Hughes en la gira y sobre la marcha y con la sangre nueva se componen nuevos temas de los que se conservan varias demos (bajo estas líneas se puede escuchar la del tema del título, comparada con el posterior resultado definitivo), pero las cosas no funcionan internamente y Spitz es sustituido por Bob Daisley, con lo que Gillen, su recomendado, se molesta y de paso Eric Singer, el batería, se le une en el desencanto por del descalabro que por entonces era Black Sabbath.
Ellos dos se unen al margen para comenzar una nueva andadura que acabaría por llamarse Badlands y primero Gillen, que deja a Iommi, Singer y Daisley junto al teclista Geoff Nicholls grabando un disco ya casi preparado sin nadie para cantar en él, y luego Singer, abandonan definitivamente.
Para colmo, Daisley tampoco ve futuro en el asunto y huye de una banda por entonces maldita. Para salir del paso, Iommi recluta a un conocido, Tony 'The Cat' Martin, que cantaba en la banda AOR Alliance para que grabe las voces del álbum y, a fin de cuentas, este es el momento en que por fin le sonríe la fortuna: Tony Martin acaba por ser el abanderado de la tercera gran época de Black Sabbath, siendo el frontman del veterano grupo ya durante años.

The Eternal Idol (Ray Gillen)

The Eternal Idol (Tony Martin)

La alianza daría muy buenos resultados en la composición y a pesar de la falta de popularidad de esta era T.Martin ha acabado por ser reconocido como el magnífico vocalista que es, siendo muchas veces comparado en estilo con el mismísimo –y protagonista de la anterior “gran época sabbática”- Dio, pero “The Eternal Idol” había sido preparado con otros planteamientos –Martin se encontró ya un disco compuesto- y el resultado tiene ese punto de particularidad y variedad anterior a lo más asentado de los dos discos posteriores, lo que suma sin embargo un valor en “rareza” que lo coloca entre los más notables discos “de culto” y para nada resta en calidad.
Es Black Sabbath, al fin y al cabo, y esta vez con momentos para el gusto de los amantes de la época de Dio, de Ozzy y hasta de algo más allá.

2000 - Halford - Resurrection

2009-01-07T08:05:00.000-08:00

Llegó nada más empezar, pero para muchos el gran acontecimiento de la década será la vuelta al metal –a “su” metal, y por todo lo alto- de Halford. Nos hemos vuelto a acostumbrar a verle entre cuero y tachas e incluso al frente de Judas Priest, pero hay que recordar que no siempre fue así, y que en un momento dado, “Resurrection” supuso la más grande ilusión posible para gran parte de la “parroquia” –y nunca mejor dicho- metalera de siempre.
“El disco que Halford nunca llegó a grabar con Judas Priest”, “el verdadero sucesor de Painkiller”, o hasta “¿el mejor disco de ‘Judas Priest’?” fueron comentarios habituales en el 2000, convirtiéndose el Metal God de nuevo en referencia mediática dentro de un panorama en el que sólo se le pudo comparar en importancia la noticia del disco de la vuelta de Dickinson a Iron Maiden.

Sí, el gigante ausente buena parte de los 90s, Judas Priest, ya había reencauzado su carrera sin él, pero pocos habían aceptado esa evolución (¿sustituir al “Dios”? ¿Priest sonando “actualizados”?) y el regreso de Halford a sus raíces (¿quién quiso acordarse de que en su “evolución” hasta ese punto se había ido mucho más lejos que los propios Priest?) fue algo así como la vuelta del hijo pródigo y a la vez una colleja a sus ex compañeros.
Todo se olvida pronto, y todos teníamos ganas de volver a escucharle escupir los tópicos de siempre entre riffs afilados como cuchillas. Él sabía lo que le convenía y dejó claro que había “resucitado” de nuevo el espíritu de Priest. Nada de medias tintas, “Resurrection” era premeditadamente “el disco de Judas Priest”, y consiguió con él uno de los mejores resultados posibles para un trabajo que pretenda moverse en esos parámetros del heavy metal. Efectivo, directo, potente, y sólo algún guiño más melódico y denso que apuntaría para donde de verdad le apetecía tirar y que, por otro lado, con el siguiente “Crucible” se nos enseñó como una línea interesante –si bien no tan “segura” para el público- que de momento parece haber quedado cortada.

Pero el primer paso estaba dado y las cosas empezaron a girar como todo el mundo esperaba y la mayoría deseaban: pronto se dijo que con Halford en ese camino no tenían sentido “dos versiones diferentes de Judas Priest”, que Halford quería voler a su cuna y finalmente... que estaba hecho: Judas Priest reunidos y dispuestos a hacer como si nada hubiera pasado en una década. Especulaciones sobre los intereses del evento al margen, su nueva carrera ha acabado demostrando, afortunadamente, que la cosa iba en serio y que podían volver a sentirse tan fuertes como equipo para incluso probar caminos nuevos y más complicados en todos los sentidos.

No hay duda, el pistoletazo de salida lo puso el Metal God con su resurrección, secundado con el gran trabajo en la producción de Roy Z (que también firma la composición de hasta 8 temas junto al protagonista del disco) y a los instrumentos (y también ayudando en la composición) de P.Lachman, M.Chlasciak y B.Jarzombek.
Incluso muchos dirán hoy que ese pistoletazo fue en definitiva el disparo más afortunado que se ha dado desde entonces. Para el que se quedara colgado desde “Painkiller”, para el que buscara viejas sensaciones o, en definitiva, si lo que se quiere es heavy metal, poco más se puede pedir: uno de los discos de la década.

2005 - Crashdïet - Rest In Sleaze

2009-01-06T03:06:00.000-08:00

Si hubiera que hacer un repaso a lo más destacado de la década en los círculos del rock duro, un capítulo importante se lo llevaría sin duda ese revival hardrockero que hemos visto venir desde Suecia para arrollarnos recuperando los sonidos de los 80s. Y si dentro de este capítulo hubiera que escoger un disco para servir de ejemplo, a estas alturas la mayoría pondría a “Rest In Sleaze” como punta de lanza.

Lo tiene todo para representar a su generación: es un disco debut (hemos visto más debuts llamativos que, todavía, carreras consolidadas en esta generación), llega de parte de unos jóvenes suecos sin más referencias ni demasiados medios de distribución pero se hace un nombre en seguida entre el público hardrockero, y presenta una apuesta absolutamente deudora de una época pasada (y entendemos que gloriosa para amantes del género, que en el norte debió calar mucho el impacto de sus paisanos Europe o Shotgun Messiah) en lo musical –ojo, casi siempre con un extra actual en la producción que los hace más potentes- y en lo estético.

Puestos a resucitar aquel momento, para la llegada de Crashdiet no tardaron en salir las comparaciones –y son evidentes las influencias- con los primeros Mötley Crüe (los del “Too Fast For Love”), aunque también se les pudieron añadir retazos de Dangerous Toys, Guns N’ Roses, Shotgun Messiah –no en vano estos procedían del mismo país- y la potencia de unos Skid Row.
Para cualquiera que echara de menos 1989 en ese terreno, eran suficientes referencias como para correr a conseguirlo. Pero por si acaso, “Rest In Sleaze” vino presentado por un single, este “Riot In Everyone” que podemos disfrutar abajo, que ponía las cartas sobre la mesa de manera impactante.

Y la cosa no paraba ahí. "Queen Obscene / 69 Shots", “Breaking The Chainz”, “Knokk ‘Em Down”... todo un listado de trallazos repletos de convicción por un estilo de vida que se llevó a muchos por delante –lamentablemente, en más de un sentido- hace un par de décadas, y que ha quedado demostrado que todavía tiene, y más que podría tener si los medios se convencieran de la conveniencia de volver a apostar por algo que ya les dio muchos millones en su día, mucho gancho.
Demostrarlo es tan fácil como seguir escuchando lo que planteó Crashdiet:

Basta con este “Knokk ‘Em Down” para ver que es difícil encarnar mejor el gusto por aquel tiempo que con la interpretación de David Roberto Hellman (“Dave Lepard” –sobrenombre bien escocogido- para la posterioridad) y sus chicos.
Destinado a completar el mito, 2006 nos trajo la noticia del suicidio de este contagioso vocalista, afectado de una depresión, antes de que la banda llegara a acometer siquiera su segundo LP.

Sin embargo, Crashdïet ha salido adelante (aunque veremos qué suerte les depara el futuro) y la salud, a tenor de la creciente cantidad de nuevas formaciones que llegan cada año desde Suecia, de la generación que representa parece, de momento y hasta nuevo cambio de tendecias, irrompible.
Descanse en paz Dave, y que se le recuerde –qué manera mejor- convirtiendo en nuevos clásicos los temas, como este “Breaking The Chainz”, que dejó grabados a fuego.